Le blog de christianlegac

Dans cette 3ème partie des peintres ou dessinateurs qui nous montrent la Bretagne avec ses paysages ou ses habitants d'une manière parfois surprenante... On aime ou on aime pas, à chacun son style!.

Pour débuter ce 3ème volet, voici quelques œuvres que j'apprécie particulièrement, Bruno TREMOHARS, Manoussos MALICOUTIS, Henri LE GOFF...

Et si nous parlions de BECASSINE !... Ce personnage que beaucoup de bretons détestent, dessiné par Emile Joseph Porphyre PINCHON (1871-1953) et créé en 1905. Les premières illustrations ont été publiées dans la semaine de Suzette. Voici, ci-dessous quelques extraits de l'enfance de Bécassine...

Elles sont à toutes les sauces, les bigoudènes !... Voici les bigoudènes de Jean Paul DAVID (Mam Goudig), Nicolas LE CORRE (Mam Goz), Thierry FAGOT (les bigoud'up), le dessinateur PICOU,

Dommage que ce soit la seule bigoudène qui représente la Bretagne, il y a tant d'autres belles coiffes!.

Hubert RUBLON    (1950-2022)

C'est avec plaisir que je vous présente ce peintre que j'ai découvert avec son Papy Péchou... Lorsque nous avions développé notre affaire LA GUILDE DU DE, nous avons cherché à créer des collections de dés à coudre en porcelaine, bien entendu,  il y avait les séries crées par Janick mais nous avons également cherché à proposer des "licences" et c'est ainsi que venus au catalogue de LA GUILDE des séries BECASSINE, MAM GOUDIG, MAM GOZ , PAPY PECHOU, les phares de Louis PORS et bien d'autres.

J'avoue aujourd'hui que, concernant toutes ces licences, ce ne fut pas une réussite car pour les dés en porcelaine, la clientèle ne cherchait que le dé de la ville avec un décor et le nom de la ville écrit dessus !. Il y avait deux catégories de collectionneurs, celle des très beaux dés que nous trouvions dans une quarantaine de pays différents et de toutes matières et celle des dés à coudre en porcelaine, souvenirs du passage dans les ville de vacances!.

Lorsque nous avons découvert Papy Péchou, nous avons aimé mais je découvre aujourd'hui, 20ans après, Mamie Pik et j'aime encore plus!.

Séries de dés à coudre de collection sur les coiffes de Bretagne, une création de Janick pour La Guilde du Dé.

Les artistes qui ont réalisé ces superbes affiches touristiques pour les chemins de fer dans les années 1900... A commencer par Charles Jean HALLO  dit ALO (1882-1969).

La BRETAGNE par les affiches publicitaires...

Les boîtes à biscuits décorées qui deviennent souvent des boîtes à sucre.

Le Petit Journal est un quotidien parisien républicain et conservateur, fondé par Moïse Polydore Millaud et paru de 1863 à 1944. C'est, au tournant des XIX^e et XX^e siècles et jusqu'à la Première Guerre mondiale, l'un des quatre plus grands quotidiens français, avec Le Petit Parisien, Le Matin et Le Journal. Il tire à un million d'exemplaires en 1890, en pleine crise boulangiste.

Collaborèrent au Petit Journal, à ses débuts, Lamartine, Alexandre Dumas, Alfred Assolant, Eugène Chavette, Charles Monselet… puis, par la suite, Albert Londres, René Hachette, Raymond Patenôtre, Saint-Paulien, Paul-Émile Victor, Daniel-Rops, Roger Vercel, Stephen Pichon, Maxence Van der Meersch…

Le fondateur du titre est Moïse Polydore Millaud. Issu d'une famille juive de Bordeaux, il a débuté dans les affaires et les affaires de presse dès la monarchie de Juillet avec des publications financières ou judiciaires. En 1856, il rachète la Presse de Girardin, mais son échec lui fait comprendre que cette formule, nouvelle vingt ans plus tôt, est maintenant dépassée.

Il en confie la direction gérance à son neveu Alphonse (né le 11 juin 1829 à Mouriès), fils de son frère Joseph.

Le Petit Journal attire de nombreux lecteurs car le passage de l'impression « à la feuille » à l'impression en rotative lui permet d'être bon marché : il ne coûte que 5 centimes au lieu de 15 centimes pour les journaux ordinaires. Il a un format commode (43 × 30 cm), plus petit que ses concurrents d'où son nom, est accessible à tous (pas d'abonnement), et propose, à côté de l'information nationale et internationale, un contenu distrayant comprenant fait divers, feuilletons, horoscopes et chroniques.

Journal se déclarant apolitique – même si ce n'est pas tout à fait le cas –, il est dispensé du timbre. Il s'agit en outre d'un journal du soir, vendu par des crieurs à la sortie des usines et des ateliers. Il est l'emblème d'une nouvelle forme de journalisme qui se développe, la « petite presse ».

Le Petit Journal voit ses ventes considérablement augmenter lorsqu'il se met à publier le compte rendu de faits divers extraordinaires, comme l'affaire Troppmann, en septembre 1869. Tout Paris se presse à Pantin, où l'on vient de découvrir sept cadavres appartenant à une même famille. Autour de la fosse, on a monté une fête foraine. Devant l'émotion suscitée par cette tuerie, Alphonse Millaud, patron du Petit Journal, décide de couvrir abondamment l'histoire. Immédiatement, le pays tout entier se passionne pour cette famille odieusement massacrée. La police arrête un certain Jean-Baptiste Troppmann, alors qu'il tentait d'embarquer pour les Amériques. Il a sur lui les papiers et les bijoux de l'infortunée famille.

Pour Millaud, l'affaire Troppmann se révèle être une mine d'or : le tirage du journal passe ainsi de 200 000 exemplaires par jour à 300 000, puis à 500 000 ! Cette exploitation des faits divers devient alors la stratégie éditoriale du journal, sur laquelle beaucoup d'historiens porteront un jugement sévère^.

Le premier numéro sort le 1^er février 1863 et, dès octobre, dépasse, avec 83 000 exemplaires, le plus fort tirage des journaux « sérieux » comme Le Siècle, qui tire à 50 000 exemplaires. Deux ans plus tard, à lui seul, le tirage du Petit Journal, avec 259 000 exemplaires, est supérieur à celui de l'ensemble de la presse parisienne. En 1870, il atteint 340 000 exemplaires, soit le double du tirage de la presse parisienne. Ses progrès avaient aussi été rendus possibles grâce aux presses rotatives qu'Hippolyte Marinoni (1823-1904) met au point pour lui dès 1867.

En février 1864, la famille Millaud lance Le Journal illustré, publication dominicale, vendue 10 centimes, qui, en 1890, se trouve concurrencé par le supplément illustré du Petit Journal. Les Millaud se retrouvent ensuite face à des difficultés financières et revendent leur groupe en 1873 à Émile de Girardin, lequel est associé à Marinoni, Gibiat et Jenty. En 1874, le banquier Victor Antoine Desfossés en devient l'administrateur et évite la faillite.

En 1882, Marinoni prend le contrôle du journal, succédant à Girardin. Dès 1884, le 15 juin, paraît le Supplément illustré hebdomadaire – d'abord sous-titré Supplément du dimanche puis Supplément littéraire – du journal, pour lequel une innovation est apportée : l'illustration couleur. Ce supplément est finalement nommé Le Petit Journal supplément illustré. Pressentant l'importance de la couleur, Marinoni fabrique en 1889 une presse rotative à impression polychrome, débitant 20 000 exemplaires à l'heure, ce qui permet, à partir du numéro du 29 novembre 1890 et les portraits du couple présidentiel Sadi-Carnot, d'imprimer en six couleurs la une et la dernière page du Supplément illustré. Le tirage du Supplément atteint un million d'exemplaires en 1895.

Malgré quelques crises, l'audience du journal ne cesse d'augmenter, et aucun de ses concurrents ne peut mettre sa suprématie en cause ; son tirage atteint 500 000 exemplaires en 1878, 1 million en 1890 et certainement autour de deux millions en 1895, date à laquelle il devient le journal avec le plus haut tirage au monde.

Le Petit Journal est alors l'un des trois principaux journaux français. Ce journal de presse populaire expédie 80 % de son tirage en province.

Après 1900, les tirages commencent à stagner puis à décroître : Le Petit Parisien, mieux géré et qui évite de prendre parti dans l'affaire Dreyfus, devient le plus grand journal français. Ernest Judet (1851-1943) place Le Petit Journal dans le parti antidreyfusard et le rallie à la cause nationaliste. En 1914, Le Petit Journal ne tire plus qu'à 850 000 exemplaires, et son tirage baisse jusqu'à 400 000 en 1919. Après la guerre, une bonne partie de ses lecteurs, déconcertés ou choqués par l'engagement du journal dans le parti antidreyfusard sont alors passés à la lecture d'un concurrent, Le Petit Parisien, qui franchit la barre des deux millions d'exemplaires.

Malgré les commandites successives de Louis Loucheur, puis de Raymond Patenôtre, le déclin s'accentue dans l'entre-deux-guerres. En 1937, il ne tire plus qu'à 150 000 exemplaires, quand il devient le 14 juillet l'organe du Parti social français (P.S.F.) du colonel de La Rocque, mais son audience ne s'en trouve pas améliorée. La devise du PSF, « Travail, Famille, Patrie », empruntée aux Croix-de-Feu et reprise par la suite, en 1940, par le régime de Vichy, figure dès lors sur le bandeau du quotidien, à gauche du titre. La Rocque est directeur du journal et président de son conseil d'administration en avril 1938, jusqu'à son arrestation en mars 1943.

Replié à Clermont-Ferrand en juin 1940, Le Petit Journal y vit, médiocrement, jusqu'en août 1944 où il disparaît complètement ; durant cette période, il reçoit chaque mois une subvention du gouvernement de Vichy ; son conseil d'administration est alors présidé par La Rocque. Des académiciens y collaborent jusqu'au dernier numéro, Louis Madelin, Jérôme Tharaud et son frère, Gabriel Hanotaux, Henry Bordeaux, Auguste de La Force, ainsi que des écrivains comme Henri Pourrat, Roger Vercel, Daniel-Rops.

Le journal et le vice-président du conseil d'administration, André Portier (le président, La Rocque, étant mort en 1946), sont jugés en 1948 par la Cour de justice de la Seine, pour avoir continué à paraître sous l'Occupation et sous l'accusation d'intelligence avec l'ennemi. Les avocats plaident que La Rocque fournissait des renseignements à l'Intelligence Service, ce qui lui a valu d'être déporté. La cour rend un arrêt d'acquittement^.

En 1891, Pierre Giffard, rédacteur en chef du Petit Journal crée la course cycliste Paris-Brest-Paris.

Le 22 juillet 1894, Le Petit Journal a organisé la première compétition automobile de l'histoire, le Paris-Rouen. Le premier prix est partagé entre « Panhard & Levassor » et « les Fils de Peugeot Frères ».

Le paris-brest est une pâtisserie traditionnelle d'origine française, en forme toroïdale évoquant une roue de vélo, pour rendre hommage à la course cycliste Paris-Brest-Paris. Elle est composée d'une pâte à choux croquante fourrée d'une crème mousseline pralinée, parsemée d'amandes effilées.

Ce gâteau en forme de roue de vélo rend hommage à la course cycliste Paris-Brest-Paris. Sa création est attribuée à différents pâtissiers résidant sur le passage de la course, parmi lesquels : Louis Durand, de Maisons-Laffitte, qui l'aurait conçu en 1909 ; Monsieur Bauget, également de Maisons-Laffitte, mais en 1891 ; d'autres sources citent simplement un pâtissier de la banlieue parisienne, qui l'aurait créé en 1891 ; enfin, un pâtissier de Chartres du nom de Gerbet.

Selon certaines sources, Durand l'aurait créé en 1909 sous la forme d'un éclair, et c'est un autre pâtissier de la banlieue ouest de Paris qui lui aurait donné sa forme circulaire. Selon d'autres sources, c'est Durand qui lui aurait donné sa forme de roue de bicyclette, en se basant sur une pâtisserie créée antérieurement : une pâtisserie en forme de couronne de lauriers (en référence à celle qui est décernée au vainqueur de la course) créée par un pâtissier de Brest, ou une pâtisserie de forme oblongue.

La même recette apparaît sous le nom paris-nice en 1910 dans le Traité de pâtisserie moderne d'Émile Darenne et Émile Duval.

En 1930, Paul Durand, fils de Louis, a tenté de déposer un brevet sur la création de son père, mais la diffusion de la pâtisserie était déjà si large que sa demande fut rejetée.

La Bretagne vue par divers peintres ou  dessinateurs...

Ricardo FLOREZ, dit « Ricardo FLORES », né le 20 octobre 1878 à Alençon et mort le 20 octobre 1918 à Rennes, est un peintre, illustrateur, caricaturiste et dessinateur humoristique français.

D’ascendance péruvienne par son père, Ricardo FLOREZ entre en 1894 comme dessinateur auxiliaire dans les bureaux du génie militaire à Alençon. En 1896, il entre aux Beaux-Arts^{[réf. nécessaire]}. Il commence à produire des caricatures et à exposer des dessins, avec pour complices Marcel Noblot et Eveli Torent. La première caricature parait dans Le Rire en 1897, puis dans Le Frou-frou, Le Bon Vivant, L'Assiette au beurre, Le Charivari, Le Clou, Le Cri de Paris, Le Petit Bleu et Lectures pour tous. Il illustre également les œuvres de Maupassant et divers ouvrages, comme La Chanson des gueux de Jean Richepin, collabore à la « Select-Collection », et exécute quelques portraits mondains.

On le présente comme élégant et boute-en-train, aimant rire et chanter, notamment dans un restaurant au 14bis, rue Norvins à Montmartre, Chez Adèle. Ce sont les personnages du Paris populaire qu’il croque alors le plus volontiers. Dans ses mémoires, Pierre Mac Orlan cite, autour de 1910, Ricardo Florès parmi les habitués de l'été, avec les peintres Maurice Asselin et Émile Jourdan, d'« une petite auberge posée sur le roc, située à l'entrée de la jetée qu'elle dominait », Chez la mère Bacon à Brigneau-sur-Mer. Lorsque éclate la Première Guerre mondiale, Ricardo Florès s’enrôle aux Invalides, comme volontaire étranger, en août 1914. Servant au 103^e régiment d’infanterie territoriale, il s’attache dans ce nouvel environnement aux poilus qu’il montre dans leur réalité quotidienne. Il met également en scène l’ennemi en uniforme feldgrau et coiffé du calot. Fin 1914, il publie une série de caricatures de l’armée intitulée Boches ! et sous-titrée Deutschland unter alles.

Il est mort dans un hôpital militaire d'une septicémie, sa blessure s'étant infectée.

Raoul DUFY (1877-1953), le marché aux oignons à Roscoff, rare toile peinte en Bretagne.

Charles LAPICQUE est un artiste peintre et graveur français de la Nouvelle École de Paris, né à Theizé le 6 octobre 1898, mort à Orsay le 15 juillet 1988.

Ses œuvres furent jugées importantes, entre 1939 et 1943, pour le développement de la peinture non figurative et dans les années 1950 pour les courants Pop art, figuration narrative, figuration libre.

Il est reconnu Juste parmi les nations, avec son épouse Aline, pour avoir caché des Juifs pendant la Seconde Guerre mondiale.

Charles Lapicque naît sous le nom de Charles René Thouvenin le 6 octobre 1898 à Theizé , dans le Rhône, d'une famille originaire des Vosges. Il est le fils adoptif de Louis Lapicque, professeur de physiologie générale à la faculté des sciences de Paris, et de Marcelle Lapicque, elle-même fille du ministre Severiano de Heredia. Il passe sa petite enfance à Épinal et fait en 1900 son premier séjour en Bretagne, près de Paimpol, où il retourne longtemps chaque été. Il commence en 1903 l'étude du piano. À partir de 1909 il habite Paris où il suit ses études secondaires, pratique le dessin au lycée puis dans les académies libres, aborde en 1915 la pratique du violon. Mobilisé de 1917 à 1919 dans l'artillerie de campagne, il y acquiert une connaissance des chevaux qui se retrouvera plus tard dans ses peintures et participe aux combats de 1918 et recevra la Croix de Guerre.

Poussé par son père dans les études scientifiques, il entre en 1919 à l'École centrale des arts et manufactures de Paris, s'intéressant particulièrement aux projections et perspectives utilisées dans le dessin industriel. Il peint en 1920 ses premiers paysages près de Caen. Ingénieur dans la distribution d'énergie électrique, il dirige en 1921 un secteur près de Lisieux où il assure la construction et l'exploitation de lignes à haute tension. Appelé au Bureau d'études techniques, il s'installe à Paris en 1924, peignant le dimanche paysages et marines. Ses recherches plastiques, dans le climat du cubisme, développent les études qu'il a poursuivies sur les modes de projection dans l'espace et sur la couleur. Passionné de musique et ténor amateur, il participe à la chorale Sine Nomine dont le répertoire lui inspire en 1925 son Hommage à Palestrina. Délivrée de toute visée figurative cette œuvre suscite les encouragements de Jeanne Bucher qui lui propose de devenir « peintre de la galerie ». Il abandonne en 1928 sa carrière d'ingénieur pour se consacrer à la peinture, réalisant en 1929 sa première exposition personnelle à la Galerie Jeanne Bucher.

Charles Lapicque reprend ses études à la faculté des sciences de Paris, obtient la licence ès sciences physiques et commence une thèse pour le doctorat ès sciences physiques sous la direction de Charles Fabry. Sur recommandation d'André Debierne, il occupe de 1931 à 1943 un poste d'assistant préparateur auprès de Maurice Curie, professeur de physique du certificat P.C.B. Il fréquente alors les physiciens Albert Arnulf et René Lucas. À la faculté il entreprend des recherches sur la perception des couleurs qui le conduisent à renverser la loi classique de leur échelonnement dans l'espace, Lapicque observant que le bleu constitue en fait la couleur du plus proche, le rouge du plus lointain. Afin de perfectionner ses connaissances il entre à l'École supérieure d'optique dont il sort ingénieur-opticien diplômé en 1934. Il s'intéresse parallèlement, dans les musées et chez les antiquaires, aux œuvres artisanales anciennes, enluminures, tapisseries médiévales, émaux cloisonnés poitevins, faïences, dans lesquelles il trouve des confirmations de ses théories et fait plusieurs communications aux réunions de l'Institut d'optique, notamment, en 1935, sur « le rouge et le bleu dans les Arts ». Charles Lapicque rencontre en 1936 le philosophe Gabriel Marcel qui l'invite à des séances de discussion et lui fait connaître Jean Wahl: c'est le point de départ de sa réflexion philosophique et esthétique. Il reçoit en 1937 la commande de cinq grandes décorations murales pour le Palais de la découverte à Paris, l'une d'elles, La synthèse organique (10 × 10 m), lui valant une médaille d'honneur à l'Exposition universelle de 1937. Après avoir été nommé boursier de recherches de la Caisse nationale de la recherche scientifique, Lapicque soutient sa thèse de doctorat ès sciences physiques en 1938 sur « l'optique de l'œil et la vision des contours », devant un jury présidé par Charles Fabry et comprenant comme examinateurs Henri Chrétien et Henri Laugier, tandis qu'il réalise plusieurs sculptures (granit). S'intéressant aux arts africains et précolombiens, il aborde parallèlement la clarinette, le basson, le trombone et pratique durant dix ans le cor dans des ensembles amateurs.

Mobilisé en septembre 1939 au Centre national de la recherche scientifique, Lapicque est chargé d'études sur la vision nocturne et le camouflage, travaillant avec Antoine de Saint-Exupéry. Démobilisé, il commence d'appliquer ses théories dans une série de Figures armées qui posent les bases d'une peinture nouvelle et participe en 1941 (avec La vocation maritime) à l'exposition des « Vingt jeunes peintres de tradition française » organisée par Jean Bazaine, première manifestation de la peinture d'avant-garde sous l'Occupation, alors que le nazisme multiplie les condamnations de « l'art dégénéré ». II participe en février 1943 à la Galerie de France à l'exposition « Douze peintres d'aujourd'hui », dénoncée par la presse de la collaboration, et fait à nouveau un bref séjour en Bretagne. Un contrat avec la Galerie Louis Carré lui permet d'abandonner la même année son poste de préparateur à la faculté des sciences. Il peint en 1944 plusieurs toiles autour de la libération de Paris et retrouve durant l'été 1945 le chemin de la Bretagne. La Galerie Louis Carré présente en 1946 une exposition « Bazaine, Estève, Lapicque », préfacés par André Frénaud, Jean Lescure et Jean Tardieu.

Charles Lapicque fait en 1948 une première conférence au Collège de philosophie fondé par Jean Wahl. Il est nommé peintre du Département de la Marine et participe à de nombreuses manœuvres au large de Brest (1948), de Toulon (1949), en Afrique du Nord (1951). En 1949 le peintre explore minutieusement le champ de bataille de Waterloo et, après de nombreuses lectures militaires, peint La bataille de Waterloo. Recevant en 1953 le Prix Raoul Dufy de la Biennale de Venise qui consiste en une bourse de voyage dans cette ville, il effectue entre 1953 et 1955 quatre séjours dans la ville. Lapicque fait par la suite des voyages, qui seront chacun à l'origine de nouvelles suites de peintures, à Rome en 1957, en Grèce en 1963, en Espagne en 1973, en Hollande en 1974, en France même, à Vézelay en 1975, dans les châteaux de la Loire en 1976, à Aix-en-Provence en 1980. Charles Lapicque reçoit le Grand prix national de peinture en 1979. Il meurt à Orsay le 15 juillet 1988.

Sa femme Aline Lapicque-Perrin était la fille de Jean Perrin. Ils ont eu trois fils, Denis, François et Georges. Charles et Aline Lapicque reçoivent à titre posthume en août 2000 le titre de Justes parmi les nations pour avoir caché et protégé des Juifs pendant la Seconde Guerre mondiale. La cérémonie de reconnaissance a lieu le 5 juin 2001 au Sénat.

« De longues études d'ordre scientifique me conduisirent à considérer le rouge, l'orangé et le jaune comme des couleurs toujours prêtes à s'éclaircir, à se faire plus lumineuses et le bleu, au contraire, comme une couleur fatalement destinée à s'assombrir, à paraître plus noire. Il en résultait un avantage certain à figurer par du bleu les corps solides, pesants et rapprochés et à réserver le rouge, l'orangé ou le jaune aux corps lumineux ou lointains, tel que le ciel », résume en 1961 Lapicque dans une conférence, Présence et peinture, dont le texte est publié dans la revue « Médiations ».

Les toiles que peint Lapicque en 1939, en s'inspirant de cette analyse, marquent un tournant essentiel dans son itinéraire. Réalisant une synthèse des techniques cubistes (ruptures de plans, perspectives multiples, transparences des corps) et de ses recherches théoriques personnelles sur « le bleu et le rouge », Lapicque crée une nouvelle représentation de l'espace. Dans ses Figures armées ou dans Le Port de Loguivy, une ossature bleue, figurative ou abstraite, apparaît au premier plan, reliant les objets rapprochés et se détachant sur des fonds jaunes ou rouges. Ces peintures et celles qui les développent en 1940 (Jeanne d'Arc traversant la Loire, Sainte-Catherine-de-Fierbois, La vocation maritime) sont directement à l'origine de la construction non-figurative qui apparaîtra dans les années suivantes à travers les recherches de Jean Bazaine, Jean Le Moal, Alfred Manessier ou Gustave Singier.

« Lapicque était un cas un peu spécial, très important à mon avis dans le groupe. Il l'a influencé, en ce sens que nous étions un peu écrasés par la génération qui nous précédait. (...) Il fallait trouver autre chose, qui nous appartienne en propre, qui soit autonome, tout en respectant une certaine filiation. Celui qui a permis cela, je crois que c'est Lapicque. (...) Il nous a appris une façon d'envisager le monde qui permettait des vues perspectives, une approche des objets, des mises en page qui nous semblaient, aux uns et aux autres, pleines de promesses. Nous avions alors la possibilité de nous dégager du carcan cubiste que nous utilisions avant la guerre. (...) Nous avons ensuite tous fait notre propre chemin mais Lapicque a été celui qui nous a permis de gagner du temps, il a amené une discussion », devait ainsi déclarer Alfred Manessier.

À partir de 1941 la grille puissante qui assurait la construction des peintures de Lapicque se fait plus discrète à travers l'adoption d'une perspective à points de vue complémentaires et la lumière s'éclaircit. En 1946 Lapicque, par des tracés plus impulsifs, multiplie dans une série de Régates et de toiles marines les entrelacs et les boucles, origines d'une figuration « gestuelle » intensément colorée qui apparaîtra caractéristique de son œuvre. Il opère en 1947 un retour à la figure humaine, peignant des groupes entrelacés dans un graphisme synthétique. En 1950 la commande qui lui est faite, sur le conseil de Jean Lescure, d'un dessin d'armure par un fabricant de montres suisses l'engage à de nouvelles visites du musée des Armures aux Invalides qui lui inspirent une série de Guerriers, princes et rois de France ou conquérants (Henri IV, Henri III, Attila, Gengis Khan), poursuivie en 1953. Allant deux ou trois fois par semaine au steeple-chase d'Auteuil, Lapicque développe en 1950 et 1951 une série équestre amorcée dès 1949, continuant parallèlement de peindre, jusqu'en 1953, paysages maritimes et courses nautiques. Peintre de la Marine depuis 1948 l'occasion qui lui est donnée en 1951 d'embarquer sur le croiseur Émile Bertin et de faire escale à Oran puis Alger l'incite à visiter Biskra et à peindre L'Atlas saharien. En 1953 une nouvelle série de Figures fait alterner personnages historiques et mythologiques. La galerie Villand et Galanis, de 1953 à 1965, expose régulièrement son travail.

Effectuant de 1953 à 1955 quatre séjours à Venise, Lapicque peint d'abord les Villas construites dans la campagne proche par des architectes tels que Palladio, leurs jardins baroques et leurs intérieurs, les frontons et les façades d'églises puis développe une série de Couchers de soleil et de Nuits sur la lagune et les canaux. Après de nouveaux paysages bretons, un séjour à Rome à Pâques 1957 l'engage à peindre les ruines des monuments et les actions mémorables des Romains. Après deux embarquements sur des avisos de la Marine Nationale il en revient en 1958 aux thèmes des Manœuvres puis en 1959, après ses séjours dans la région de Bréhat et parallèlement à son illustration du « Portrait de l'Oiseau-Qui-N'Existe-Pas » de Claude Aveline, à des compositions de Mouettes et à un ensemble épuré de Lagunes bretonnes.

Fréquentant les parcs zoologiques et les ménageries, particulièrement le Zoo de Vincennes, Lapicque peint en 1960 de nombreux portraits de Tigres du Bengale ou de Chine, en 1962 de Lions, qui le ramènent à ses souvenirs de L'Atlas et du Désert algériens. En 1963 leur succèdent des Natures mortes aux chocolats ou dragées, généralement dans un décor Louis XV, puis un voyage en Grèce en avril 1964 suscite des évocations de paysages et de scènes mythologiques. Les thèmes abordés par Lapicque ne cesseront par la suite de se renouveler de façon imprévisible. Après un ensemble de paysages crépusculaires il développe de nouvelles séries autour du Tennis (1965) qu'il pratique assidûment depuis vers 1930, de la musique (1966-1967), du Golgotha (1968), puis en revient à la mer avec les Coups de vent, l'évocation des épopées et des drames des Cap-horniers, des Fermes bretonnes (1968-1969). Il peindra encore la Bourgogne, ses routes et ses architectures romanes (1970), une nouvelle suite de portraits imaginaires (1971-1972), des paysages d'Espagne (1973), de Hollande (1974), la basilique de Vézelay (1975), les Châteaux de la Loire (1976-1977), des scènes de chasse (1978), des variations d'après L'Embarquement pour Cythère de Watteau (1979-1980), la Montagne Sainte-Victoire et des Hommages à Cézanne (1981), La cathédrale de Laon (1981-1983), de nouvelles séries largement abstraites sur La Mer et les Figures (1984-1986).

L'œuvre de Charles Lapicque apparaît rétrospectivement avoir exercé une influence déterminante sur la nouvelle figuration. Sa palette particulièrement audacieuse et originale le place comme un artiste tout à la fois isolé et précurseur de ses contemporains immédiats. L'usage d'une palette chromatique totalement nouvelle et d'un espace à perspectives multiples distinctes de la perspective à points de vue multiples (utilisée par les cubistes) lui permet de préfigurer la sensibilité post-moderne. Cette façon de procéder à contre-courant permet à Charles Lapicque d'ouvrir la voie tant au Pop Art, qu'à la figuration narrative par l'usage acidulé de couleur inédite et dissonante. Ne faudrait-il pas rappeler que Lapicque introduit dès 1949 dans son tableau La bataille de Waterloo par l'intermédiaire de la longue vue de Napoléon une bulle grossissante à la manière de la bande dessinée et ce une dizaine d'années avant Warhol ou Erro ? La densité de sa figuration, l'ambigüité entre le fond et la forme, ses sujets tout aussi dérangeurs que parfois très classisants lui octroient une place d'élection dans le retour en force à cette figuration des années 1970 et 80 où le kitsch côtoie sans complexe la trans-avant-garde, la peinture cultivée, la figuration libre ou la Bad Painting. Charles Lapicque est un géant de la peinture, c'est à ce titre qu'on devra lui rendre hommage, se plaisait à dire François Pluchart.

Charles Lapicque a produit par ailleurs entre 1969 et 1972 des sculptures métalliques et en matière plastique destinées à l'édition, ainsi que des tapisseries.

Graveur important, Charles Lapique est l'auteur de 509 lithographies et eaux-fortes, exécutées entre 1945 et 1974, inspirés entre autres du monde hippique, des paysages, du monde maritime, du cirque.

« Son œuvre occupe dans l'art français contemporain une place d'élection. Sa façon de progresser à contre-courant lui assure une originalité foncière (...). La Vocation maritime de Lapicque et un certain nombre de ses toiles datées de 1939-1940 ( Figures armées, Le port de Loguivy, Jeanne d'Arc traversant la Loire, Sainte-Catherine de Fierbois, etc.) tiennent par rapport à cette période le rôle que Les Demoiselles d'Avignon et les paysages de Horto de Ebro ont joué dans l'aventure cubiste du début du siècle. »

Lapicque, préface de Jean Guichard-Meili, New-York, Galerie Albert Loeb, 1960.

Suzanne GUEGUEN  (1900-1979) J'aime ses oeuvres réalisées pour celles que j'ai trouvées, en majorité à Plougastel Daoulas, Morlaix, Rumengol, Ste Anne la Palud...

Yolande ARDISSONE, née le 6 juin 1927 à Bueil (Eure) et morte le 28 décembre 2024 à Saint-Pierre-lès-Nemours, est une artiste peintre française.

Yolande Ardissone est née le 6 juin 1927 à Bueil (Eure) d'un père italien et d'une mère russe. Elle commence ses études à l'École supérieure des arts appliqués Duperré à Paris en 1944. Pour se former aux techniques du dessin et de la peinture, elle fréquente l'Académie de la Grande Chaumière et les cours du soir de la ville de Paris, où elle pratique le croquis de nu. Dessinatrice sûre et rapide, sa maîtrise s'affirmeront dans ses carnets de voyages Yolande Ardissone gagne sa vie en décorant des broches, des abat-jour. Elle poursuit ses études à l'École nationale supérieure des beaux-arts, dans l'atelier Nicolas Untersteller.

Elle voyage en Italie en 1949 et y rencontre son futur mari, le peintre Jaques Eitel. Cette même année, elle expose pour la première fois ses œuvres au Salon des artistes français et en devient membre. Les deux artistes ont une fille en 1952 qui deviendra une artiste peintre connue sous le nom de Florence Arven. Yolande Ardissone est découverte par Wally Findlay en 1957. Le marchand d'art américain lui organise de nombreuses expositions dans ses galeries de New York, Beverly Hills et Palm Beach, assurant son succès aux États-Unis pour de nombreuses années. L'artiste a effectué de nombreux voyages en Asie, en Italie et en Grèce. Elle séjourne et travaille à Venise en 1960. Elle ramène de chacun de ses voyages des vues originales et colorées. Mais les sujets favoris de Yolande Ardissone sont les paysages et marines de Bretagne.

Joseph Stany GAUTHIER, pseudonyme de Joseph Stanislas Gauthier, né le 30 avril 1883 à Carcassonne (Aude) et mort le 4 juin 1969 à Nantes (Loire-Atlantique) est un peintre, architecte-décorateur, enseignant et conservateur de musée français.

Fils de Louis Joseph Marie Gauthier, négociant, et de Joséphine Anaïs Rouquette, son épouse, Joseph Stanislas Gauthier passe sa jeunesse à Carcassonne. Ses parents s'installent à Montpellier pour y ouvrir un atelier et magasin de haute couture. Il entre à l'École des beaux-arts de Montpellier et remporte une modeste bourse de voyage en 1904 qui le mène à Paris. Il y visite tous les monuments et musées, dont il tira un ouvrage en 1911. En 1905, il intègre l'École des beaux-arts de Paris. Il est engagé volontaire au service militaire en 1903.

Le 17 juin 1907, il épouse Marie-Raymonde Brézet à Montpellier et s'installe dans cette ville comme architecte-décorateur, diplômé d'État. Il est nommé le 1^er septembre 1908 à l'École des beaux-arts de Nantes pour enseigner le modelage, la composition décorative, le dessin géométrique, l'histoire de l'art et les mathématiques. Il se met à peindre la Bretagne : Douarnenez, retour des pêcheurs, Barques sous voiles, au port de Douarnenez, Gabarre sur la Loire, Notre-Dame de la Joie à Saint-Guénolé. Il prend le pseudonyme de Joseph Stany Gauthier vers 1930.

Mobilisé lors de la Première Guerre mondiale sur le front de l'est, où il est blessé en 1915. Il est alors détaché le 30 août 1915 à l'inspection des forges. Il a réalisé des dessins dans les tranchées.

En 1919, il entre au Comité régional des arts appliqués afin de prendre en charge la direction du projet du musée des arts décoratifs à Paris et il devient conservateur du château des ducs de Bretagne à Nantes en 1935, poste qu'il conservera jusqu'en 1969. Dans cette même ville, il crée également le musée des Arts décoratifs et d'Art populaire régional (Pays Nantais, Bretagne-Vendée) en 1922 sur son initiative en tant que secrétaire général du Comité régional des arts appliqués de Nantes, et qui fut inauguré le 30 mai 1924. Ce fut le premier musée d'Art populaire en France. En 1923, il aida les frères Louis et Maurice Amieux pour la création du musée des Salorges, consacré à la marine nantaise et aux vieux métiers du pays nantais, offert à la Ville de Nantes en 1934. Celui-ci est détruit sous les bombardements des Alliés américains les 16 et 23 septembre 1943 ; les collections subsistantes sont transférées en 1954 au château des ducs de Bretagne. En 1927, il crée le musée de Nantes par l'image, situé porte Saint-Pierre — transféré au musée des Arts décoratifs et d'Art populaire régional —, et le musée d'Art religieux en 1933, situé dans les bâtiments de la Psallette.

Il est nommé conservateur des antiquités et objets d'art de Loire-Atlantique, près de la commission départementale des sites. Membre correspondant de la commission des monuments historiques, il cesse de donner des cours à l'École ces beaux-arts de Nantes en 1945. En 1958, il fait partie du comité de défense du pont transbordeur et est secrétaire général du syndicat d'initiative de Nantes jusqu'en 1965.

En 1960, il est l'organisateur avec le peintre Michel Noury d'une manifestation devant la statue de la duchesse Anne, au bout du cours Saint-Pierre, pour rappeler l'appartenance de Nantes à la Bretagne historique et non à celle décidée sous l'occupation par le gouvernement de Vichy.

Il est respectivement de 1951 à 1969, grand-sénéchal, gardien des clés, maître du logis, après avoir été un des huit membres fondateurs de la confrérie vineuse des Bretvins le 20 mai 1948 au château des ducs de Bretagne. Il en dessine les costumes, ainsi que le blason de l'ordre. En 1957, il subit une grave opération. En décembre 1968, un accident de voiture le laisse amoindri.

Il meurt accidentellement le 4 juin 1969.

LES CARTES POSTALES BRODEES  avec ajout de tissu : les costumes de Bretagne...

Les superbes visages de Marie Claude MONCHAUX (1933-2021)

Le dessinateur PICOU qui publie ses dessins dans le journal le petit bleu (région de Dinan) des Côtes d'Armor malmène les bretons avec leur climat... De la pluis, le ciel gris taupe !

Les bretonnes, les bretons, le climat (encore), l'écotaxe, les inondations, la canicule... Tous ces évènements vus par les dessinateurs...

Bretagne :  Les grandes marées et la pêche à pied...

Obélix serait-il breton ?...

Robert YAN (né Yann Robert), né le 10 novembre 1901 à Arcachon et mort le 6 octobre 1994 à Lorient, est un artiste peintre aquarelliste français.

Il naît en 1901 à Arcachon. Il est le fils d'un ancien capitaine d'armement. Il passe son enfance à Quintin, Landerneau et Brest.

Il fait sa communion en 1918.

Il quitte ses études d'architecture pour la peinture et se rend à Paris en 1924. Il est l'élève de Narbonne à l’école des Beaux-Arts de Paris.

De 1936 à 1939, il fait de longs séjours à Concarneau et il se lie d’amitié avec Henri Barnoin, Maurice Ménardeau et Lucien-Victor Delpy.

Il fait partie des artistes bretons présent au Salon de la Marine de 1948.

Il est vice-président de la Société des artistes indépendants en 1951.

Il est nommé peintre officiel de la Marine en 1973^.

Il meurt le 6 octobre 1994 à Lorient.

- Frédérick Arthur BRIDGMAN   (1847-1928)    Photos 1 à 8

- Victor ROBIC  (1875-1941)                            Photos 9 à 10

- Bruno LE FLOCH   (1957-2012)                     Photos 11 à  17 + 170

- Guy WILTHEW        (1876-1920)                    Photos 18 à 20 + 39 à 41

- Maximilien LUCE   (1858-1941)                   Photos 21 à  38

- Eugène GAUGUET  (1872-1943)                  Photos  42  à 48

- Jean Adrien MERCIER  (1899-1995)            Photos  49  à  55

- Henri Charles BAIN DE LA COQUERIE (1879-1932)   Photo 56

- Louis TINAYRE   (1861-1942)                                       Photo 57

- Hugues MERLE  (1822-1881)                         Photos  58  et  59

- Gustave Lucien DENNERY (1863-1953)                      Photo 60 

- Millard Owen SHEETS (1907-1989)                             Photo 61

- William RUSSELL FUNT  (1880-1969)           Photos  62  à  68 

- Charles Pierre POUSSIN  (1819-1904)          Photos  69  à  70

- Raoul CARRE  (1868-1933)                                          Photo 71

- Emile COMPARD  (1900-1977)                      Photos  72  à  80

- Henri Gabriel IBELS (1867-1936)                  Photos   81  à  85 

- Armand Eugène BACH  (1853-1921)            Photos   86 et  87

- William Adolphe BOUGUEREAU (1825-1905) Photos 88 à  93

- Auguste LEROUX (1833-1905)                      Photos    94  à  98 

- Hans Von BARTELS (1856-1913)                   Photos    99  à  110 

- Paul Auguste MASUI (1888-1981)                Photos   111 à  127 

- Paul Frederik CLEMENT (1867-1933)            Photos   128 à  130

- Edgar PAYNE (1883-1947)                              Photos   131 à  142

- Louise CASTEX LAMORRE (1869-1943)         Photos   143 et 144

- Roger CHAPELET (1903-1995)                        Photos   145 à  148

- Emmanuel BLANCHE  (1880-1946)                Photos    149 à  150

- Walter SAUER (1889-1927)                             Photos    151 à  156  

- Grégoire de SAINT MARIN                             Photos     157 à  160

- Alice QUILLEVERE                                            Photos     161 à   169 

La faïence de Quimper a fait connaître la capitale de Cornouaille dans le monde entier. Mais derrière cette prestigieuse vitrine de l’art breton, ce sont plusieurs créateurs et artistes qui ont apporté leur savoir-faire et leur créativité à ces réalisations en céramiques. Paul Fouillen était l’un d’entre eux.

Né à Lorient le 5 septembre 1899, Paul Fouillen n’a que trois ans lorsque son père, cafetier, décède. Il passera le reste de son enfance à Pontivy, ville dans laquelle réside la famille de sa mère. Cette dernière y ouvre une boutique de parapluies après avoir vendu le café tenu par le père. Paul Fouillen est le cadet d’une famille de trois enfants.

Le jeune garçon s’intéresse de bonne heure au dessin et à la musique. À l’âge de 16 ans, tandis qu’il est bon élève, il est contraint de quitter l’école afin de travailler pour gagner sa vie. Il commence donc par un premier emploi en 1915 dans un commerce de tissus de Pontivy, « Les demoiselles Sivienne ». Ce sera le premier contact avec les décors imprimés et broderies sur toile pour Paul Fouillen.

En 1918, il part à Rennes pour étudier à l’école des Beaux-Arts. Une période sur laquelle les éléments d’information sont rares. Il revient à Pontivy en 1921 à cause de sa santé fragile.

C’est en 1922 à Quimper, alors qu’il a 23 ans, que les choses s’accélèrent pour Paul Fouillen. Il y travaille tout d’abord en tant que flûtiste pour la « Lyre quimpéroise ». Alors qu’il loge dans un premier temps à « l’Hôtel de la Tourbie », il entame une relation avec Anna Patérour, la fille des propriétaires de l’établissement. Hasard du destin, la jeune femme travaille dans l’une des prestigieuses maisons de la ville, la faïencerie H.B.

C’est donc sa jeune fiancée qui présente Paul Fouillen au patron de H.B. Le jeune garçon sera embauché comme ouvrier-faïencier et commence ainsi son apprentissage du métier. Les deux jeunes employés se marieront en 1924. C’est à cette époque que Paul Fouillen va découvrir l’univers artistique breton, à travers des peintres comme Jean-Julien Le Mordant mais surtout par l’intermédiaire des Seiz Breur, jeune mouvement de créateurs de l’époque.

Après être rapidement devenu le chef d’atelier de la faïencerie H.B. (et médaillé en 1925 lors de l’Exposition des Arts Décoratifs), il quitte l’entreprise pour lancer sa propre fabrique en 1929. Son nouvel atelier, toujours à Quimper, est situé place du Styvel.

Créatif et polyvalent, Paul Fouillen oriente dans un premier temps ses productions vers la réalisation de mobilier décoratif. Il avait par ailleurs effectué plusieurs travaux en tant que décorateur au cours des années 1920, en parallèle de son emploi à la faïencerie. Le talent et la qualité du style Fouillen sont récompensés en 1937, lorsque l’entreprise reçoit une médaille lors de l’Exposition Internationale des Arts et Techniques.

C’est en 1945, alors que la guerre se termine en Bretagne, qu’il décide de retourner à sa passion pour la céramique en transformant son atelier en faïencerie, fort de son savoir-faire accumulé lors de ses années chez H.B.

Le succès est au rendez-vous et sa faïencerie se développe puisque, dans le courant des années 1950, la maison Fouillen employait jusqu’à 22 personnes. La relève est également assurée par l’intermédiaire de Maurice Fouillen, le fils, qui rejoint les ateliers de son père, alors âgé de 50 ans, en 1949. Ce sont ces créations des années 1950 qui feront par la suite le prestige et la marque de fabrique de Fouillen Quimper.

En 1956, Paul Fouillen décide d’ouvrir le « Musée Fouillen ». Le lieu est aménagé dans le domicile de la famille, juste à côté de la faïencerie. Mais tout s’arrête le 18 mai 1958 lorsque Paul Fouillen décède subitement à 59 ans.

Son fils Maurice poursuivra le travail de son père jusqu’en 1980, date du décès d’Anna Patérour, mère de Maurice et veuve de Paul Fouillen. La faïencerie Fouillen et le musée fermeront alors leurs portes pour toujours. Maurice Fouillen continuera cependant seul l’activité de l’atelier, sans employé.

Christopher WOOD, surnommé « Kit Wood », né le 7 avril 1901 à Knowsley (Merseyside) et mort le 21 août 1930 à Salisbury est un peintre et dessinateur britannique.

Son œuvre a influencé le développement du modernisme anglais, malgré la disparition précoce de son auteur à la vie bohème, mouvementée et marquée par l'addiction aux drogues. C'est l'un des rares peintres britanniques à avoir obtenu une certaine reconnaissance dans la mouvance artistique parisienne des années 1920.

Christopher Wood est le fils du médecin Lucius Wood et de son épouse Clare Arthur, qui ont également une fille, Elizabeth. Il s'initie au dessin à l'âge de 14 ans, pendant une convalescence : à la suite d'une blessure à la jambe lors d'un match de football, il est atteint d'une septicémie qui le contraint à rester dans la maison familiale pendant deux ans où il noue une relation forte avec sa mère tandis que son père est mobilisé par la Première Guerre mondiale. De cet épisode, il conservera une claudication et s'aidera souvent d'une canne.

En 1919, il commence des études d'architecture à l'université de Liverpool où il rencontre Augustus John qui l’encourage à devenir peintre, avant que le collectionneur Alphonse Kahn ne l'invite à se perfectionner dans cette voie à Paris.

Dès 1921, Christopher Wood, surnommé « Kit » par ses amis, suit les cours de l'Académie Julian puis de la Grande Chaumière à Paris^[5]. Il s'intègre rapidement dans les cercles artistiques à la mode où Khan lui présente le diplomate chilien Antonio de Gandarillas, neveu de la mécène Eugenia Huici de Errázuriz (es) qui a soutenu Pablo Picasso dans ses jeunes années. Cette rencontre aura une influence décisive sur la vie du jeune Wood. Riche, dilettante, homosexuel, opiomane et mondain, Tony de Gandarillas lui présente de nombreux artistes de Paris et l'initie à l’opium tandis que les deux hommes deviennent amants. Gandarillas soutiendra financièrement Wood, souvent impécunieux, jusqu’à sa mort. Pendant plusieurs années, le couple mènera une vie parisienne de bohème mondaine, entrecoupée de nombreux voyages et séjours à travers l'Europe, en Afrique du nord, en Grèce et en Italie. Invité en Italie par un couple fortuné dans une villa des environs de Florence, il se rend ensuite à Riva del Garda où il se lie d'amitié avec peintre russe Michel Sevier qui lui offre son premier set de peinture à l'huile et l'initie à la technique.

En 1924, Wood rencontre Jean Cocteau, également opiomane — dont le style au trait dépouillé appris de Picasso influencera son dessin — et expose pour la première fois seul à Londres. En avril 1925, Wood découvre les Ballets russes de Monte-Carlo et en mai, à Rome, fait la connaissance de l'excentrique compositeur et peintre lord Berners .

La même année, il expose en compagnie de Paul Nash à la galerie Redfern de Londres. En juillet 1926, grâce à Cedric Morris , il rencontre un couple d’artistes anglais avec lequel il restera intimement lié jusqu’à la fin, tant sur le plan personnel que sur un plan artistique : Ben Nicholson et son épouse Winifred . La même année, Eugenia Errázuriz le présente à Picasso, dont l’influence est indéniable sur son œuvre, qui apprécie son travail. La même année, en fréquentant Cocteau, il se lie sentimentalement avec Jeanne Bourgoint, un mannequin qui, avec son frère Jean, inspirera à Cocteau Les Enfants Terribles et dont Wood fera les sujets les plus expressifs qu'il produit à cette époque.

C'est durant ces années qu'il fait également la connaissance du compositeur Georges Auric qui devient un ami proche, ou encore de Max Jacob, dont il peindra un remarquable portrait en 1929 (musée des Beaux-Arts de Quimper). Il séjourne alors par moments à l'hôtel Ty Mad de Tréboul

En 1926, Serge de Diaghilev confie à Wood la création des décors et costumes du ballet commandé au tout jeune compositeur Constant Lambert Roméo et Juliette, sur proposition de celui-ci. Mais la collaboration se passe mal et la commande est annulée pour être confiée à Joan Miró et Max Ernst. Wood retourne alors en Angleterre où il prend part aux activités du London Group — bien qu'il ne rejoigne pas formellement le groupe — puis, en 1927, de la Seven and Five Society  à l'occasion de la sixième exposition de la société, en compagnie, entre autres, du couple Nicholson. Il ne cessera cependant les trajets entre le Royaume-Uni et la France, tantôt en Bretagne, tantôt dans le sud de la France ou en Cornouailles, exposant avec les Nicholson à Paris ou à Londres.

Avec les Nicholson, il se rend en 1928 dans le Cumberland puis dans les Cornouailles britanniques, stimulé par l’implication de Ben Nicholson dans son propre travail artistique. Durant un voyage à St Ives, avec celui-ci, il rencontre le peintre-pêcheur Alfred Wallis, dont le style naïf répond à leurs aspirations communes à une expression primitive de la peinture ; cette influence finira d’asseoir le style personnel de Wood. Après une aventure malheureuse avec la peintre et riche héritière Meraud Guinness, il se lie avec Frosca Munster, une aristocrate russe qui a fui la révolution bolchevique. Cette dernière paraît apporter un semblant d’équilibre à Wood qui demeure très dépendant aux drogues, quoiqu’il peigne de plus en plus.

En 1929, Christopher Wood expose seul à la Tooth’s Gallery de Londres. Grâce à un petit héritage, il s’installe à Londres dans une petite maison non loin des Nicholson et Tony de Gandarillas mais ne peut s’apaiser, tenaillé par ses besoins en stupéfiants. Qui plus est, la crise de 1929 a ruiné pas mal de ses riches amis, et Gandarillas, s’étant entretemps lié au poète surréaliste René Crevel puis à Maria Ruspoli , duchesse de Gramont, montre moins d’empressement à l’entretenir.

En mai 1930, il expose à la galerie Bernheim à Paris avec Ben Nicholson, proposant des toiles qu’il a peintes en Bretagne au cours de l’année et dont la plupart sont achetées pas la galeriste Lucy Wertheim . En juin 1930, Wood se rend dans la station balnéaire de Tréboul, dans une région alors prisée par les peintres depuis le passage de Paul Gauguin dont il admire l'œuvre — avec celle de Vincent van Gogh. Il y vit dans un petit hôtel et y travaille notamment en compagnie de son amant, le peintre anglais Francis Rose, et de Max Jacob qui l’y a rejoint. S'il produit beaucoup durant cette période, sa dépendance à l’opium est devenue telle que l’argent que lui font parvenir Frosca et Tony, sans cesse en voyage, ne suffit plus. Malgré les attentions de ses amis, il ne peut résister et finit par s’intoxiquer en fumant les déchets d’opium. En proie à des crises de paranoïa, il décide alors de rejoindre l’Angleterre pour obtenir l’aide de ses parents.

Il quitte la Bretagne, emportant les tableaux avec lesquels il projette de faire l’ouverture de la galerie londonienne Wertheim, qui doit avoir lieu en octobre de la même année. C’est alors, le 21 août 1930, que très agité, après avoir dîné avec sa mère et sa sœur à la gare de Salisbury, il tombe sous un train dans des circonstances restées mystérieuses : son addiction à l’alcool et à l’opium, ou encore ses troubles mentaux l’ont possiblement poussé à commettre un suicide mais sans que l’éventualité d’un accident puisse être écartée.

Christopher Wood est inhumé au cimetière de la All Saints Church à Broad Chalke, près de Salisbury, où sa pierre tombale a été réalisée par le sculpteur Eric Gill.

Dans les années suivant sa mort, plusieurs expositions posthumes de ses tableaux seront organisées par d’importantes galeries londoniennes (Wertheim, Lefevre, Redfern…) qui compteront dans l’élan donné au néo-romantisme anglais. En 1938, il figurera au pavillon anglais de la Biennale de Venise, et la Royal Academy organisera une importante rétrospective qui achèvera de consacrer son œuvre, désormais largement représentée dans les collections publiques d’Europe et des États-Unis.

Son ami, le compositeur Constant Lambert, prénomme son fils « Kit » — le producteur des Who — en mémoire du peintre mort quatre ans plus tôt.

Dans une note de la revue 84 n^o 12 de 1949, Charles-Albert Cingria écrit : « Je dois encore dire qu'à la mort de Christopher Wood (tué par le train comme je l'ai dit), l'on avait réuni des témoignages d'amis. Ces amis n'étaient ni plus ni moins que notre grand et cher Max, Jean Cocteau, moi-même, etc. Ces textes sont merveilleux — pas le mien évidemment. Je les publierai (peut-être en anglais, ou en anglais avec le français en regard) assez prochainement ». Les textes de Max Jacob, de Cocteau et de Cingria paraîtront séparément et les autres, s'ils ont existé, ne sont pas autrement connus.

Lucien POUDRËAS   (1937     ) Avec son style très naïf, il raconte ses souvenirs d'enfance dans le Morbihan, dans la ferme familiale. Pour ceux qui, aujourd'hui, ont dans les 80 ans, comme moi, les souvenirs aussi sont bien présents... Tous les travaux de la ferme avec les chevaux, le battage avant la moissoneuse batteuse, le pressoir à pommes. La bêtise humaine avec le remembrement et l'arrasement des talalus et des haies, tout est dit sur ses tableaux. J'aime !!!