Le blog de christianlegac

Léopold PERNES  ( 1912 - 1980)

Eugène BEGARAT (1943)

La Bretagne et beaucoup OUESSANT vue par Christian CAILLARD...

Hugues Christian CAILLARD est un peintre français né le 26 juillet 1899 à Clichy et mort à Paris-9° le 18 septembre 1985, âgé de 86 ans.

Hugues Christian Caillard est le fils de Gabriel Caillard-Belle, publiciste, et de Jeanne Huguette Olga Wagram Mendès (fille de Catulle Mendès et d'Augusta Holmès). Après des études au collège Rollin, il se présente à l’École centrale. Mobilisé en 1918, il sert dans l’artillerie, mais à son retour à la vie civile, il se décide à abandonner les sciences pour se consacrer à la peinture. Son oncle, Henri Barbusse, lui offre sa première boîte de peinture. En 1921, Caillard entre à l’académie Biloul où il reste quelques mois et fait la connaissance d’Eugène Dabit, le futur auteur de L'Hôtel du Nord et du peintre Georges-André Klein. En 1921 Christian Caillard rencontre Irène Champigny. Dès l'année suivante, le duo se lança, avec succès, dans la fabrication et la vente de pièces de soie décorées en « batik ». Ce procédé de décoration et de coloration des tissus au moyen de cire chauffée est originaire de Java. Rapidement le procédé avait conquis le public parisien : « Le batik n'est plus une vogue, mais une fureur qui sévit à l'état épidémique. Tout le monde batike ou veut batiker. », écrivait un chroniqueur de la revue Les Modes de la femme de France, le 5 août 1923. Champigny avait, en 1924, obtenu une importante commande des Galeries Lafayette, si bien que les deux artistes avaient dû transformer leur travail artisanal en fabrication industrielle, racontait Caillard. Champigny exposa avec succès leurs créations à la Grande Maison de Blanc, place de l’Opéra, et obtint même l'aménagement d'une partie de ses locaux en galerie, où elle exposa ensuite les peintures de Loutreuil, Dabit, Appia et Caillard.Puis en 1923, Caillard rencontre le peintre Maurice Loutreuil qui devient pour le jeune artiste, non seulement un maître, mais aussi un ami et un guide.

En 1927, Caillard exécute son premier séjour au Maroc. Encouragé par ce premier essai de dépaysement, il se résout à faire un long périple à travers le monde afin d’accumuler les croquis et les impressions. C’est ainsi qu’il visite successivement l’Indochine, Bali, Tahiti et la Martinique. De son long séjour à Tahiti, il laissera une fille qui restera vivre au sein de sa famille.

Il sera fidèle au 9^e arrondissement de Paris de 1935 jusqu’à sa mort, en 1985, au 6 rue Clauzel, à deux pas du petit magasin où le père Tanguy vendait des couleurs... ou les échangeait contre des toiles aux plus grands artistes (Van Gogh, Pissarro, Gauguin, Cézanne, Monet, Renoir, et bien d’autres...) Christian Caillard a eu son atelier de peintre pendant cinquante ans. C’est là qu’il travaillait à Paris et qu’il rapportait ses toiles « moissonnées » à travers le monde. Mobilisé en 1939, il est fait prisonnier dans les Vosges en 1940. Libéré en juin 1941, il recommence à peindre et, à partir de 1945, vient se fixer en Bretagne dont il aime les landes sauvages et solitaires.

En 1948, il rencontre Monette Pinat dont il aura deux fils, Vincent et Laurent, qui vivront au 61 de la rue du Pré-Saint-Gervais, dans le 19^e arrondissement de Paris. Cette maison abritait l’atelier de Loutreuil qui laissa ses toiles et sa maison en mourant en 1925, « pour disposer de tout comme bon lui semblera », précisait-il dans son court testament révélateur de sa confiance en la fidèle amitié de Caillard.

Tout en partageant son temps entre Paris, Saint-Tropez et la Bretagne, Caillard fait à nouveau de longs séjours au Maroc, au Mexique, en Grèce et en Espagne, où il acquiert une maison en 1956 à Javea près d’Alicante. En 1956, il rencontre Chantal de Marans qu'il épousera à Paris-9° le 6 janvier 1962 (Mention marginale in Acte de naissance,A.D.Hauts-de-Seine,E NUM CLI 1899,acte 599,vue 101/168) et dont il aura une fille, Elisabeth. A Vevey, en Suisse, Caillard participe en 1957 à l’exposition des « peintres de la réalité poétique ». Après une importante rétrospective à la galerie Durand-Ruel en 1963, il reprend son périple à travers le monde. Il séjourne une année à Madagascar en 1964. Il retourne plusieurs fois au Maroc en 1966, en 1968 et en 1970.

La Galerie de Paris organise pour lui en 1969 une prestigieuse exposition particulière. Il repart à Ceylan en 1971. En octobre 1972, la galerie des Granges à Genève présente une grande exposition de Caillard, « Cinquante ans de peinture », puis il séjourne six mois à Bora-Bora en 1973, voyage en Tunisie en 1974, à Bali en 1975, au Mexique en 1976. À son retour, la galerie André Weil lui consacre une rétrospective en octobre 1976. Puis il repart au Népal en 1979. De 1981 à 1985, il passe son temps entre son atelier parisien, sa maison de Javea en Espagne et l’île d'Ouessant.

En novembre 1984, il est une dernière fois présent à Genève, où la galerie de la Corraterie - faisant suite aux expositions qu'elle lui a consacrées en 1978-1979 et 1981 - présente ses œuvres récentes.

Après sa mort, la galerie Jean-Pierre Joubert lui rend hommage à Paris dès juin 1986, alors que la ville de Menton le reçoit en avril 1987 au Musée des Beaux arts du palais Carnolès, et qu’à la suite d'une exposition à la galerie Künsthaus Bülher de Stuttgart en 1995, la ville de Paris lui consacre une importante rétrospective, en 1997, pour l’honorer en tant que « peintre du 9^e ».

Jane PETERSON  (1876-1965)                                Photos    1   à   12  

Maurice LEDERLE  (1887-1988)                             Photos     13 à   23

Maryvonne MEHEUT (1908-1992)                        Photos     24 à   29

       (Fille de Mathurin MEHEUT)

Hippolyte BERTEAULT  (1845-1926)                     Photos     30 à   36 

Kaùesuke HIRAGA  (1890-1971)                           Photos     37 à   42 

Auguste BOULARD Fils (1852-1927) Loguivy      Photos     43 à   54

Louis AZEMA  (1876-1963)                                    Photos     55 et  56

Lucien GENIN  (1894-1953)                                   Photo            57

Emile COMPARD (1900-1977)                               Photos      58 à   66

Auguste LEROUX (1831-1954)                              Photos      67 à   69 

Léon BROQUET  (1869-1935)                                Photos      70 à   72

André BERONNEAU (1896-1973)                          Photos      73 à   98

Robert LAROCHE  (1896-1974)                             Photos      99 à   109 

Virginie MERCIER DUGUY (1977...)                       Photos    110 à   120 

Jean MORLAINE  (1953...)                                      Photos    121 à   126    

Henriette BELLAIR, née à Paris le 17 décembre 1904 et morte le 2 juin 1963 à Nantes, est une peintre et illustratrice française.

Fille d'une mère miniaturiste et lithographe et d'un père architecte décorateur, sa famille s'installe à Nantes en 1913 où elle fait des études de littérature et d'histoire avant d'entrer aux Beaux-arts. Devenu professeur de dessin, membre de la Société des artistes français, elle expose des toiles sur le littoral breton et se fait aussi connaître pour ses illustrations d'ouvrages.

On lui doit par ailleurs des lithographies érotiques, tel Les aventures du roi Pausole de Pierre Louys (1929).

Hervé AVNAR (1954)

Jean Francis AUBURTIN né le 2 décembre 1866 à Paris et mort le 22 mai 1930 à Dieppe est un peintre français.

Son art, influencé par celui de Pierre Puvis de Chavannes, est rattaché au mouvement du symbolisme.

Jean Francis Auburtin est le fils aîné d'une famille de quatre enfants. Son père, Alexandre Émile Auburtin (1838-1899), architecte de la Ville de Paris, est originaire de la Lorraine. Jean Francis Auburtin est inscrit à l'École alsacienne à Paris en 1875. Il ira jusqu'en rhétorique avec André Gide et Pierre Louÿs.

Formé dans sa jeunesse par le peintre Louis-Théodore Devilly (1818-1886), il est admis à l'École des beaux-arts de Paris, qu'il quitte sans se présenter au concours du prix de Rome. Il épouse Marthe Deloye, fille d'un général d'artillerie et sœur d'un de ses condisciples de l'École alsacienne. Le couple partira en 1893 pour un long voyage de noces à travers l'Italie, retournant aux sources de l'art du Quattrocento.

En 1897, Auburtin étudie la faune et la flore sous-marine aux aquariums de Roscoff et de Banyuls d'où il rapporte de nombreux croquis qui lui permettront de réaliser en 1898 Le Fond de la mer, grand décor destiné à l'amphithéâtre de zoologie de la Sorbonne à Paris.

Il séjourne dans les îles d'Or et longtemps à Porquerolles, puis en Bretagne — Erquy, Bréhat, Ploumanac'h, Belle-Île — où il réalise des œuvres conservées au musée de Pont-Aven. Puis il découvre la Corse, les sommets des Pyrénées, les nombreux lacs des Landes et Talloires sur les bords du lac d'Annecy chez ses amis, le peintre Albert Besnard (1849-1934) et sa femme la sculptrice Charlotte Besnard (1854-1931).

À la demande de l'architecte Marius Toudoire en 1901, Jean Francis Auburtin participe à la décoration du restaurant du Train bleu de la gare de Lyon à Paris, avec la Ville de Nice destinée à orner le vestibule.

Auburtin découvre Varengeville-sur-Mer en 1904. Il y achète un terrain en 1907 et demande à son frère, l'architecte Jacques Marcel Auburtin (1872-1926), de lui construire une maison. Il se lie d'amitié avec Guillaume Mallet, créateur du domaine du bois des Moutiers dans le village de Varengeville, déjà portraituré par Claude Monet qu'il rencontrera entre 1896 et 1897.

Dans son atelier du quai Carnot à Saint-Cloud, il reçoit son ami Auguste Rodin avec lequel il partageait quelques modèles. C'est dans cet atelier que son amie, la danseuse américaine Loïe Fuller, donnera en 1914 un spectacle avec sa troupe. Il réalise également de 1909 à 1920 des gouaches avec l'école de danse d'Isadora Duncan.

Il est inhumé au cimetière marin de Varengeville-sur-Mer.

Charles POURRIOL, né le 16 juin 1873 à Saint-Chéron et mort le 8 juin 1910 à Triel-sur-Seine, est un dessinateur humoristique et illustrateur français.

Charles Albert Pourriol naît en 1873 à Saint-Chéron, au château de Baville où son grand-père maternel est régisseur. Il est le fils de Joseph Pourriol, préposé aux perceptions municipales de la ville de Paris, et d'Elisa Leclerc, établis 5, rue Laroche, une ancienne voie des entrepôts de Bercy. Devenu artiste peintre, il s'engage dans l'armée en 1894, pour une durée de quatre ans.

Pourriol collabore à partir de 1904 à de nombreux périodiques illustrés tels que Qui lit rit, L'Indiscret, Le Rire, Le Bon Vivant, Le Cri de Paris, Le Petit Illustré amusant, Rions, Mon Beau Livre, Le Pêle-Mêle, Pages folles, Le Sourire, Fantasio, Le Charivari, L'Humoriste, Lectures pour tous. En 1908, il exécute le personnage de la couverture du magazine Touche à tout.

Il est l'illustrateur d'ouvrages, dont La Bataille de Claude Farrère (Fayard, 1909).

Il meurt en 1910 peu avant son 37^e anniversaire, à son domicile du 14, quai de Seine à Triel-sur-Seine.

René LE FORESTIER (né à Pontivy le 17 janvier 1903 et mort à Concarneau le 4 septembre 1972) est un peintre français qui a vécu à Concarneau et peint surtout la Bretagne.

Ayant au départ une formation de coiffeur, René Le Forestier fut un élève d'Arthur Midy et s'installa à Concarneau 14, place Saint-Guénolé où il tenait une galerie d'art, en plein cœur de la "Ville close" qu'il peignit abondamment. Peintre de grand talent, il réalisa aussi beaucoup de "peinture alimentaire", c'est-à-dire des œuvres de petit format vite peintes, mais à la portée de toutes les bourses. Les nombreuses scènes de vie qu'il représenta sont des témoignages précieux sur la vie en Bretagne dans les décennies du milieu du XX^e siècle^.

Eugène VILLON né à La Haye le 26 décembre 1879 et mort à Caluire le 7 novembre 1951 est un peintre et graveur français.

Né à La Haye d’un père français et d’une mère hollandaise, Eugène Villon vit d’abord en Hollande où il étudie la peinture et le dessin. Avec sa mère, ils s'installent ensuite à Nice où il suit l’enseignement d’Auguste Clément Herst à l’école des beaux-arts. Pétri de l’école flamande et élève doué, il obtient sa première commande en 1895 avec la décoration murale du Grand Théâtre de Genève.

Il s’installe à Lyon vers 1900, fait de la retouche photographique puis se fait remarquer chez Arnaud, lorsqu’il crée la série des menus de la Bénédictine. Il s'adonne également à l'aquarelle. Il met au point un procédé d’exécution qui lui permet de donner à ses œuvres de peinture à l’eau la puissance de l’huile. Eugène Villon fait de l'aquarelle sa matière ; il sait maîtriser les effets, retrouve les transparences.

Il séjourne au Maghreb où il s'illustre dans l'évocation des souks et mosquées. Avec les traits et le rictus complice du Vieil Arabe, et les traits racés et ombrés de la jeune Nord-dévoilée, Villon dépasse les simples apparences.

Eugène Villon est connu à Lyon mais aussi dans les nombreuses villes d'Europe où il se rend pour travailler : Amsterdam, Bruxelles, Bruges, Strasbourg, Venise, Nice. Il se rend aussi en Afrique du Nord ainsi que dans de nombreuses régions : La Bretagne, la Corse, le Midi, la Savoie et l'Auvergne.

En 1908, le sous-secrétaire d'État Étienne Dujardin-Beaumetz lui achète quelques œuvres au Salon d'automne de Lyon. Très apprécié, il expose régulièrement à la Société lyonnaise des beaux-arts (SLBA) dont il devient membre du jury de 1913 à 1945. En 1926, il entre au comité d’administration de la SLBA et en devient vice-président en 1939 jusqu’en 1944. Comme de nombreux artistes lyonnais, Eugène Villon part aussi pour Paris où il expose pour la première fois au Salon des artistes français en 1907, dont il devient membre associé.

Il est membre de la Société des peintres orientalistes français où il expose de 1910 à 1943. Eugène Villon, officier de l'Instruction publique et officier d'Académie, est nommé chevalier de la Légion d’honneur en 1937. Cette décoration lui est remise par le président Albert Lebrun. La critique peut alors écrire sous la plume de J. Etievant : « Je ne crois pas qu’un artiste soit à ce point aussi près que lui de la maîtrise absolue et de la perfection^{[réf. nécessaire]} ».

Sa rencontre avec Antoine Barbier fut décisive car elle aboutit à la création de la Société des aquarellistes lyonnais en 1934.

Il meurt à Caluire-et-Cuire le 7 novembre 1951, laissant un œuvre fait de peintures, aquarelles, gravures et dessins.

Almond W DOUGLAS (1866-1916)                           Photos   1  à  2 

Richard HALL (1860-1942)                                        Photos    3  à  7

Sébastien Charles GIRAUD -1819-1892)                  Photos     8 à  14

Emile LEVY (1826-1890)                                            Photos   15 à  16

Frédérik de HAENEN  (1853-1929)                           Photos   17 à  19

Charles FOUQUERAY (1869-1956)                            Photo         20

Eric Pierre NORSELIUS (1874-1956)                         Photos   21 à  29

Jules Joseph HENRIETTE (1879-1947)                     Photos   30 à  34 

Yurl Pavlovich ANNENKOV  (1889-1974)                Photo          35    

Panos TERLEMEZIAN  (1865-1941)                          Photo          36

Jules Louis CHADEL  (1870-1941)                            Photos   37 à  41

Alberto MORROCCO (1917-1998)                            Photos   42 à 43

George Kennedy BRANDIFF (1890-1936)                Photos   44 à 51

Charles Louis Marcel HOUDARD (1855-1931)         Photos   52 à 56

Daniel REGUER                                                           Photo          57 

Paul MORCHAIN, né le 27 décembre 1876 à Rochefort où il est mort le 26 octobre 1939, est un peintre et conservateur de musée français.

Paul Bernard Louis Morchain est le fils de François Joseph Morchain, capitaine d'artillerie, et de Louise Jeanne Chariot.

Élève d'Eugène Chigot et de Paul-Michel Dupuy, il expose au Salon à partir de 1907, puis devient membre de la Société des artistes français.

Il obtient une mention honorable en 1909, une médaille d'argent en 1913 et une médaille d'or en 1920.

En 1921, il devient Peintre officiel de la Marine.

Il représente principalement sur ses toiles des paysages bretons, quelques portraits ou diverses scènes de genre comme en 1924, où il présente Les Beaux jours.

Il peint les régions de Concarneau, de La Rochelle, de Brest, de Morlaix, puis revient chaque année à Douarnenez où il prend résidence.

En juillet 1931, alors qu’il se rend avec son épouse Madeleine Muck (1884-1931) à Douarnenez, la voiture fait une embardée. Gravement blessée par des éclats de verre à la gorge, Madeleine succombe au domicile familial.

En 1932, à Los Angeles, il participe aux Compétitions artistiques des Jeux olympiques.

En 1933, il épouse en secondes noces, à Paris, Yvonne Célestine Champaut (1909-1999), artiste peintre, le peintre Maurice Pellerier est témoin du mariage.

Il devient le conservateur du musée des beaux arts de Rochefort.

 Marguerite PAULET  (1900-1979)

Née en 1900 d’Arthur KREBS et de Marie de FRÉMINVILLE.
Arthur Krebs est directeur des usines d’automobiles Panhard et Levassor,
après avoir grandement contribué aux progrès des ballons dirigeables et des
sous-marins. Marie, son épouse, de famille lorientaise, est la petite-nièce du
chevalier de Fréminville, pionnier des recherches sur les « antiquités » de
Bretagne. Leur domicile provincial est établi à La Villeneuve-Braouïc, près de
Quimperlé, au voisinage de la résidence des La Villemarqué. Un frère de
Marguerite épousera une petite-fille de l’auteur du Barzaz Breizh.
Deux influences : le souci de la réussite technique et un certain goût du
terroir. L’enfance de Marguerite est partagée entre des hivers parisiens et des étés quimperlois. En
1914 l’automne breton est prolongé, l’adolescente est charmée par un nouvel aspect du paysage. Ses
premiers croquis manifestent une sensibilité et un talent précoces. Elle suit à Paris des cours sous la
direction du peintre Vignal. Son frère Jean, aviateur ami de Guynemer, meurt. Premier deuil par fait de
guerre. Dès l’immédiat après-guerre, les séjours en bord de mer, au Pouldu proche de La Villeneuve-
Braouïc, se multiplient. Marguerite y rencontre Paul-Edouard PAULET qu’elle épouse en 1920.
Le père de Paul-Edouard, Georges Paulet, est conseiller d’Etat. Sa mère, née de La Boulaye, a dans
sa parenté le promoteur de la statue new-yorkaise de la Liberté. Paul-Edouard est ingénieur de
formation. Il obtient son premier poste dans une usine chimique de Port-de-Bouc. Le jeune ménage y
passe trois ans. Marguerite en profite pour parfaire son savoir-faire d’aquarelliste sous la lumière
méditerranéenne.
Après Port-de-Bouc, ce sera Chantenay et la découverte de Nantes. Les premiers enfants naissent.
Pour raison de santé, Paul-Edouard quitte la chimie et trouve un emploi dans la banque à Quimperlé.
C’est le retour aux sources, en 1925. Marguerite a le loisir de planter son chevalet dans les rues de la
ville ou au bord des champs. L’année de la naissance de son quatrième enfant, en 1931, son mari est
promu directeur d’agence bancaire à Douarnenez. La cité de la sardine est pour elle une véritable
révélation, un émerveillement. Elle peint avec justesse les coques de langoustiers échoués et le
fourmillement des marins autour des chaloupes. Très vite, Paul-Edouard se sent prêt à se lancer dans
l’industrie et acquiert un ancienne conserverie du Port-Rhu. Il se révèle bon organisateur et plein
d’idées commerciales. L’élan qu’il donne à ces activités mènera à la grande entreprise qu’est encore
aujourd’hui la S.A. Paul Paulet.
Douarnenez ne présente pas assez se ressources scolaires ; dès 1937 le domicile familial est déplacé
à Quimper, dans une maison du quai de l’Odet bientôt égayée par sept enfants. Du balcon,
Marguerite transcrit de son pinceau les couleurs que prennent les flèches de la cathédrale, au bout de
la perspective de la rivière, selon les heures du jour ou la saison.
Malgré les charges domestiques, elle accorde toujours une part à son art et vit dans le bonheur.
L’entrée en guerre assombrit cependant l’horizon, d’autant plus que son époux en est passionnément
préoccupé. En juin 1940 il passe en Angleterre ; la séparation est brutale, définitive. Paul-Edouard
Paulet n’avait pas été mobilisé. C’est l’un des très rares civils d’âge mûr a faire l’effort volontaire de
rejoindre la France Libre. Il participera à toutes les campagnes jusqu'à Bir-Hakeim ; de là, capturé,
son sort est mêlé à celui des prisonniers convoyés par mer vers l’Italie. Il ne survit pas au naufrage du
navire assurant ce transport.
Marguerite attendra longtemps avant d’être certaine de son état de veuve. Ce sont pour elles des
années très douloureuses. Puis ses enfants grandissent et l’entourent. Une amitié nouvelle avec la
romancière Yvonne Chauffin élève ses préoccupations. Mais elle est en deuil à jamais ; sa peinture se
fait plus rare, plus sombre. Elle ne s’est jamais considérée comme une professionnelle, pourtant elle
expose à la galerie Saluden. Elle s’écarte parfois de l’aquarelle pour l’huile ou de grandes toiles
traitées à l’encre de Chine. Brodant des tapisseries d’art, elle est d’une méticulosité incroyable dans le
choix des couleurs. Sa vie s’écoule désormais entre la maison de Quimper, la vieille demeure de
Quimperlé et des séjours à Douarnenez. Atteinte d’une lourde maladie qui l’handicape physiquement,
elle préserve sa vivacité d’esprit et s’éteint en 1979.

Le saviez-vous ?
Le célèbre logo Petit Navire a été créé en 1932, année de naissance de la marque, par Marguerite Paulet, peintre et épouse du fondateur.
 

Petit Navire est la marque commerciale d'une conserverie de poisson créée en 1932 à Douarnenez (Bretagne) par Paul-Edouard Paulet. Elle appartient aujourd'hui au groupe thaïlandais Thai Union Frozen.

La marque est exploitée par la société Établissements Paul Paulet.

Paul-Édouard Paulet, né en 1897, est un fils de haut fonctionnaire. Ingénieur diplômé de l’École de physique et chimie de Paris, il subit une reconversion forcée à cause d'ennuis de santé, et il est nommé directeur du Crédit Nantais de Douarnenez. Le Crédit Nantais est alors considéré comme la banque spécialiste de la conserve.

Au printemps 1932, Paul Paulet décide de quitter son poste à la banque et rachète une usine Hyacinthe Parmentier en cessation de paiement, ainsi que le nom « Petit Navire ». Le logo de cette nouvelle marque est une sardinière à voile voguant sous des goélands. La première version a été dessinée à l’aquarelle par Marguerite Paulet, peintre et épouse du fondateur.

En 1935, Paul Paulet met en place une charte de qualité. Il est également précurseur de la création de la Participation Salariale. Lors de l’achat de la conserverie Parmentier, Paul Paulet a utilisé un prêt innovant : il fait appel aux banques et fait compléter l’apport financier par ses amis. Cette manière de fonctionner a ensuite été mise en place dans toute la société. La participation salariale a été complétée par un système de sécurité sociale interne, couvrant les frais médicaux et les arrêts maladies pour certains cas.

La même année, il ouvre des usines à l'île d'Yeu et Saint-Jean-de-Luz pour être au plus proche des ports de pêche. Paul Paulet invente la « bassine à frire », ou friture prête à l'emploi, pour cuire les sardines, éviter la fermentation et permettre une production constante toute l'année.

Le 19 juin 1940, Paul Paulet répond à l’appel du général De Gaulle et embarque pour l’Angleterre à bord du sardinier Ma Gondole. En août 1942, Paul-Édouard Paulet disparaît avec quelque 7 000 autres prisonniers dans le naufrage du MV Nino Bixio.

En 1955, les fils de Paul-Édouard Paulet, Jean et Yves Paulet, reprennent les rênes de l’entreprise.

En 1962, ils prennent la décision de moderniser la conserverie. La nouvelle usine de Pouldavid est inaugurée en 1963.

Le géant américain Heinz, possédé par H.J Heinz, prend une participation dans la société en 1981. Il rachète l'ensemble du capital en 1986.

En 1988, l’entreprise ouvre trois nouvelles usines : Portugal, Ghana et Seychelles. Petit Navire possède déjà trois usines en Bretagne.

En 2000, Petit Navire lance une campagne de communication publicitaire avec des spots TV, mais également un partenariat avec l’émission Fort Boyard. Cette présence en télévision a permis de générer 8.5% de ventes supplémentaires en volume, ainsi que 2 points de part de marché.

En 2006, Petit Navire affiche un chiffre d’affaires de 207 millions d’euros. Heinz revend ses activités de produits de la mer en Europe, dont la marque Petit Navire, qui est rachetée par le fonds d’investissement américain MW Brands.

En 2010, Thai Union Group rachète le groupe MW Brands, dont fait partie Petit Navire, pour 680 millions d’euros.

En 2015, Petit Navire lance une nouvelle campagne marketing intitulée « La Mer vous inspire », mettant en avant des repas variés évocateurs de bons moments partagés, au travers de plats gourmands et sensoriels dans une ambiance de bord de mer.

En 2016, profitant du rachat de Meralliance, spécialiste du saumon fumé, par sa maison mère Thai Union, Petit Navire entre pour la première fois au rayon frais. L’entreprise propose une gamme de huit références de poissons fumés^.

Jean FRELAUT, né le 17 juillet 1879 à Grenoble et mort le 23 décembre 1954 à Vannes, est un peintre, graveur et illustrateur français.

Sa famille s'installe en Bretagne, dont elle est originaire, au moment du départ à la retraite de son père, le général Auguste-Louis Frélaut. Il vient vivre dans la propriété familiale au lieu-dit « La Haie » à Vannes. Jean Frélaut effectue ses études secondaires au lycée Jules Simon. À 18 ans, il se rend à Paris, en 1897, il entre dans l'atelier de Fernand Cormon à l'École des beaux-arts de Paris. À partir de 1903, il apprend la technique de la gravure de Marcel Beltrand et de Donald Shaw Mac Laughlan.

Il voyage en Europe et en Afrique du Nord. Il se marie avec Elizabeth Pinasseau en 1912 et est exposé à la galerie Barbazanges. Mobilisé, il est fait chevalier de la légion d'honneur en 1919. Il participe au groupe des Peintres-graveurs indépendants, fondé par Jean Émile Laboureur et Raoul Dufy à partir de 1923.

En 1926, il retourne vivre dans le Morbihan.

En 1934, il reçoit le Prix de la gravure française à la Biennale de Venise.

En 1937, il est nommé conservateur du musée de Vannes. Il décore avec Jean Émile Laboureur et Pierre Dubreuil l'École Nationale de la Marine Marchande.

Il est le père de Dominique Frelaut, maire de Colombes pendant 36 ans, et le grand oncle de Bertrand Frélaut, historien.

Si, comme moi, vous descendez du couple Auguste FLEURIDAS  et Félicité TROTTET, vous avez un lien avec Jean FRELAUT...

Mes grands parents Auguste FLEURIDAS et Félicité TROTTET ont eu 7 filles : Odette (religieuse), Germaine (ma mère), Marie (mariée à Victor RAULT), Madeleine (religieuse elle aussi avant de se retirer du couvent), Andrée, Yolande (mariée à Henri DESSEAUX), et Geneviève (mariée à André ROULLEAU).

Le lien, c'est Andrée qui a épousé vers1945 Vincent FRELAUT, fils de André FRELAUT et Yvonne AUDIC et petit fils de Auguste Louis FRELAUT et Flavie DELIVRE.

Jean FRELAUT, le peintre, est le frère de André FRELAUT le père de Vincent FRELAUT et donc son oncle.

Bretonnes et bretons de Georges LEONNEC dans les très nombreuses publicités pour BYRRH et parues dans le journal l'ILLUSTRATION...

Ne voit-on pas un clocher, que je pense être breton, le pêcheur avec son patronyme breton LE GALL  !. 

Georges LEONNEC a beaucoup publié de dessinq dans des journaux légers comme Le Sourire ou La Vie Parisienne...

Georges Paul Albert LEONNEC, né à Brest le 30 septembre 1881 et mort à Kersaint le 15 octobre 1940, est un illustrateur français, connu notamment pour ses illustrations légères dans Le Sourire ou La Vie parisienne.

Georges Léonnec est le fils du caricaturiste Paul-Félix Léonnec (Brest 1842 - Brest 1899) et frère de l'écrivain-réalisateur Félix Léonnec et de Jannik Léonnec (ou Janik Léonnec ou Jeannick Leonnec), chanteuse et actrice. À partir de 12–13 ans il commence à travailler avec son père sur des caricatures pour des journaux parisiens. Renvoyé du Lycée de Brest à cause de la caricature d’un professeur, il poursuit ses études à Paris.

Jusqu’à ses 19 ans il hésite entre une carrière « maritime » et le dessin. Il prépare son admission à l’école navale pendant deux ans sur le vaisseau « Le Borda ». Puis il entre aux Arts décoratifs.

L’année 1899 marque le début des « années de Nantes » pour G. Léonnec. Durant cette période il fait de nombreux aller-et-retours entre Brest et Nantes. Il se déplace, également, souvent à Paris.

En 1901 ses premiers dessins « professionnels » sont publiés dans la revue Jean qui rit. Son style est marqué par l’Art nouveau.

En 1902 il publie dans La Vie pour rire et conçoit divers travaux pour des périodiques comme Le Rire, Le Sourire et L'Assiette au beurre ainsi que des publicités pour la firme Byrrh, les Grands Magasins Dufayel et ceux « À l’innovation » de Bruxelles.

De 1900 à 1915 George Léonnec mène une vie « d’artiste » qu’il partage avec Élisa P. L’Houereux, sa première épouse dont il divorcera en 1915.

En 1907 il commence à travailler pour La Vie parisienne, diffusée dans le monde entier. C’est la naissance des Parisiennes légères et coquines de George Léonnec. Dès janvier 1908, une collaboration régulière s’établit entre l’illustrateur et la revue. Dans le même temps il continue à réaliser des publicités publiées dans La Vie parisienne pour des entreprises telles que Renault ou Daimler. Ces femmes plus ou moins dévêtues se retrouvent sur les couvertures du magazine Le Sourire au cours des années 1920.

G. Léonnec est mobilisé le 2 août 1914, matricule 913, « dans les services auxiliaires » de la subdivision de Brest. Mais il reste loin du front et continue à dessiner pour La Baïonnette et La Vie parisienne. Il contribue à l’effort de guerre en remontant le moral des troupes par ses dessins frivoles et humoristiques qui mettent en scène un archétype de parisienne coquine qui apparaît en couverture de Fantasio, Bagatelle, Le Sourire et toujours La Vie parisienne. En 1916, il rencontre Hortense Le Rétif qu’il épousera en 1923. Elle devient le modèle de La Parisienne. Et elle lui donne deux filles, Colette et Michèle. Colette lui sert de modèle dans les années trente. Ses dessins sont alors plus sages.

Trois réalisations essentielles en 1917 :

• Une fresque intitulée Le flirt à travers les âges en huit estampes, papier-peint commandé par La Vie parisienne, proposée jusqu’en 1937 ;

• La création de cartes postales ;

• La couverture et 200 illustrations d’un roman libertin d’Albert-Jean, Maud et les trois jeunes gens.

Démobilisé en mars 1919, il part vivre à Montparnasse. Après la guerre, Georges Léonnec signe une couverture sur trois de La Vie parisienne et Le Sourire, réalise des décors pour les Folies Bergère et le Casino de Paris. Il correspond régulièrement avec de nombreux artistes de son époque.

Les années 1930 sont une période plus calme dans sa vie. Avec sa famille il voyage beaucoup en Europe et passe fréquemment ses vacances à Kersaint, en Landunvez. En 1934, il illustre en couleur Daphnis et Chloé, texte érotique de Longus, chez l'éditeur Floury. En 1935, il est opéré d’un cancer au rein.

Georges Léonnec conçoit sa dernière affiche, pour les cigarettes « Naja », en 1939, création restée inédite.

G. Léonnec meurt en 1940 d’un cancer à Kersaint. Il est enterré à Brest

Jean-Baptiste Jules TRAYER, né le 20 août 1824 à Paris, et mort dans la même ville le 1^er janvier 1909, est un peintre français.

Jean-Baptiste Jules Trayer est le fils du peintre paysagiste Joseph Jean Trayer. Sa mère était Geneviève Françoise Barrois. Il s'est marié le 30 août 1851 à Paris avec Zulime Neuhaus dit Maisonneuve (1832-1861).

Il est l'élève de son père et de Justin Lequien à l'Académie Suisse à Paris.

Peintre de genre, il représente souvent des scènes bretonnes. C'est un observateur fidèle de la réalité et un coloriste de talent.

Il expose au Salon à partir de 1847. Il obtient une médaille de 3^e classe au Salon de 1853 et à celui de 1855. Il présente également des oeuvres à la Société des amis des arts de Bordeaux de 1854 à 1875.

Adolphe BEAUFRERE né le 24 mars 1876 à Quimperlé (Finistère) et mort le 16 février 1960 à Larmor-Plage (Morbihan) est un peintre et graveur français.

Une grande partie de son œuvre est inspirée par la Bretagne.

Adolphe Beaufrère entre en 1897 à l’École des beaux-arts de Paris où il est l'élève de Gustave Moreau puis de Fernand Cormon. Outre la peinture, il est particulièrement intéressé par la gravure. Il débute au Salon des artistes français de 1898.

En 1911, une bourse lui permet de voyager en Algérie — où il réside à la villa Abd-el-Tif —, en Italie et en Espagne. Durant la Première Guerre mondiale, il est affecté dans l’infanterie. Il s’installe définitivement à Larmor-Plage en 1922. Beaufrère utilise essentiellement l’eau-forte et la pointe sèche, tout en faisant quelques planches en gravure sur bois.

En 1949, il illustre Forêt Voisine de Maurice Genevoix.

Il collabore au livre Almanach, cahier de vers d'Émile Verhaeren (Société de Saint-Éloy, 1951). Il participe également à la série de livres Châteaux d'Île-de-France d'Ernest de Ganay (Société de Saint-Éloy, 1957) et à Vieilles Abbayes d'Île-de-France de Louis Réau (Société de Saint-Éloy, 1955).

Jules Adolphe Aimé Louis BRETON, né à Courrières (Pas-de-Calais) le 1^er mai 1827 et mort à Paris le 5 juillet 1906, est un peintre et poète français.

Son père, Marie-Louis Breton, est maire de Courrières. Sa mère meurt en 1831. Jules Breton étudie d'abord au collège Saint-Bertin à Saint-Omer où il est pensionnaire, puis au lycée impérial de Douai. Il fait son apprentissage auprès de Félix De Vigne à Gand et de Gustave Wappers à Anvers en Belgique, puis poursuit sa formation à Paris en suivant les cours d’Ingres et d’Horace Vernet.

Son frère cadet Émile Breton (1831-1902) est un peintre paysagiste d'inspiration onirique.

Jules Breton se marie en 1858 avec Élodie De Vigne, la fille de Félix De Vigne. Le couple a un enfant unique, Virginie Demont-Breton (1859-1935), qui suivra les traces de son père en devenant elle-même artiste peintre (École de Wissant). Elle épousera le peintre Adrien Demont. Jules Breton est l'oncle de Jules-Louis Breton (1872-1940), député et sénateur du Cher, socialiste puis républicain-socialiste, ministre en 1916-1917 et 1920-1921, fondateur du Salon des arts ménagers en 1923.

Il découvre Douarnenez en Bretagne en 1865. Il y revient chaque été jusqu'en 1870, puis épisodiquement. Il y puise l'inspiration de grands tableaux exposés au Salon de Paris, comme un Pardon de Kerlaz (1869) ou celui de Kergoat (1890).

En 1896, il est nommé Rosati d'honneur.

Il meurt au 136, rue de Longchamp à Paris le 5 juillet 1906. Il est inhumé à Paris au cimetière du Montparnasse.

De formation académique, peintre réaliste puis naturaliste, Jules Breton fut l’un des premiers artistes du monde paysan.

Loin des audaces sociales d’un Gustave Courbet ou du réalisme poétique teinté de pessimisme de Jean-François Millet, son art prend naissance vers 1848, période de forts bouleversements sociaux et politiques. La montée de l'industrialisation provoque un exode des campagnes vers les villes et suscite chez les intellectuels, les artistes, une prise de conscience du peuple dans sa vie ordinaire.

Il est de ceux qui abandonnent l'idée de la beauté venue de l’âge classique, pour une conception où le « vrai » est associé au « laid » pour peindre les hommes et les femmes de son pays natal dans leurs travaux journaliers, recherchant au travers d'un réalisme moralisant à idéaliser ce monde paysan dans sa quotidienneté qu’il affectionnait tant.

Ses premiers tableaux datent de 1849 Misère et désespoir et 1850 La faim, œuvre majeure de ses débuts, offert à la ville d'Arras et détruit en 1915, pendant la Première Guerre mondiale.

Inspiré par les lieux, les gens et l'activité de son Artois natal, il revient régulièrement à Courrières où son oncle lui a aménagé un atelier. Son art répond aux goûts du public et des milieux académiques, ce qui lui vaut le succès, ainsi que l'intérêt de nombreux peintres qui viennent le rencontrer à Courrières, commune surnommée « La Mecque des artistes de la Flandre et de l'Artois ». Il fait également de nombreux séjours à Cucq, sur la côte d'Opale, où il loge près de l'église dans une auberge, rendez-vous des voyageurs et des peintres.

Élu membre de l'Académie des beaux-arts en 1886, il fut très populaire de son temps, consacré officiellement, obtint médailles, décorations et achats de l'État pour le musée du Luxembourg. Il est fait commandeur de la Légion d'honneur le 29 octobre 1889. Il est aujourd'hui très présent aux États-Unis où ses peintures de glaneuses sur fond de crépuscule doré sont très recherchées.

Il est aussi un écrivain connu en son temps. Il publie plusieurs recueils de poèmes et des ouvrages sur la vie de peintres qu'il connaît (La vie d'un artiste - Art et nature, Alphonse Lemerre, 1890). Il est encouragé par Théophile Gautier, son ami José-Maria de Heredia et par Victor Hugo, Eugène Fromentin et Anatole France. Il est la cible de critiques acerbes de la part de Charles Baudelaire et d'Émile Zola. Vincent van Gogh l’évoque élogieusement dans ses lettres à son frère Théo. Le peintre Paul Chabas (1869-1937) l'immortalise aux côtés des poètes du Parnasse (Leconte de Lisle, José-Maria de Heredia, Paul Bourget, ou Sully-Prudhomme, entre autres) dans une vaste composition — Chez Alphonse Lemerre à Ville-d'Avray — peinte en 1895 et commandée par l'éditeur parisien.

Jules Breton était admiré par Vincent van Gogh, qui le cite à plusieurs reprises dans sa correspondance. Dans une lettre du 7 septembre 1880 à son frère Théo, il décrit le long et pénible voyage à Courrières entrepris dans l’espoir de rencontrer le maître de Courrières : « Toutefois, j'ai vu Courrières, et le dehors de l'atelier de monsieur Jules Breton. Le dehors de cet atelier m'a un peu désappointé, vu que c'est un atelier tout neuf et nouvellement construit en briques, d'une régularité méthodiste, d'un aspect inhospitalier et glaçant et agaçant […] Car je n'osais pas me présenter pour entrer. J'ai cherché à Courrières ailleurs quelque trace de Jules Breton, ou de quelque autre artiste ; tout ce que j'ai découvert, c'est son portrait chez un photographe […] ». Cette virée à Courrières marque le début de la carrière artistique de van Gogh.

Gaston DELAPAREDE né en 1908 dans le sud-ouest de la France et mort en 1995 est un peintre, dessinateur et aquarelliste français.

Avant d'être un peintre reconnu, Gaston Henry Delaparede fut tour à tour limonadier et négociant en liège. Marié à une Concarnoise, il a peint et croqué de nombreux paysages des environs de la ville. Il a beaucoup travaillé également à partir de photographies, sur toiles et sur papier. Il a peint également des sujets d'Afrique du Nord, Algérie et Maroc. Gaston Delaparede est un peintre dont les œuvres sont inspirées de l'école de Concarneau qui donnent à voir des scènes de la vie des villages et des ports bretons, dans des tons très colorés. Il avait un atelier parisien et ne vendait que très peu. Le fonds de son atelier fut dispersé après sa mort par ses héritiers.

Il a peint plus de 1 000 toiles, gouaches, aquarelles et croquis.

Il signait ses aquarelles, dont le style est proche de Mathurin Méheut (1882-1958), d'un cercle avec à l'intérieur ses initiales « G » et « D », et parfois d'un « g » minuscule et d'un "D" dans un carré rouge.

Georges DELAPAREDE

Louis CARADEC est un peintre français né le 28 juillet 1802 à Brest et décédé dans cette même commune le 29 avril 1888.

D'origine brestoise, élève de Louis-Gabriel Charioux à Paris, il enseigne le dessin à la société d'émulation de Brest puis au lycée de cette ville à partir de 1874.

En 1836, il participe comme lithographe à l'illustration du Voyage dans le Finistère de Jacques Cambry et du Finistère en 1836 d'Émile Souvestre. il est l'auteur en 1858 d'un album de costumes bretons traditionnels offert à Napoléon III alors en visite en Bretagne. Il a produit aussi un album de propagande protestante, caricaturant les fidèles catholiques, édité à Morlaix.

Il a peint de nombreux paysages et scènes d'intérieur bretons, mais surtout de nombreux portraits en costumes bretons traditionnels ainsi que des scènes de mœurs, de marché ou de fêtes. Ses œuvres présentent une grande qualité d'exécution, une précision dans la reproduction des costumes et des accessoires, le rendu des tissus, etc.

Adrien  RAVALLEC  (1909-1993), le peintre de Concarneau... Ses peintures, faïences (pour HB) et affiches.

Johan, Axel Gustaf TORNEMAN  (1880-1925)         Photo  1

Marc Aurele de FOY SUZOR CÔTE (1869-1937)       Photos  2 à 5

Paul de LASSENCE   (1886-1962)                               Photos  6 à 16 

Emile Joachim Constant PAYO  (1857-1933)            Photos  17 à 23 

Claude MARKS   (1860-1915?)                                   Photo   24 

Jules LEFRANC   (1887-1972)                                     Photos  25 à 30

René QUILLIVIC    (1879-1969)             Photos 31 à 45 + 164

Joseph Alphonse CHAULEUR  (1878-1965)               Photos  46 à 53

Marcel JACQUIER   (1877-1957)                                 Photos  54  à  95

Daniel REGUER    (1941 - )                                          Photo  96

Emile SAUDEMONT  (1898-1967)                              Photo  97

Cecil MAGUIRE   (1930-2020)                                     Photo  98

Charles Théophile DEMORY  (1833-1895)                 Photos 99 à 104

He YIG HE YIFU    (1952-2008)                                    Photo 105 + 144

Théophile SALAÜN  (1837-1909)                          Photos 106 et 107

Félix Louis OLLIVIER  (1863-1947)                              Photo  108 

Jozsef RIPPL RONAI   (1861-1927)                        Photos  109 et 110

Julien THIBAUDEAU  (1859-1943)                         Photos  111 et  112

Frithjof SMITH ALD (1876-1903)                           Photos  113 et  114

Emmanuel FOUGERAT  (1869-1958)                      Photos  115  à  123 

Adrien WILBORTS   (1884-1944)    Bréhat             Photos  124  à  131  

Emile GUILLAUME    (1900-1975)                           Photos  132  à  143 + 183 à 187

Jean CAVENG   (1905-1993)                                    Photos  145  à  163

Joseph Félix BOUCHOR (1853-1937)                      Photos  165  à  182

Marcel QUINTIN   (1939-2024)                             Photos   1  à  9

Emile WERY           (1868-1935)                             Photos  10  à  12 

Harry Jones THADDEUS (1860-1929)                   Photos  13  à  14  

Michel Antoine Vincent WILLENICH (1827-1891) Photos 15 à  16

Georges SABBAGH  (1887-1951)                          Photos    17 à  24

Luis Béa PELAYO  (1878-1963)                              Photo          25

Louis VERNIER  (1829-1887)                                 Photos    26  à  40 

Abraham SALOMON (1823-1862)                        Photos    41  à  42

Lionel WALDEN  (1861-1933)                               Photos    43  à  47

Max DOUGUET (1903-1989)                                 Photo           48

Trafford KLOTS (1913-1976)                                 Photos    49  à  55

Paul MADELINE  (1863-1920)                               Photos    56  à  64

Célestin MESSAGIO                                                Photos    65  à  67

Yong MAN KWOON                                               Photo           68

Lionel (lo) BALESTRIERI (1872-1958)                   Photos    69  à  70 

Aukusti UOTILA  (1858-1886)                               Photos    71  à  74

DIVERS                                                                    Photos    75  à  78

Julien LE BLANC (1851-1936)                               Photos    79  à  81

Jean BRUNET (1849-1917)                                    Photo           82 

Pierre ABADIE LANDEL (1896-1972)                    Photos    83  à  108

Ossip de PERELMA (1876-1949)                            Photo          109

Maximilienne GUYON GOEPP (1868-1903)          Photos   110 à  112

Camille BERNIER (1823-1902)                               Photos    113 à  12

Claude VENARD, né le 21 mars 1913 à Paris et mort le 30 décembre 1999 à Sanary-sur-Mer, est un artiste-peintre français appartenant au mouvement post-cubiste.

Ayant décidé, à dix-sept ans, de se consacrer à la peinture, il entre à l'École des beaux-arts de Paris, mais ayant « tâté de l'enseignement » de celle-ci, s'en « enfuit après quarante-huit heures », optant pour une formation à l'École des arts appliqués qu'il fréquente avec assiduité pendant six ans.

En 1936, il obtient un emploi de restaurateur au musée du Louvre. Il participe au « 2^e salon de la Nouvelle génération » (1938) organisé à la galerie Billiet-Vorms par Henri Héraut, à l'occasion de laquelle celui-ci lance son manifeste intitulé Rupture.

Mobilisé pendant la Seconde Guerre mondiale, il se consacre, après sa démobilisation, entièrement à sa peinture et participe, de 1945 à 1963 à de nombreux salons : salons des Indépendants, des Tuileries, de Mai (dont il est membre fondateur). À partir de 1953, il réalise des expositions personnelles en France, dans de nombreux pays européens et aux États-Unis.

Resté fidèle à une composition post-cubiste de son espace pictural il accentue progressivement le chromantisme de sa palette jusqu'aux tons les plus crus toujours utilisés dans une matière riche et onctueuse.

Ses œuvres sont exposées notamment à la Tate Gallery de Londres, au Whitney Museum de New York et au Musée d'Art Moderne de Paris, Musée de Montréal - Museum Düsseldorf - Musée de São Paulo - Musée de Mexico - Musée de Palm Springs - Musée de Bâle - Museum München(?) - Musée de Tokyo - Musée de Buenos Aires - Musée de Dallas...

René LE GALL dit GOUGNOU (1940-2014)              Photos   1   à   11

Albert  BRENET    (1903-2005)                               Photos 12 à 15 +9

Louis Jean Noel DUVEAU  (1818-1864)                   Photos   16 à   24

Marcel SAUVAGE  (1855-1927)                                Photos    25  et  26 

Vitaly TIKHOV   (1876-1939)                                    Photos    27  et  28

George SHERWOOD HUNTER  (1846-1914)           Photos    29  à  37 

Alexander  GOUDIE   (1933-2004)                           Photos    38  à  47

Yann NIBOR    (1857-1947)                                      Photos    48  et  49

Alves  CARDOSO    (1882-1930)                              Photos    50  à  52

Tavik Frantisek SIMON   (1877-1942)                     Photos    53  à  55 + 96 et 97

Patrick GUERIN                                                         Photo        56

Cartes BARDAY                                                         Photos     57  à  66 

Camille  BOIRY    (1871-1954)                                 Photos     67  à  72

Alexandre ANTIGNA    (1817-1878)                       Photos     73  à   81

Odette PAUVERT  (1903-1966)                               Photos      82 à    84

William Henry BARTLETT  (1858-1932)                 Photo            85 

Gustave Henri MARCHETTI  (1873-1938)              Photos     86  à    88

Rhona HASZARD  (1901-1931)                               Photos     89  à  95

Henri Alexandre SOLLIER, né le 7 décembre 1886 à Bagnolet et mort le 1^er avril 1966 à Paris 20^e, est un artiste peintre, graveur et dessinateur français.

Henri Sollier suit une formation artistique à l’Académie Julian en 1906 pour préparer l’examen d’entrée à l’École des beaux-arts de Paris, qu’il réussit en 1908. Il entre dans l’atelier du peintre François Flameng, puis dans celui de François Schommer après 1910. Après la Première Guerre mondiale commence pour Sollier une décennie fructueuse jalonnée de prix et de récompenses qui lui permettront d’entreprendre de lointains voyages. Au printemps 1919, il célèbre la Victoire des alliés en lui dédiant deux toiles : Pour Elle ! et Par Elle !, qu’il expose à la galerie Devambez, à Paris .

En 1920, pour son premier envoi au Salon des artistes français il obtient une mention honorable que récompense le prix Leclercq-Maria Bouland, décerné par l’Académie des beaux-arts. L’année suivante, il gagne le prix de l’Afrique Occidentale française qui lui alloue une bourse de voyage avec laquelle Sollier part pour l’Afrique-Occidentale française, séjournant trois ans au Sénégal. De Dakar, il envoie au Pavillon de Marsan et au Salon des artistes français des portraits d’indigènes – femmes Ouolof et Bambara –, ainsi que des scènes de marché exotiques hautes en couleur. De ces lieux d’échanges très fréquentés, Sollier rapporte des portraits des peuples commerçants voisins, tel le Maure au chapelet, envoi au Salon de 1923.

De retour en France en 1924, Henri Sollier réserve ses toiles africaines à son public habitué du Salon des artistes français mais livre, pour le Salon d’Automne qui le découvre, deux tableaux aux décors familiers pour le public : Les Tilleuls et Le Porche de Chartres. Le peintre cultive cette double thématique, exotique et régionaliste, au moins jusqu’en 1935, continuant d'exposer régulièrement des toiles africanistes au Salon. L’une d’elles garde le souvenir de son activité d’illustrateur évoquée par le projet d’affiche qu'il conçoit pour l’Exposition agricole de Dakar et de Saint-Louis, en 1925. Dix ans plus tard, Sollier participe au premier Salon de la France d'Outre-mer (Paris, Grand-Palais), en même temps qu'à l'exposition collective organisée à Bruxelles par la Société coloniale des artistes français.

En 1929, Henri Sollier découvre la Bretagne. Un premier séjour dans le Finistère, à Douarnenez, convertit le peintre africaniste à la terre bretonne qui devient, dès lors, l'objet principal de son inspiration. Sans doute, le peintre de l’A.O.F retrouve-t-il dans les paysages et le peuple breton attaché à ses coutumes, la part d’exotisme qui l’attire sur les marchés dakarois.

Henri Sollier ne se contente pas des motifs pittoresques que lui offrent les paysages bretons. Il s’attarde aussi sur ses habitants, dont il brosse des portraits réalistes. Avec Solitude, toile primée au Salon de 1930, Sollier proclame son ralliement à la peinture régionaliste de son temps. Ses portraits de bretonnes, sans concession, font écho au réalisme social des peintures de Jules Adler dont Sollier fréquenta l’Académie, parallèlement aux cours de l’École des beaux-arts.

En 1934, Henri Sollier marque à nouveau le jury du Salon en remportant une médaille d’or avec Les Aïeux. Le cadrage serré de la composition renforce le dialogue frontal avec les protagonistes qui entretiennent un air de famille avec celle de Jean-le-Boîteux, paysan de Plougasnou (Finistère), portraiturée par Jean-François Raffaëlli. Les carnations cuivrées et la touche large rapproche également la manière du peintre de celle de son contemporain Lucien Simon. Héritiers du réalisme de Gustave Courbet, Lucien Simon et ses acolytes, ont contribué, au début du siècle, à diffuser et populariser les sujets bretons au sein des ateliers et des Salons parisiens.

En 1933, Sollier se rend à Bénodet et à Sainte-Marine, où Lucien Simon continue à peindre du haut de son sémaphore transformé en atelier depuis 1902. De même pour André Dauchez, dont les vues du Finistère sont proches des paysages contemporains d’Henri Sollier. Les deux artistes font preuve d’une approche voisine de la lumière, tantôt intense, tantôt tamisée, selon les variations du climat. Toutefois, Sollier se montre souvent plus nuancé que son aîné, obtenant de rares effets de teintes pastel qui singularisent ses paysages bretons des années 1930.

De Sainte-Marine, Henri Sollier explore la Cornouaille, passant à Pont-l’Abbé, Loctudy, Lesconil, et Penmarch, où Lucien Simon peignit sa Procession. Dans ces ports de la côte bigoudène, il peint des pêcheurs remontant leurs casiers à langoustes ou réparant leurs filets. Plus au nord, Sollier fait escale, en 1935, à Camaret-sur-Mer, petit port de pêche situé à la pointe de la presqu’île de Crozon. Le lieu est prisé des peintres depuis qu’Eugène Boudin y séjourna à plusieurs reprises entre 1874 et 1880. Parmi eux, Charles Cottet et Georges Lacombe en ont laissé des représentations très contrastées du site. Loin de la vision symboliste de George Lacombe, les rochers peints à Camaret par Henri Sollier restent fidèles à lumière et à la topographie découpée des lieux et demeurent, en cela, plus proche des vues postimpressionnistes de Charles Cottet

Si le Finistère est le département de prédilection d’Henri Sollier, le peintre s’attarde également dans le Morbihan et le long des Côtes-d'Armor. Il en ramène des paysages et des scènes de la vie quotidienne qu’il continue d’exposer régulièrement au Salon des artistes français. Le jury du Salon lui décerne une médaille d’or à l’Exposition Internationale de 1937 à Paris. Cette année-là, Sollier est promu membre du comité et du jury du Salon des artistes français.

Au cours de la décennie 1940, sans délaisser la Bretagne, Sollier s’ouvre à de nouveaux genres et à de nouveaux lieux. Il s’essaie par deux fois à la peinture mythologique avec un Hommage à Phidias présenté au Salon de 1944. Il récidive, l’année suivante, avec une Naissance d’Aphrodite. Il s'intéresse aux paysages de Seine-et-Marne ou de Bourgogne, faisant un détour par le village de Murols, en Auvergne, qui fut le motif de paysagistes comme Théodore Rousseau ou Victor Charreton. Dans les éditions suivantes du Salon, Sollier présente des paysages d’Italie et de la Côte d’Azur. Il peint jusqu’à sa dernière heure des paysages envoyés du Midi. Il meurt à Paris en 1966.

George WHARTON EDWARDS   (1859-1950) Bretagne et bretons

François Richard de MONTHOLON  (1856-1940)        Photo  1

Hiram CAMPBELL MERILL   (1866-1958)                      Photo  2

Georges GARDENTY                                                       Photo  3

DIVERS ?                                                                          Photos 4 à  6

Alain BRIANT                                                                  Photos 7 à 16

CEDANNE                                                                        Photos  17 à 22

Jules Alfred MATHE   (1868-1953)                                Photos  23 à 37

MARIECH                                                                         Photos 38 et 39

Gaston BOUILLON   (1884-1958)                                   Photos  40 à 48

Joseph CROZES    (1894-1976)                                       Photos  49 à 52

Charles VIAUD   (1920-1975)                                         Photos  53  à  66 

Marijane LE GOASTER                                                     Photos  67 et 68

Cécile MORGAND    (1872-1954)                                  Photo    69 

Virgilio CONSTANTINI (1882-1940)                              Photos  70 à 71

Léon GAUCHEREL  (1816-1886)                                     Photos  72 à 79 

Henri MILOCH (1898-1979)                                            Photos  80 à 97 

Jeanne BURDY (1868-1931)                                            Photos  98 à 99

Théodule RIBOT  (1823-1891)                                 Photos  100 à 106

Rosa  BONHEUR  (1822-1899)                                     Photos 107-108

Robert Gerhard BÖNINGER (1869-1935)                   Photos  109-110

Jacques GUIAUD (1811-1876)                                     Photos  111-113

Sigris BOLLING (1853-1917)                                       Photos   114-116  

Erik OLSON  (1901-1986)                                            Photos   117- 122

Henri Stanislas ROUART (1833-1912)                        Photo         123

Jean-Georges CORNELIUS, né le 23 janvier 1880 à Strasbourg et mort le 3 juin 1963 à Ploubazlanec dans les Côtes-du-Nord, est un peintre français.

Élève de Gustave Moreau, puis de Luc-Olivier Merson, il a réalisé une peinture à la fois mystique et allégorique. Il sera profondément marqué par sa conversion au catholicisme en 1931. Il fut également un illustrateur des poèmes de Baudelaire et d'Oscar Wilde. À partir de 1940, il vécut retiré en Bretagne à Ploubazlanec.

Son petit-fils Jean-Nicolas Cornelius est également peintre.

Edmond BERTREUX, né le 22 octobre 1911 à Rezé (Loire-Atlantique) dans le village de Northouse, près de Trentemoult et mort le 14 octobre 1991 à Carquefou (Loire-Atlantique), est un peintre français. Il est connu comme le peintre du pays nantais, son œuvre de paysagiste se consacrant essentiellement à la région de Nantes, du pays de Retz et de la Vendée.

Son père, Jean Bertreux, dessinateur industriel aux Chantiers de la Loire à Nantes et peintre amateur à ses heures, le destine au métier d'ingénieur, mais le jeune Edmond qui ne montre que peu d'intérêt pour une carrière scientifique, s'oriente plutôt vers les arts et entre ainsi en 1927, à l'âge de 16 ans, à l'école des Beaux-arts de Nantes. Deux ans plus tard, il est reçu au concours d'entrée de l'école nationale des Beaux-arts de Paris, mais son professeur Pierre Alexis Lesage, ancien élève de l'atelier Gustave Moreau, lui déconseille l'exil vers la capitale et l'incite à rester dans la région nantaise.

En avril 1929, il se lance sur les pas du peintre vendéen Charles Milcendeau (1872-1919), dont il a admiré les toiles dans sa jeunesse au Musée des Beaux-Arts de Nantes, fasciné en particulier par l'une d'entre elles, intitulée la Bourrasque. Avec son carnet de croquis, il parcourt alors le marais vendéen, passant par Bois-de-Céné, Châteauneuf et Sallertaine. Au "Bois Durand" à Soullans, il est reçu par la veuve de Milcendeau qui lui présente de nombreuses œuvres de son mari décédé dix ans plus tôt. Plus tard, Edmond Bertreux fera d'ailleurs l'acquisition de quelques toiles du maître vendéen .

En 1930, il expose pour la première fois à la galerie Préaubert, située rue du Calvaire à Nantes, qui lui permet ainsi de présenter une série d'œuvres graphiques consacrées au marais de Monts et aux paysages de Saint-Jean-de-Boiseau où résidait sa famille paternelle. Un an plus tard, il aborde la peinture à l'huile.

Sa pratique artistique ne lui permettant d'en vivre, il occupe alors un emploi comme auxiliaire au service vicinal à la préfecture de Loire-Inférieure.

En 1934, il expose dans la plus importante des galeries nantaises, la galerie Mignon-Massart et participe en 1935 au Salon d'automne à Paris où l'une de ses toiles lui attire les faveurs de la presse nationale. Quelques années plus tard, il quittera définitivement son emploi à la préfecture pour vivre de son art . Il se lie alors d'amitié avec les peintres nantais Michel Noury, Henry Leray ou Jacques Philippe qui constitueront les peintres du groupe régional indépendant. En 1937, il fait la connaissance du peintre et graveur Jean-Émile Laboureur qui l'encourage dans sa pratique artistique.

En 1942, il épouse Étiennette Nedellec, une Nantaise d'origine finistérienne passionnée d'art lyrique dont il a fait la connaissance quatre ans plus tôt. Un premier fils nait de leur union, René-Alain, suivi beaucoup plus tard d'Edmond, né d'une autre union.

Durant la Seconde Guerre mondiale, les bombardements alliés l'incitent à se réfugier à Saint Jean-de-Boiseau dans la maison familiale de ses parents. C'est dans cette demeure qu'Edmond Bertreux peignit l'une de ses plus belles toiles, intitulée Le Village de Boiseau sous la neige, une œuvre acquise par la ville de Nantes pour les collections du musée des Beaux-arts en 1952.

Après la guerre, les ventes se font rares, aussi l'artiste monnaie sa peinture en échange d'articles de première nécessité. Si le troc s'impose durablement durant cette période, Edmond Bertreux le pratiquera tout au long de sa vie..

Puisant inexorablement ses sources d'inspiration dans l'école pré-impressionniste, certains diront d'Edmond Bertreux qu'il est le dernier peintre du XIXe siècle à vivre au XXe siècle.

Il n'en bâtit pas moins une œuvre personnelle qui lui vaut une certaine notoriété régionale.

Une de ses œuvres les plus célèbres est incontestablement sa peinture figurant l'incendie de la Cathédrale de Nantes en 1972, dont il est l'un des témoins directs, puisqu'il réside alors dans un appartement situé rue Henri-IV où se trouve son atelier. Ce tableau acheté par l'association des amis de la cathédrale est exposé depuis 1988 dans l'édifice restauré.

Edmond Bertreux repose à Saint-Jean-de-Boiseau, commune ligérienne souvent représentée dans ses tableaux.

Jean-Baptiste Camille COROT, également appelé Camille COROT, né le 16 juillet 1796 à Paris où il est mort le 22 février 1875, est un peintre et graveur français, un des fondateurs de l'école de Barbizon.

Issu d'une famille de commerçants aisés, il est autorisé en 1822 à embrasser la carrière de peintre, bénéficiant d'une rente familiale qui lui permet jusqu'à la mort de ses parents de vivre sans contrainte économique et de voyager en France et en Italie, où il séjourne à trois reprises. Il passe longtemps pour un peintre amateur avant d'être reconnu vers 1850.

Il est aussi connu pour ses actions philanthropiques.

Né le 16 juillet 1796 au numéro 125 de la rue du Bac, à Paris, Jean-Baptiste Camille Corot est issu d’une famille de commerçants aisés.

Il est le fils de Marie Françoise Corot (1768-1851), née Oberson, fille d'un garde suisse du château de Versailles sous le règne de Louis XVI.

Son père, Jacques Louis Corot (1771-1847), avait hérité de la boutique de perruquier de son beau-père avant de travailler aux côtés de son épouse.

Les Corot deviennent ensuite marchands de modes et tiennent une boutique réputée à l’angle de la rue du Bac et du quai Voltaire, fournissant notamment la duchesse d'Orléans à l'époque de la Restauration.

Les Corot ont deux autres enfants, Annette Octavie (1793-1874) et Victoire Anne (1797-1821) qui vivent à l'étage au-dessus du magasin.

Corot fait des études sans éclat à la pension Letellier à Paris (1803-1807), puis au lycée Pierre-Corneille de Rouen (1807-1812). Le dimanche, il est accueilli par des amis de ses parents, les Sennegon, auprès desquels il apprend à aimer la nature. Leur fils, Laurent Denis Sennegon, épousera la sœur du peintre en 1817.

Il passe les années 1813-1815 au pensionnat du lycée de Poissy.

Il est placé en apprentissage par son père successivement chez deux marchands de drap parisiens :

• en 1815, chez Ratier (rue de Richelieu) chez qui l'apprenti se révèle si piètre vendeur que son patron l'emploie comme coursier ;

• en 1817, chez Delalain (rue Saint-Honoré).

Mais il n’a pas de goût pour le commerce et suit le soir des cours de dessin à l'académie Suisse du quai des Orfèvres.

En 1822, alors que son père veut lui assurer un emploi en lui offrant un fonds de commerce en vue de reprendre la tradition familiale, il finit par convaincre ses parents de l’autoriser à poursuivre une carrière de peintre, obtenant d’eux une rente annuelle de 1 500 francs, dont bénéficiait auparavant sa sœur morte en 1821. L’aisance de ses parents le met à l’abri du besoin, mais en contrepartie il restera dépendant d’eux jusqu'à leur mort.

Il peut désormais louer un studio quai Voltaire et en fait son atelier.

Il entre dans l’atelier du peintre paysagiste Achille Etna Michallon (1796-1822), Grand Prix de Rome du paysage historique en 1817, qui vient de rentrer à Paris. Michallon inculque à Corot les principes du néo-classicisme et l’encourage à travailler en plein air.

Dès cette époque, Corot réalise de nombreux dessins au crayon où il introduit le relief et les jeux de lumière. Michallon l'emmène avec lui découvrir Marlotte, village du groupe de Marlotte, réunissant des peintres prenant leurs distances avec ceux de Barbizon.

Mais il meurt quelques mois plus tard. Corot poursuit sa formation avec Jean-Victor Bertin, qui a eu Michallon comme élève, et qui, comme lui, enseigne à Corot la science des compositions néoclassiques et du paysage historique.

Ses deux maîtres sont des élèves et émules de Pierre-Henri de Valenciennes, un des précurseurs du paysage moderne, qui encourageait ses élèves à peindre en plein air des études qui leur servaient ensuite pour composer leurs tableaux. C'est dans cette lignée que Bertin l’incite à aller travailler en forêt de Fontainebleau. Corot est un des premiers peintres à travailler dans le village de Barbizon, mais il peint aussi dans la vallée de la Seine et sur les côtes de la Manche.

Le rapport entre les idéaux classiques et l’observation de la nature, lui-même hérité de l’enseignement de Pierre-Henri de Valenciennes, devait rester fondamental tout au long de sa carrière.

Séjours en Italie

Depuis le XVIII^e siècle, le voyage en Italie fait partie du Grand Tour, formation de tout jeune artiste. Corot est déjà familier des paysages italiens, qu’il a copiés sur les toiles rapportées d’Italie par Michallon.

Il séjourne de 1825 à 1828, à Rome, Naples et Venise. Durant cette période, il se lie avec un autre paysagiste néoclassique précurseur de l’école de Barbizon, Théodore Caruelle d'Aligny.

Il se rend une seconde fois en Italie en 1834 (Toscane, Venise), et de nouveau en 1843.

Corot parcourt aussi les provinces françaises à la recherche de paysages qu’il peint pour le plaisir et pour l’enrichissement visuel qu’ils lui apportent : peignant d'abord à Ville-d'Avray, près de Paris, où ses parents possèdent une maison, il se rend fréquemment, entre 1830 et 1845, en Normandie, chez ses amis les Sennegon, mais aussi en Auvergne, en Provence, en Bourgogne, en Bretagne, chez son élève et ami Charles Le Roux, au Pasquiaud (commune de Corsept, Loire-Atlantique), en Charente, dans le Morvan (en particulier à Lormes), ainsi qu’en Suisse. Le plus souvent, il séjourne chez des amis peintres ou drapiers.

Il peint surtout des paysages, mais s’intéresse aussi aux architectures (La Cathédrale de Chartres, 1830). Mais ces toiles ne sont pour lui que des études, qu’il ne songe pas à exposer. Elles sont en effet destinées à être réemployées dans des compositions plus ambitieuses, à caractère historique, mythologique ou religieux, seules dignes, selon l’idéal néo-classique, d’être présentées au public.

Corot affronte pour la première fois le Salon en 1835 avec un grand tableau intitulé Agar dans le désert (1835, Metropolitan museum of art), illustration d’un épisode de la Genèse, qui est reçu favorablement.

Dans les années suivantes, Corot participe régulièrement au Salon, alternant thèmes religieux et mythologiques. À partir de cette époque, il attire l’attention de ses contemporains et, souvent, leur admiration. Pourtant, Corot s’avère difficile à classer, et échappe aux écoles : si les « modernes », séduits par son traitement du paysage, regrettent son attachement obstiné aux thèmes néoclassiques, les néoclassiques, pour leur part, regimbent devant le traitement réaliste de ses arbres et de ses rochers.

Au Salon de 1840, la carrière de Corot gagne en notoriété avec le succès puis l'achat du Petit Berger (1840) par l'État sous la monarchie de Juillet.

À partir des années 1850, la notoriété de Corot grandit, et le public et les marchands commencent à s’intéresser à lui. Ses parents disparus (sa mère en 1851, son père dès 1847), il se trouve à la fois plus indépendant financièrement et libéré des contraintes familiales.

Il continue à voyager, parcourt le Dauphiné en compagnie du peintre et ami Daubigny, avec qui il va peindre à Auvers-sur-Oise. Corot se rend régulièrement à Arras et Douai, chez Constant Dutilleux et ses deux gendres Charles Desavary et Alfred Robaut, avec qui il s’est lié d’amitié. Il s’initie auprès de Dutilleux à la technique du cliché-verre, dont il produira une soixantaine d’exemplaires. Il se rend à plusieurs reprises en Limousin, notamment à Saint-Junien, sur les bords de la Glane, site qui porte désormais son nom et au Mas Bilier, près de Limoges, chez un de ses amis. Il s'arrêtait souvent au lieu-dit « rocher de Sainte Hélène », propriété de la famille Pagnoux, pour prendre un rafraîchissement.

Il est, par ailleurs, de plus en plus attiré, à partir de 1850, par une peinture dans laquelle il laisse libre cours à son imagination, délaissant l’exactitude du paysage peint « sur le motif », qu’il remodèle à son gré, et renonçant aux récits historiques, qui ne sont plus qu’un prétexte à des paysages rêvés et baignés de halos argentés ou dorés. Le thème du « souvenir » devient prépondérant dans son œuvre, mêlant les réminiscences d’un site et les émotions qui restent associées dans la mémoire du peintre. Se succèdent alors des toiles telles que Matinée, Danse des Nymphes, Souvenir de Marcoussis ou le célèbre Souvenir de Mortefontaine.

En 1862-1863, il séjourne à Saintes et participe, avec Gustave Courbet, Louis-Augustin Auguin et Hippolyte Pradelles à un atelier de plein air baptisé « groupe du Port-Berteau » d'après le nom du joli site des bords de la Charente (dans la commune de Bussac-sur-Charente) adopté pour leurs séances communes de peinture. Point d'orgue de la convergence féconde entre les quatre artistes, une exposition collective réunissant 170 œuvres est présentée au public le 15 janvier 1863 à l’hôtel de ville de Saintes[18].

En 1846, il est fait chevalier de la Légion d'honneur pour son œuvre, et il est promu officier en 1867. Cependant, ses amis, considérant qu’il n’avait pas été officiellement reconnu à sa juste valeur (il n’avait pas reçu la médaille de première classe au Salon), lui offrirent leur propre médaille en 1874, peu avant sa mort.

Pendant les dernières années de sa vie, Corot gagne de fortes sommes d’argent grâce à ses toiles, qui sont très demandées. Sa générosité est proverbiale : en 1871, il donne 20 000 francs aux pauvres de Paris, qui subissent le siège des Prussiens. En 1872, il achète une maison à Valmondois, qu’il offre à Honoré Daumier, devenu aveugle et sans ressource. En 1875, il donne 10 000 francs à la veuve de Jean-François Millet pour l’aider à élever ses enfants. Sa générosité n’est donc pas une légende. Il aide également financièrement un centre pour jeunes déshérités, rue Vandrezanne, à Paris.
Il se retire à la fin de 1874 à Coubron, où se situent les vestiges de la forêt de Bondy.

Atteint d'un cancer de l'estomac, Corot rentre le 25 janvier 1875 à Paris et meurt le 22 février 1875 après être resté alité[3],[19], au no 56, rue du Faubourg-Poissonnière (10e arrondissement.

Il est inhumé au cimetière du Père-Lachaise (division 24). 

Joseph Mallord William TURNER, plus connu sous le nom de William Turner ou de ses initiales J. M. W. Turner, est un peintre, aquarelliste et graveur britannique, né vers le 23 avril 1775 à Londres, où il est mort le 19 décembre 1851.

Initialement de la veine romantique anglaise, son œuvre est marquée par une recherche novatrice audacieuse qui le fait considérer, avec son contemporain John Constable, comme un précurseur de l'impressionnisme.

Renommé pour ses huiles, Turner est également un des plus grands maîtres anglais de paysages à l'aquarelle. Il y gagne le surnom de « peintre de la lumière ». La plus grande partie des œuvres de Turner est conservée à la Tate Britain.

Ses peintures de Nantes et des bords de la Loire...

Victor BONER, né le 21 décembre 1871 à Loudéac et mort le 8 janvier 1951 à Rennes, est un peintre français.

Victor Boner est né à Loudéac, benjamin d'une fratrie de quatre enfants. Sa famille est d'origine suisse, du canton des Grisons, établie en Bretagne au début du XIX^e siècle. Il se passionne ans sa jeunesse pour le dessin avec l'aide de son père qui est peintre décorateur. Il entre à l'École des beaux-arts de Rennes, puis s'installe dans cette ville ou il enseignera un certain temps.

En 1893, il est appelé pour effectuer son service militaire au 48^e régiment d’infanterie à Guingamp, et sur sa demande, obtient son changement pour Rennes le 18 septembre, à la 10^e section de commis et ouvriers d’administration, située caserne du Bon Pasteur. Il entre à l’École des beaux-arts de Rennes dans les ateliers de Charles Joseph Lenoir (1844-1899), premier directeur de l'école qui enseigne la sculpture et le modelage, et de Félix Lafond (1850-1917), professeur de dessin décoratif, puis directeur de l'établissement. Le 28 juin 1899, il épouse à Rennes Marie Plénel. Le couple s'installe provisoirement à Dinan où naît leur fille Marie, puis retourne à Rennes en 1905. Il devient membre sociétaire de la Société artistique et littéraire de Bretagne en 1905. Celle-ci organise un salon annuel où Victor Boner expose régulièrement.

En 1914, lors de la Première Guerre mondiale, il est appelé et envoyé à l'atelier de construction de matériel militaire de Rennes, mais à la demande de Jules Ronsin (1867-1937), alors remplaçant du directeur de l’École des beaux-arts, il est nommé professeur intérimaire de 1915 à 1918, en remplacement d’un professeur plus jeune appelé au front. Il est démobilisé le 9 décembre 1918.

Il travaille à l'huile, mais également l'aquarelle et expose régulièrement à Paris au Salon des indépendants et au Salon des artistes français. Il parcourt la Bretagne du nord au sud et d'est en ouest laissant un grand nombre de toiles et d'aquarelles. Il meurt à son domicile le 8 janvier 1951 auprès de sa fille qui mourra quatre ans plus tard.

Il est membre de la Société d'archéologie d'Ille-et-Vilaine et titulaire des Palmes académiques.

René-Yves CRESTON, pseudonyme de René Pierre Joseph Creston, né le 25 octobre 1898 à Saint-Nazaire et mort à Étables-sur-Mer le 30 mai 1964, est un peintre, graveur, illustrateur, sculpteur et ethnologue français.

Il est nommé peintre officiel de la Marine en 1936.

Après des études à Ancenis et à Saint-Nazaire où il apprend le breton, René-Yves Creston perçoit deux bourses pendant quatre ans pour étudier à l’école des beaux-arts de Nantes, puis à l'École des Beaux-Arts de Paris.

En 1923, il est l'un des cofondateurs avec son épouse Suzanne Creston et Jeanne Malivel, du mouvement Seiz Breur (« Union des sept frères ») qui va réunir quelques dizaines d'artistes bretons voulant créer pour le plus grand renom de la Bretagne. L'article 1 des statuts stipule qu'ils doivent être « de sang breton ».

Plusieurs d'entre eux, dont Creston, décorent des salles du pavillon de la Bretagne à l'Exposition des Arts décoratifs de 1925 à Paris. Creston et Malivel y présentent des décors pour des meubles en bois. Après la mort de Jeanne Malivel en 1926, il devient le véritable coordinateur du mouvement Seiz Breur, et ce jusqu'en février 1944, sous le contrôle de l'occupant allemand, lorsqu'il cède sa place à Xavier de Langlais ; il en devient alors le président d'honneur. La paix revenue, Creston reprit les rênes du mouvement en janvier 1947, mais certains de ses membres s'étant compromis dans la collaboration avec les nazis, l'élan était définitivement cassé et la dernière manifestation à laquelle participèrent des Seiz Breur eut lieu à Paris en 1948.

En 1927, en collaboration avec le sculpteur Jules-Charles Le Bozec (1898-1973), encore élève aux Beaux-Arts de Paris, il dessine les costumes de trois pièces de théâtre : Ar C'hornandoned (Les Korrigans) de Job Le Bayon, Tog Jani (Le chapeau de Jeanne) d'Yves Le Moal, et Lina de Roparz Hemon, dont la première représentation a lieu en janvier 1927.

Il écrit dans Breiz Atao et aide à la parution des revues d'art Kornog (Occident) et Keltia. Il passe de la gravure sur bois à l’aquarelle ou à peinture à l’huile, travaille pour les faïenciers quimpérois, puis devient sculpteur. On lui doit une sculpture de Nominoë. Il illustre le livre Kan da Gornog de Youenn Drezen, pour lequel il crée une nouvelle typographie. En 1926, René-Yves Creston a encore laissé des illustrations gravées sur bois pour La Brière d'Alphonse de Châteaubriant.

Il prend part au Salon d'automne de 1928 où il présente la gravure sur bois Vent de Norvit.

En 1929, René-Yves Creston effectue une campagne de pêche à la morue depuis Fécamp dans les parages de la Norvège, du Spitzberg et de l'Islande, ce qui l'amène à se tourner vers l'ethnologie, tout en gardant ses activités d'artiste engagé. Il contribuera au titre d'ethnologue à la conservation du patrimoine breton. Il participe à la décoration de la salle de la Marine marchande pour l'Exposition coloniale de 1931 à Paris, pour laquelle il réalise sa fameuse Mappemonde. En 1933, il embarque pour une croisière scientifique avec le commandant Jean-Baptiste Charcot sur le Pourquoi Pas ? en tant que peintre. En 1936, il devient peintre de la Marine et dirige le département de l'Arctique du musée de l'Homme à Paris.

Sa découverte des mers froides, et plus particulièrement sa campagne sur le chalutier fécampois Cap Fagnet, a été relatée dans un article détaillé d'Olivier Levasseur, docteur en histoire.

René-Yves Creston affirme avoir adhéré aux Forces françaises libres dès le 2 août 1940, il prend en tout cas part à l'un des tout premiers réseaux de résistance. Selon l'historien américain Martin Blumenson, ou bien encore Anne Hogenhuis, il a participé au groupe dit réseau du musée de l'Homme. C'est ainsi que prend corps, au cours de l'été 1940, ce réseau, totalement structuré dès le mois d'octobre suivant. Fondée par un jeune linguiste du musée, Boris Vildé, un anthropologue, Anatole Lewitsky et la bibliothécaire, Yvonne Oddon, cette organisation recrute, à l'origine, en majorité parmi les intellectuels et les avocats, et associe différents groupes qui se sont créés spontanément, à l’instar du groupe du musée de l'Homme. Au fur et à mesure, le réseau s'accroît, sur la base de relations personnelles entretenues par les membres des différents noyaux. René-Yves Creston, sociologue au musée de l'Homme, est le premier à les rejoindre. Creston connaît Albert Jubineau, avocat membre d'un groupe anti-occupation au Palais de justice de Paris. Albert Jubineau entre lui-même en relation avec Séjournan, également fondateur d'un groupe anti-allemand. « Il effectua trois voyages en Bretagne pour tenter d'établir des communications faciles avec l'Angleterre. Il recruta des sympathisants parmi ses connaissances. Il mit sur pied à Saint-Nazaire même un petit groupe — en lien avec le futur groupe Liberté, constitué de jeunes résistants nationalistes bretons, issu du PNB, et d'André Batillat, membre des Seiz Breur — chargé d'établir et de lui faire passer des plans détaillés des installations portuaires et de la base sous-marine que les Allemands avaient aménagées pour leur propre usage, en particulier des écluses commandant l’accès du bassin intérieur qui étaient vulnérables aux bombardements anglais. ».

Il a contribué à préparer l'opération Chariot : les renseignements précis sont fort utiles dans la préparation de « the Raid », selon les termes des spécialistes d'Outre-Manche.

Le 10 février 1941, les membres du groupe du musée de l'Homme sont arrêtés, puis fusillés. Creston se réfugie chez son directeur mais va se livrer le 11 février sur les conseils de celui-ci, persuadé qu'aucune preuve ne peut être apportée contre lui, mais il est emprisonné. Il est finalement libéré le 12 juin sur intervention du Sonderführer Leo Weisgerber, sur la pression insistante de Roparz Hemon et de François Debauvais, trois personnages influents auprès des services secrets nazis en Bretagne. Il est astreint à résidence à Amanlis (près de Janzé), avec ordre de ne plus se rendre à Paris. Surveillé, il cesse semble-t-il toute activité de résistance à partir de cette date.

Exclu de la direction de l'Institut celtique de Bretagne et des Seiz Breur, il dénoncera à la Libération treize membres des Seiz Breur comme ayant été coupables de faits de collaboration.

Bertrand Frelaut et Denis-Michel Boël relèvent qu'il fournit des illustrations et des articles au journal pro-nazi L'Heure Bretonne, signés de son nom ou de son pseudonyme « Halgan ». Il était relativement fréquent que des résistants participent à la presse indépendantiste, selon Mona Ozouf, « un maquisard pouvait lire assidûment L'Heure bretonne, le journal du P.N.B. et participer à des sabotages ; un résistant pouvait continuer à fournir des articles culturels à la presse nationaliste. C'étaient des temps déraisonnables, féconds en parcours erratiques ». Sur un de ses dessins, Creston se réjouit des victoires allemandes, on peut lire en légende : « L’aube de l’ère nouvelle apporte aux Celtes une nouvelle espérance » ; « L’EUROPE VA SE RECONSTRUIRE : la débâcle des armées soviétiques prépare la défaite des Anglo-saxons ».

Il est un membre influent de l'Institut celtique de Bretagne qui regroupe l'élite culturelle de Bretagne. Il participe à la Radio Rennes Bretagne dirigée par Roparz Hemon, tout aussi collaborationniste que Radio Paris. À la Libération, le parcours de Creston lui vaut d'être inquiété par la Résistance :

« [Creston] dut subir l’interrogatoire de FFI peu convaincus de ses vertus résistantes. Il parvint néanmoins à se disculper et s’évertua ensuite à recueillir des témoignages en sa faveur, puis proclama son adhésion au Parti communiste français, affichant même à l’occasion une surprenante idolâtrie stalinienne. Il recourut également à quelques maquillages de précaution, avançant d’une année sa démission de l’ICB, maintenant imputée au rejet de sa dérive politique, caviardant son nom sur les exemplaires d’Histoire de notre Bretagne… »

— Daniel le Couédic, Ar Seiz Breur, Terre de Brume/Musée de Bretagne, p. 203.

Le 5 mai 1946, il reçoit le Certificat of Service signé du maréchal Bernard Montgomery pour son action au service des Alliés.

Après la Seconde Guerre mondiale, il est l'un des successeurs de Yann Sohier à la présidence de l'organisation Ar Falz. En 1949, il intègre le CNRS et y mène des recherches ethnologiques sur les costumes des Bretons, en particulier des paysans, et est envoyé en mission à Naples et en Sicile.

En fin de carrière, il est chargé de réorganiser les musées d'ethnologie de Rennes (musée de Bretagne) et de Quimper (musée départemental breton) et finit son parcours à la direction du musée d'art et d'histoire de Saint-Brieuc.

René-Yves Creston meurt le 30 mai 1964 et est enterré à Saint-Nazaire, sa ville natale, au cimetière La Briandais (concession K 31, sépulture « Labour Creston, Reun Creston »).

Pierre-Auguste Renoir dit Auguste RENOIR, né le 25 février 1841 à Limoges (Haute-Vienne) et mort le 3 décembre 1919 au domaine des Collettes à Cagnes-sur-Mer, est l'un des plus célèbres peintres français.

Membre à part entière du groupe impressionniste, il évolue dans les années 1880 vers un style plus réaliste sous l'influence de Raphaël. Il a été peintre de nus, de portraits, paysages, marines, natures mortes et scènes de genre. Il a aussi été pastelliste, graveur, lithographe, sculpteur et dessinateur.

Peintre figuratif plus intéressé par la peinture de portraits et de nus féminins que par celle des paysages, il a élaboré une façon de peindre originale, qui transcende ses premières influences (Fragonard, Courbet, Monet, puis la fresque italienne).

Pendant environ soixante ans, le peintre estime avoir réalisé à peu près quatre mille tableaux.

Ne figurent dans cette sélection que les peintures réalisées lors de vacances en Bretagne.

Victor Amable LHUER est un dessinateur, graveur et peintre français, né à Bucarest (Roumanie) le 9 septembre 1876 et mort à Paris le 11 février 1952 à Paris.

Né à Bucarest de parents français, François Lhuerre, opticien, et Laure Adolphine Louise Flan qui reviennent à Paris en 1878, Victor Lhuer sort diplômé de l'École nationale supérieure des arts décoratifs en 1899. L'un de ses frères aînés, Gaston Théophile Lhuer (1868-1937) est également peintre et illustrateur.

Élève entre autres de Charles Genuys et Edmond Lechevallier-Chevignard, il expose au Salon des artistes français de 1899, 1902, 1903, 1904 et 1910.

Il est dessinateur pour le couturier Paul Poiret et se spécialise dans les costumes et la haute couture. Plus tard, il enseigne à l'École des arts appliqués à l'industrie.

Marié et père de deux enfants, il est mobilisé durant la Première Guerre mondiale.

On note des contributions illustrées pour Le Mois littéraire et pittoresque (dès 1900), l'almanach du Pèlerin, le Journal des dames et des modes (1912-1914), La Vie heureuse.

Alexandre Nikolaïevitch BENOIS  né le 21 avril 1870 (3 mai dans le calendrier grégorien) à Saint-Pétersbourg, mort le 9 février 1960 à Paris, est un peintre, décorateur, scénographe et historien d'art russe et français. Ami intime de Serge de Diaghilev, Léon Bakst, Dimitri Bouchène et Serge Ivanoff, ses créations ont particulièrement porté sur des décors pour des représentations de ballets.

À partir de 1897, Alexandre Benois séjourne à plusieurs reprises en Bretagne : « Benois et Lanceray commencent alors à chercher l'endroit le mieux adapté pour leur première découverte de la Bretagne, vierge et non encore exploré par les artistes (...). L'accompagnateur breton leur conseilla alors le village de Primel-Trégastel, un endroit, selon Benois « si breton qu'il serait insensé de chercher quelque chose de plus breton ailleurs ». La vue qui s'offrait à leurs yeux était d'une beauté indescriptible (...), un petit golfe encadré de rochers en granit rose et de formes étonnantes ».

Jean Pierre GUINEGAULT  (1918 - 2009)

Louis GARIN né le 23 juin 1888 à Rennes (Ille-et-Vilaine) et mort le 13 octobre 1959 à Val-d'Izé (Ille-et-Vilaine) est un peintre et illustrateur français.

Louis GARIN est né dans une famille modeste dont le père est cheminot. Il travaille avec son père à la Compagnie des chemins de fer de l'Ouest jusqu'en 1935. Il s'inscrit aux cours du soir de l'école régionale des beaux-arts de Rennes. Louis Garin se marie et devient père de famille. Il peint à ses heures de loisirs et pendant ses congés. Illustrateur et peintre de paysages et de sujets lyriques, il est réputé pour ne peindre que la région bretonne. En 1922, il expose au Salon de la Société nationale des beaux-arts.

Entre 1928 et 1938, il travaille pour la Manufacture de la Grande Maison de la Hubaudière, dite « H.B », à Quimper, notamment en compagnie du sculpteur René Quillivic et des peintres Alphonse Chanteau (1874-1958) et Georges Brisson (1902-1980), Georges Renaud (1901-1994), Paul Fouillen (1899-1958), et le Toulousain René Beauclair (1877-1960), ceci pendant la pleine productivité de la marque « Odetta » (Les Ateliers de l'Odet).

En 1935, il participe à la décoration de la salle de jeux de la classe tourisme du paquebot Normandie. À cette même époque, il quitte son emploi de cheminot pour devenir peintre à temps complet après avoir reçu la commande de la décoration de l'église Sainte-Thérèse de Rennes.

Il conçoit le décor du pavillon breton de l'Exposition universelle de 1937 à Paris. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il trouve refuge à Landavran, où il décore les murs de l'église.

Réfugié pendant la Seconde Guerre mondiale à Landavran, il peint deux toiles pour l'église paroissiale^.

Il peint également de nombreux décors de restaurants, dont Le Menach au Bono, l'hôtel Du Guesclin à Rennes, Manche-Océan à Vannes, l'hôtel Bellevue à Trébeurden ainsi que dans quelques églises comme Saint-Joseph à La Trinité-sur-Mer, ou l'église Saint-Lézin à La Chapelle-Janson en 1959, quelques mois avant sa mort.

Il travaille également pour la faïencerie de Sarreguemines, pour laquelle il réalise des services de table à décors bretons.

Il meurt à Val d'Izé le 13 octobre 1959.

Jean-Baptiste Balluriau dit Paul BALLURIAU, né à Oullins en 1860 et mort à Paris en 1917, est un dessinateur, illustrateur et affichiste français.

Né Jean-Baptiste Balluriau dans le Rhône, il commence comme mécanicien au Creusot.

Autodidacte, il dessine sur modèle vivant, s'inspire de la rue. Il fut aussi escrimeur et membre des Humoristes.

Sous le nom d'artiste de « Paul Balluriau », il est surtout connu en tant que dessinateur caricaturiste et illustrateur : il travaille pour des publications périodiques telles que La Chronique parisienne (1886-1887), Le Journal amusant (1887), Fin de Siècle dont il est le premier directeur artistique (1891-1894), Don Juan (1895-1897), L'Assiette au beurre (1901-1904), Le Rire (1903-1910), Le Journal, Le Courrier français, L'Éclair de Paris...

Pour L'Estampe moderne, il livre une remarquable composition lithographiée, Crépuscule (1897).

Il est, avec Steinlen, l'un des principaux contributeurs au Gil Blas illustré dont il assure la direction artistique à partir de 1897 jusqu'en 1900.

Par ailleurs, il illustre de nombreux ouvrages et réalise quelques affiches qui vont compter dans les représentations de cette époque.

Il contribue à des recueils de chansons, des partitions et des livrets comme les Chansons du Quartier latin de Paul Delmet ou les Chansons de là-haut et de là-bas de Léon Durocher et il illustre les recueils de chansons de Théodore Botrel.

Son atelier parisien était situé au 49 boulevard Saint-Marcel.

Jeanne MALIVEL  (1895-1926)

Elle est née le 15 avril 1895 à Loudéac, dans le département des Côtes du Nord (nom à l'époque des actuelles Côtes d'Armor).
Ses grands parents s'installèrent dans cette ville en 1859. sa grand-mère tenait une épicerie et son grand m père était transporteur. Il fut un temps conducteur de diligences sur la ligne Rennes-Caen. Quand il franchissait le Couesnon, il disait aux voyageurs : "saluez, Messieurs, vous entrez en terre sainte !".
Son père dirigeait une affaire de commerce de grains. Il était fortement attaché à la Bretagne et sut communiquer cette passion à ses enfants.
Jeanne se fit remarquer très tôt pour ses dons artistiques. Elle prit quelques leçons de dessin à Loudéac puis elle prépara le concours d'entrée aux beaux arts de Paris qu'elle réussit brillamment.
Elle devint par la suite professeur aux beaux arts de Rennes où son cours de gravure sur bois était très fréquenté.
Elle fut à l'origine, avec René Yves Creston et sa femme Suzanne, du mouvement artistique les Seiz Breur. Le nom de ce mouvement semble avoir une double origine : un conte recueilli par Jeanne Malivel et la légende des sept saints fondateurs de Bretagne.
Le groupe travailla pour l'Exposition Internationale de 1925 à Paris et reçut à cette occasion une médaille d'or.
Elle se maria en 1925 à Maurice Yung, contrôleur des contributions indirectes à Loudéac.
Elle mourut de maladie un an plus tard, le 2 septembre 1926.

Ses créations

Toute l'œuvre de l'artiste est dédiée à une création contemporaine puisant dans la culture traditionnelle. Elle fut peintre, graveuse, céramiste, imagina des motifs pour tissu…
Son activité était toute consacrée à la Bretagne. Elle espérait que ses créations seraient utilisées par les artisans et donneraient du travail aux jeunes sur place.
Elle collecta aussi chants et contes en gallo et fut l'une des premières à les transcrire à l'écrit.

Albert Fernand RENAULT, né le 16 juin 1887 à Paris où il est mort le 26 novembre 1963, est un peintre français.

Albert Fernand Renault est le fils de Louis André Renault, artiste peintre, et d'Anathalie Eugénie Cancoin.

Élève de Fernand Cormon, d'Henri-Achille Zo, de Jules Adler, de Joseph Bergès et d'Eugène Narbonne, il expose au Salon à partir de 1913. Il y reçoit une médaille d'argent en 1928, une médaille d'or en 1931 et une autre, en 1937, à l'Exposition universelle.

En 1918, son frère André Edmond est mort pour la France ; la même année, Albert Fernand épouse Amable Hortense Pironin (1890-1963).

En 1931, il est professeur honoraire de la ville de Paris et son épouse Hortense est artiste peintre ; ils habitent au n^o 3 de la rue des Poitevins.

Il est récompensé du Prix Jean-Jacques-Henner en 1934.

Il meurt à son domicile de la rue Jules-Chaplain à l'âge de 76 ans. Il est inhumé au cimetière de Bagneux

MALO RENAULT, pseudonyme d’Émile Auguste Renault, né à Saint-Malo le 5 octobre 1870 et mort au Havre le 19 juillet 1938 est un dessinateur, pastelliste, graveur et illustrateur. Il trouve son inspiration de sa terre natale, Saint-Malo et la Bretagne : les paysages et les Bretons sont les premiers sujets de ses pastels et ses estampes en couleur.

Marie-Renée CHEVALLIER-KERVERN, née à Landerneau le 4 janvier 1902 et morte à Brest le 19 novembre 1987, est une peintre, dessinatrice, graveuse et céramiste française. Elle traverse les grands courants de l’abstraction du XX^e siècle en solitaire laissant un corpus imposant d’huiles, gouaches, aquarelles, dessins, carnets, gravures, papiers collés pour aboutir aux étoffes cousues, où les formes et les couleurs de la peinture passent directement dans les compositions de tissus^,.

Née en Bretagne d'une famille d'artistes, Marie-Renée Kervern partage les premières années de sa vie entre Paris et Amiens, tout en se réfugiant à Landéda (Finistère) au début de la Première Guerre mondiale. Entre 1921 et 1924, elle se forme aux Arts Déco, à l'Académie Julian, à la Grande Chaumière et à l'Académie Colarossi ainsi qu'à l'école Art et Publicité, section affichiste.

En 1925, Marie-Renée Kervern inaugure sa première exposition à Amiens, salle des Rosati Picards.

En 1926, elle épouse l'architecte Fernand Paul Chevallier, architecte et lui-même peintre, associant le nom de son mari au sien. Elle travaille avec lui sur les esquisses d'affiches publicitaires ; en même temps, elle commence la gravure. Elle devient sociétaire du Salon des artistes français à partir de 1929, année où elle y expose une série intitulée Le Folgoat. La même année, elle entre en relation avec André Chevrillon, qui manifeste un vif intérêt pour les gravures du Folgoat.

En 1932-34, Marie-Renée Chevallier-Kervern effectue des recherches documentées sur la poterie traditionnelle qui est en train de s'éteindre après une tradition ancestrale à Lannilis et à Plouvien (Finistère); elle travaille avec Gouez, l'un des derniers potiers, installé à Prat-Torchen en Lannilis; elle enquête auprès de François Cueff, de Prat-Torchen et d'Augustine Guizou, de Kerizaouen et recueille une intéressante collection d'outils de poteries diverses. En 1935, elle publie un article très complet sur la poterie traditionnelle dans le Bulletin de la Société archéologique du Finistère.

En 1935, elle fait la connaissance à Paris, lors d'une exposition d'artistes bretons au «Bûcheron», de Madame Paul Sérusier avec qui elle se lie d'amitié.

En 1936, l'artiste se rapproche de sa région d'origine, son époux étant nommé architecte de la ville de Brest. Elle s'intègre au milieu artistique brestois très vivant à l'époque cristallisant autour d'elle une partie des activités artistiques. Elle se lie d'amitié avec Gaston Chabal, architecte des Monuments Historiques et président des Amis des Arts, Jean Lachaud, conservateur du Musée et directeur de l'École des Beaux-Arts de Brest, Émile Compard et le jeune peintre Jean Deyrolle, avec lequel elle entretient une correspondance, rencontre des peintres brestois Charles Lautrou et Jo Tanguy.

Marie-Renée Chevallier-Kervern se lie d’amitié avec le jeune Charles Estienne alors répétiteur, puis professeur adjoint d’histoire au lycée de Brest. Elle l'initie Charles Estienne à la peinture moderne, à la lecture des ouvrages sur l'impressionnisme et aux questions ayant pour thème l’expression artistique. Odile Vacherot, première femme de Charles Estienne, est professeur de dessin au Lycée technique de Brest.

Marie-Renée Chevallier-Kervern retrouve Madame Paul Sérusier, qui venait de Châteauneuf-du-Faou rendre visite à Madame Saluden. Vers 1937, abandonne la technique de la gravure et se consacre davantage à l’huile.

Au sein de la Société des amis des Arts, elle prépare la venue à Brest du poète Max Jacob, ami personnel de Jean Lachaud. Max Jacob donne une conférence sur l’Art moderne en ouverture du Salon de peinture de Brest le 21 mai 1938. Le poète se lie d’amitié avec Marie-Renée Chevallier-Kervern et lui rend visite à Landéda ; il apprécie beaucoup ses œuvres.

Marie-Renée Chevallier-Kervern s'associe avec la faïencerie Henriot de Quimper. La première pièce connue de l'artiste date de 1939 et s'intitule Femme de Plonéour-Trez.

Pendant les bombardements de Brest en 1941, elle se réfugie à Kervenny en Landéda – où elle réalise en atelier une importante série de portraits et natures mortes à l’huile sur papier. Nombreuses de ses toiles de 1937-41 sont exposées à Nantes, à la Galerie Mignon-Massart. Elles sont détruites en septembre 1943 lors du bombardement de la ville. La même année, Marie-Renée Chevallier-Kervern rend visite à Madame Saluden, à Odile et Charles Estienne qui s’étaient réfugiés à Quimper. Pendant ce séjour, Charles Estienne la conduit chez l’un de ses amis, antiquaire averti, établi sur le quai. Dans son arrière-boutique, elle prend connaissance des premiers Bazaine.

En 1951, Marie-Renée Chevallier-Kervern devient professeur à l'École des Beaux-Arts de Brest.

En 1952-54, on assiste dans sa peinture à l’éclatement progressif de la figuration. Les premières toiles non figuratives voient le jour vers 1955, nées de fugitives impressions de voyage. En effet, depuis 1948, elle entreprend, avec son mari, les voyages réguliers en voiture à travers la France, en Espagne, au Portugal, en Allemagne ; le couple se rend plusieurs fois en Italie. De ces voyages, l’artiste rapporte des carnets remplis de croquis et d’aquarelles. Elle expérimente alors de nouvelles techniques : de retour d’Espagne en avril 1957, elle travaille à ses premières Étoffes cousues ; de retour d’Allemagne en septembre 1961, à ses premiers Papiers collés.

En mars 1962, la Galerie Arlette Chabaud à Paris lui consacre une exposition personnelle. L’exposition ne remporte pas le succès attendu en raison de l’obstination de l’artiste à ne solliciter l’appui d’aucun de ses amis peintres et critiques. Suit une grave dépression qui va durer deux ans. Elle abandonne le poste de professeur à l’École des Beaux-Arts lors du transfert de cette école dans les nouveaux locaux.

De 1962 à 1977-78, elle envoie ses œuvres à Nantes, aux expositions du Musée des Beaux-Arts organisées par André Lenormand (« Rencontre de Nantes », « Bretagne 71 », « Bretagne 73 », « Bretagne 75 » et « Bretagne 77 »). En 1970-71, elle participe à l’exposition « Art contemporain de Bretagne occidentale » qui va aussi à Kiel.

En 1967, après la série Londres, elle abandonne progressivement la peinture à l’huile pour se consacrer de plus en plus aux Étoffes cousues. En 1969, elle participe avec deux de ses œuvres à l’exposition collective « Art et Université » réunissant dix peintres brestois à la Faculté des Lettres de Brest, sur l’initiative de Jean Gaultier. En septembre de la même année, lorsque Fernand Paul Chevallier laisse la direction de l’École des Beaux-Arts de Brest pour sa retraite, elle quitte Brest et s’installe définitivement à l’Aber-Wrac’h (Nord Finistère).

En janvier-février 1970, le Musée de Brest lui consacre une exposition personnelle où est présenté son parcours depuis 1932 : huiles, papiers collés, étoffes cousues, dessins, croquis, ardoises gravées et émaillées ; en tout 183 pièces jamais exposées auparavant. Le petit catalogue très précis et complet établi par René Le Bihan demeure à ce jour la plus importante publication sur l’œuvre de l’artiste.

Dans sa retraite de l’Aber-Wrac’h, l’artiste se consacre de plus en plus aux étoffes cousues sans délaisser le dessin et d’autres techniques. Elle coud ses compositions en tissus durant les longs hivers bretons. En parallèle, elle effectue de nombreuses recherches iconographiques sur différentes cultures et civilisations. En été, continue à travailler sur le vif, les paysages du Finistère et les portraits de ses petits-enfants. De retour de la pêche, elle réalise plusieurs planches et études de la flore et de la faune marines. Les soirées d’hiver, elle dessine régulièrement devant la télévision. Ainsi naissent, entre autres, de nombreux cahiers de dessins et croquis liés à l’émission d’actualité littéraire « Apostrophes ».

En mars-avril 1979, la Galerie Gloux de Concarneau organise une exposition de ses fusains et de ses gouaches. En juin-septembre 1982, le Musée des Beaux-Arts de Brest lui consacre une grande exposition réunissant 37 nouvelles étoffes cousues. C’est sa dernière exposition.

Malgré la mort de son mari, le 26 octobre 1985, elle continue à travailler sans relâche. En avril 1986, elle rend une deuxième visite (la première eut lieu en 1948) à l’atelier de Cézanne à Aix-en-Provence. Après deux ans de travail acharné, sa dernière œuvre, Triptyque, conçue et réalisée en 1986-87 pour l’autel de l’église San Rocco de Vallecrosia (en Ligurie), est finalement refusée par les autorités ecclésiastiques de peur qu’elle ne fasse fuir les fidèles.

Le 19 novembre 1987, Marie-Renée Chevallier-Kervern meurt après une brève maladie. Elle est enterrée auprès de son mari Fernand Paul Chevallier au cimetière de Landéda.