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Certains de ces artistes qui ont magnifiquement peint la Bretagne sont bretons mais pas tous... Quelques uns d'entre eux ont adopté la Bretagne  définitivement et d'autres n'ont fait qu'y passer...

Mathurin MEHEUT, né le 21 mai 1882 à Lamballe et mort le 22 février 1958 à Paris, est un peintre et illustrateur français.

Pour beaucoup plus de photos de ses oeuvres et de détails sur sa biographie reportez-vous à mon article du 18 août 2025 "GENEALOGIE LE GAC PECHEU : UN COUSINAGE AVEC MATHURIN MEHEUT".

Yvonne JEAN-HAFFEN, née à Paris le 27 octobre 1895 et morte à Dinan le 24 novembre 1993, est une artiste peintre, dessinatrice, graveuse et céramiste française.

Née dans une famille originaire de l'Est de la France, elle voit le jour dans le 9^e arrondissement de Paris. Passionnée de peinture dès l'enfance, Yvonne Jean-Haffen suit les cours d'une école privée et fréquente l'Académie de la Grande Chaumière. Puis élève d'Auguste Leroux, elle participe au Salon des artistes français de 1924 et 1925.

En 1925, elle rencontre Mathurin Méheut dont elle devient l’élève, la collaboratrice et l'amie et même un peu plus. Ce dernier lui fait découvrir la Bretagne et, dès l’année suivante, elle s'y rend avec son mari pour peindre sur le motif à Erquy, Doëlan et Ouessant. Elle découvre les pardons, les travaux de mer et de terre. Elle participera en sa compagnie à la décoration du paquebot Île-de-France.

Yvonne Jean-Haffen entre dans le groupe des Artistes Décorateurs en 1925 où elle présentera des œuvres de 1927 à 1935. En 1933, la galerie Charpentier lui propose une exposition personnelle à Paris qui lui vaut de bons articles de critiques d'art. En Bretagne, à Brest, elle exposera régulièrement à la Galerie Saluden de 1933 jusque vers 1960. En compagnie de Mathurin Méheut, elle fait la connaissance du peintre Yves Floc'h en visitant la Chapelle Sainte-Anne-la-Palud en 1936.

Elle expose aussi au Salon de la Société nationale des beaux-arts jusqu'en 1954 (elle en devient sociétaire en 1947), ainsi que dans d'autres Salons parisiens jusqu'en 1986.

En 1925, elle entame une collaboration avec la faïencerie Henriot de Quimper où elle travaillera jusque vers 1950. Elle réalise aussi des pièces de céramique chez des céramistes parisiens et à la Manufacture nationale de Sèvres. Ses pièces de forme sont portées par le courant régionaliste de l'époque.

Elle pratique également la gravure sur bois, la linogravure, la gravure sur cuivre et la lithographie, et sera invitée à exposer à la Société de la gravure sur bois originale.

En 1930, Yvonne Jean-Haffen collabore avec Mathurin Méheut à la décoration de la salle de conférences et des espaces de rencontre de l'immeuble de la Heinz & C° à Pittsburgh : ce sera le premier des grands décors auquel elle participera. Sur commande de la Compagnie générale transatlantique puis des Messageries maritimes, Yvonne Jean-Haffen travaille à des décors de paquebots : en premier lieu des œuvres accrochées dans les cabines, puis pour la piscine de l'Aramis et des salles de jeux enfants dans les paquebots Maréchal Joffre, Paul Doumer et Île-de-France. Le dernier des grands décors réalisé est celui de l'Institut de géologie de Rennes.

Yvonne Jean-Haffen pratique l'illustration de livres ou d'articles de revues. Elle illustre En Dérive de Roger Vercel (éd. du moulin de Pen Mur), Les Champignons de Roger Heim (éd. Alpina), En parcourant la Normandie de La Varende (éd. Les Flots Bleus), Fontaines en Bretagne d'Yves Milon (Plon).

Yvonne Jean-Haffen et son mari achètent, en 1937, la propriété de "La Grande Vigne" , située en bord de la Rance à Dinan qui devint un lieu de repos et le point de départ pour des voyages de travail en Bretagne. Dès 1938, Yvonne Jean-Haffen entreprend la décoration de cette demeure et peint une fresque sur le mur de la salle à manger, inspirée de la vie bretonne. Elle installe dans la même pièce une partie du mobilier qu'elle avait dessiné pour son appartement du 30 rue Falguière à Paris.

En 1940, la vie artistique devient difficile dans un Paris occupé. Yvonne Jean-Haffen profite des facilités de ravitaillement de la campagne pour y recevoir Méheut et nombre d'artistes et amis. La Grande Vigne devint alors un centre de rencontres, fort apprécié, entre artistes et littérateurs. Après 1945, elle retourne vivre à Paris, Mathurin Méheut étant nommé professeur à l'École supérieure des beaux-arts de Rennes .

Après la mort de Méheut en 1958, le Président René Pleven pour le département achète une maison place du Martray à Lamballe pour y fonder le musée Mathurin-Méheut. L'exposition des œuvres données par sa femme et sa fille, Marguerite et Maryvonne Méheut, permit ainsi de conserver la mémoire de l'artiste. Yvonne Jean-Haffen assura la direction du musée, de son ouverture en 1972 jusqu'en 1992, année où elle fut décorée de l'ordre de l'Hermine. Elle avait été nommée chevalier des Arts et des Lettres en 1991.

En 1987, la Grande Vigne, son jardin, le mobilier, et le fonds d'œuvres sont donnés à la Ville de Dinan conjointement par Yvonne Jean-Haffen et son neveu. La maison d'artiste de La Grande-Vigne est ouverte à la visite depuis 1993 et chaque année se tient une exposition d'œuvres d'Yvonne Jean-Haffen.

Quelques faiences réalisées par Yvonne JEAN - HAFFEN en collaboration avec la faiencerie HENRIOT à QUIMPER

Les fontaines de Bretagne par Yvonne JEAN - HAFFEN

François Hippolyte Delalaisse alias LALAISSE, né le 27 janvier 1810 à Nancy et mort le 13 mars 1884 dans le 6^e arrondissement de Paris, est un peintre et illustrateur français.

Il est le fils d'Augustin Delalaisse, géomètre, et de Thérèse Barbe Louise Perrez. Il arrive à Paris dans les années 1830 et y devient élève de Charlet. Il est plus tard son adjoint puis son successeur en qualité de professeur de dessin à l'École polytechnique où il enseigne de 1839 à 1877. L'exercice de cette fonction lui vaut d'être décoré de la Légion d'honneur en 1875.

C'est le père de Cham qui lui acheta son premier tableau.

L'éditeur Pierre Henri Charpentier lui confia son livre sur les Costumes et vues pittoresques de la Bretagne (1848).

Il expose au Salon à partir de 1835.

Lalaisse a publié une grande quantité de lithographies sur les costumes régionaux ou les uniformes. Hélas une grande partie de son œuvre et de ses notes ont été perdues au fil du temps.

Contexte

Paris est en ébullition dans les années 1830 lorsque Lalaisse s'y trouve. Le débat fait rage entre les différents artistes sur les enseignements des académies. Des voix s'élèvent pour critiquer les normes strictes instituées par ces institutions et l'envie de renouveau se fait de plus en plus sentir. Charlet est d'ailleurs un des meneurs de ces nouvelles revendications. Il critique notamment l'utilisation excessive de l'Antiquité dans l'art et prône l'idée qu'il faut laisser le passé et s'intéresser à l'homme contemporain. On observe un changement chez les artistes qui se penchent maintenant sur l'étude de la société dans laquelle ils évoluent. Ainsi, on peut imaginer que Lalaisse qui étudie auprès de Charlet beigne dans cette nouvelle vision de l'art qui s'intéresse à l'homme du quotidien.

Le voyage de Lalaisse en Bretagne s'inscrit donc dans ce contexte de renouveau artistique, mais est aussi lié à un contexte social. La société bourgeoise de l'époque entre dans un phénomène de rejet de toute trace de modernité. L'homme bourgeois veut fuir la ville et rêve de paysages lointains et exotiques qui n'auraient pas été pervertis par la modernité. Le but est de voyager pour être complètement dépaysé. Ainsi la Bretagne semble être la destination toute trouvée.

Un sujet qui n'a rien de nouveau

Lalaisse lors de son voyage s'intéresse aux costumes locaux dont on retrouve plusieurs représentations dans « la Galerie Armoricaine ». Pourtant, en soit cet intérêt pour les costumes n'est pas nouveau puisque avant Lalaisse on retrouve de nombreux travaux sur ce sujet. Dès la seconde moitié du XVIIIème on observe une curiosité pour les vêtements populaires qui s'explique par la prise de conscience dès le XVI^e siècle qu'il existe d'autres croyances morales et religieuses que celle que l'on trouve sur le territoire européen. En France cela se traduit par la reconnaissance qu'il existe sur son territoire différentes cultures. L'une des cultures les plus prisées par la recherche est la culture celte. Ainsi, la Bretagne dès le début du XIX^e siècle avec le développement de la celtomanie devient un sujet de recherche très populaire. Cependant, ce n'est pas parce que ce sujet n'est pas inexploité quand Lalaisse voyage en Bretagne en 1843 qu'il faut réduire l'importance qu'il a eue dans ce domaine. Grâce à ses nombreux croquis et les commentaires qui les accompagnent il est devenu une source non négligeable sur le costume breton du milieu XIXème.

Le travail Lalaisse est une source très importante et est encore largement utilisé dans les cercles celtiques pour confectionner des costumes, il ne s'agit en rien de diminuer la valeur de ses croquis mais d'apporter une nuance. Certes, Lalaisse a permis d'avoir une documentation d'une très grande ampleur et très fidèle à la réalité. Cependant, on retrouve dans ces croquis une tendance à représenter avec une plus grande attention les beaux habits. On retrouve quelques représentations de paysans et de tenues de travail mais souvent les commentaires qui accompagnent ces croquis sont beaucoup moins nombreux et beaucoup plus concis. Est-ce Lalaisse qui a fait le choix assumé de demander aux personnes de s'habiller de leur plus beaux habits du dimanche ? Ou est-ce que spontanément les habitants revêtaient leurs plus beaux habits pour être croqués ? Rien n'est sûr, cependant, on peut dire avec certitude que le vêtement du quotidien qui n'est souvent qu'un vêtement de toile est beaucoup moins représenté par rapport aux beaux costumes qui sont portés de façon plus exceptionnelle.

Le problème suivant avec le travail de Lalaisse est l'absence dans ses croquis de la représentation des mendiants. Or, en confrontant son travail à d'autres témoignages il semble impossible qu'il n'ait croisé aucun mendiant lors de son voyage puisque les récits de ses contemporains font tous l'observation suivante : le nombre de mendiants est phénoménal surtout lors des pardons et sur les lieux de pèlerinage. Il semble donc qu'il n'avait aucun intérêt pour la question. Ainsi, il nous peint un tableau très sélectif de la Bretagne puisque la société rurale n'est pas représentée dans son ensemble (la misère est laissée de côté), les costumes majoritairement montrés ne sont pas ceux du quotidien mais les beaux habits du dimanche et il a tendance à plutôt représenter les plus aisés. Toutefois, il ne faut pas oublier que ces croquis se sont faits dans un but de vente. En 1843, les Charpentier font appel à lui pour qu'il aille dessiner les costumes de Bretagne afin de les publier dans « la Galerie Armoricaine ». Ainsi, le but de ces représentations est d'être vendues au grand public. Finalement, ces représentations s'inscrivent dans le contexte de la recherche de l'exotisme et d'un intérêt prononcé pour le folklore. La Bretagne correspondait le plus au goût de l'époque et de ce fait s'est trouvée représentée à travers de nombreux clichés par les artistes. Bien que Lalaisse évite de nombreux clichés véhiculés à son époque il n'en demeure pas moins que par son travail sur les costumes il a lui aussi participé à la création du cliché breton (voir la Section "Clichés bretons ?", Galeries permanentes, Musée d'Art et d'Histoire de Saint-Brieuc).

C’est en avril 1913 que les Nantais Joseph NOZAIS (1879-1941) et Gabriel ARTAUD (1881-1966) décident d’éditer une série de cartes-postales comiques illustrées par Henri Nozais (1875- ?). Plus de 80 cartes-postales titrées La Bretagne et Vive la Bretagne inondent les vitrines des papeteries-librairies et des bureaux de tabac bretons jusqu’en 1922. Le dessin de Vive le pichet de cidre résume bien l’esprit de la série.

 Des Bretons et des Bretonnes, accompagnés par deux gorets, dansent de manière désordonnée autour d’un pichet de cidre en faïence de Quimper, orné d’un couple qui partage une bolée. Dans cette joyeuse ridée, qui vénère sa boisson locale, une femme chute, un couple s’embrasse, un homme vomit alors qu’un autre chante fortement.

L’humour de ces cartes-postales a été diversement apprécié, car au lieu de s’attacher seulement à souligner le caractère comique, insolite ou ridicule de certains aspects de la réalité bretonne, il essaye également de divertir avec des clichés et des idées reçues. Le travail d’Henri Nozais a très vite été considéré comme une insulte. Dès juin 1913, nombre d’habitants, de sociétés savantes et d’associations de Bretagne s’offusquent et demandent le retrait des cartes-postales de la vente. Jusqu’en 1921, le journal Ouest-Éclair consacre régulièrement des articles pour les boycotter car « Les Bretons y ont de ces figures rougeaudes qui incarnent on ne peut mieux les alcooliques. On les campe dans des attitudes grotesques, on les revêt d’accoutrements bizarres, on leur fait tenir des propos qui sont loin d’exalter cette race des Celtes que chantait Brizeux. Les touristes viendront ensuite et ces dessins s’en iront dans toute la France, dans toute l’Europe, voire même de l’autre côté de l’Océan, faisant naître des idées singulières sur notre Bretagne. Ce n’est pas ainsi que l’on détruira ces légendes qui nous présentent un peu partout comme des « simples », des naïfs et des arriérés » (« Respect à la Bretagne », Ouest-Éclair, 16 juin 1913).

Dans ses illustrations qui mettent en scène des gens alcooliques, ineptes, insouciants, lubriques, vivant dans la promiscuité et la saleté, entourés de cochons de toutes les tailles, symboles des tendances obscures, de l’ignorance, de la luxure et de l’obscénité, Henri Nozais exploite une veine ancienne et met l’accent sur de vieux poncifs.

Plusieurs sources écrites prouvent que dès le Moyen-âge et pendant tout l’Ancien Régime, les Bretons et leurs coutumes sont tournés en dérision. S’y retrouvent accentués à l’excès des addictions et des défauts, comme la débauche, l’ivrognerie et la saleté. Certains textes sont célèbres : au 16^e siècle, Ambroise Paré (1510-1590) écrit que pendant les fêtes bretonnes on « faisoit venir grande quantité de filles villageoises pour chanter les chansons en bas Breton, où leur harmonie estoit de coaxer comme grenouilles, lorsqu’elles sont en amour. D’avantage leur faisoit danser le triori de Bretagne, et n’estoit sans bien remuer les pieds et fesses ». Au 17^e siècle, Madame de Sévigné (1626-1696) souligne qu’« Il faut croire qu’il passe autant de vin dans le corps de nos Bretons que d’eau sous les ponts ». Au 18^e siècle, Jacques Cambry (1749-1807), dans son Voyage dans le Finistère impose l’image d’une civilisation bretonne essentiellement pauvre, rurale et sale. À partir du 19^e siècle, des auteurs comme Gustave Flaubert (1821-1880) ou Victor Hugo (1802-1885) permettent à la crasse et aux cochons de s’installer définitivement dans les stéréotypes de la Bretagne. Tandis que Flaubert insiste sur le dénuement du paysan breton qui « va retrouver sa galette de Sarrazin et sa jatte de bouillie de maïs cuite depuis huit jours dont il se nourrit toute l’année, à côté des porcs qui rôdent sous la table et de la vache qui rumine là sur son fumier, dans un coin de la même pièce », Hugo se permet de comparer la population bretonne aux gorets, car il estime que « les bretons ne comprennent rien à La Bretagne. Quelle perle et quels pourceaux ! ». 

Au début du 20^e siècle, l’image des Bretons et de la province est déjà entachée de ridicule, tant et si bien que la série d’Artaud et Nozais n’apporte, dans l’ensemble, rien de très nouveau. Mais certaines cartes-postales restent quand même des témoins de cette époque où la Bretagne a le triste privilège d’être en tête, en France, des ravages de l’alcoolisme : le cliché n’est parfois que la face émergée de la vérité !

Sophie Chmura. juillet 2021

Henri DELAVALLEE (1862 - 1943)

Jules Henri DELAVALLEE, né le 24 avril 1862 à Reims et mort le 12 juin 1943 à Pont-Aven, est un peintre et graveur français.

Élève brillant (il obtint le premier prix au concours général de philosophie), Henri Delavallée s'inscrit à la Sorbonne ainsi qu'à l'École des beaux-arts où il fut l'élève de Carolus-Duran et Luc-Olivier Merson. Il épouse une femme-peintre Gabrielle Moreau.

En 1881, il vient à Pont-Aven (il est hébergé au manoir du Plessis, alors en Nizon, chez les Hersart de La Villemarqué, des cousins de son ami Hersart du Buron, également peintre) et y séjourne régulièrement les années suivantes, faisant en 1886 la connaissance de Paul Gauguin et Émile Bernard. Il se rend en 1887 à Bourron-Marlotte, travaillant alors avec Camille Pissarro et Georges Seurat et en 1889 au hameau de Landemer, à Gréville, commune natale de Jean-François Millet. Il peint alors des tableaux divisionnistes et pointillistes.

Il revient à Pont-Aven en 1894, s'installant dans l'hôtel Julia, de Julia Guillou (1848-1927) alias "Mademoiselle Julia" et fait le portrait, dessin à la plume, de Marie Jeanne Gloanec (1839-1915) alias "La Mère Gloanec" qui était l'une des trois célèbres aubergistes de "L'école de Pont-Aven" avec Angélique Marie Satre (1868-1932) alias "La Belle Angèle" immortalisé par Gauguin. mais, attiré par l'exotisme, il part en compagnie de son épouse pour Constantinople, ne revenant en France qu'en 1901, vivant jusqu'en 1910 parfois à Paris, parfois à Apremont et parfois à Pont-Aven où le couple s'installe définitivement à partir de 1910. Henri Delavallée est alors l'ami de Théodore Botrel.

Lucien SIMON, né le 18 juillet 1861 à Paris et mort à Sainte-Marine le 13 octobre 1945, est un peintre, aquarelliste, dessinateur et lithographe français.

Lucien Joseph Simon naît dans une famille bourgeoise parisienne. Son père est docteur en médecine dans le quartier de Saint-Sulpice, sa mère est issue d'une famille de commerçants et de juristes.

Il fait ses études à Paris au lycée Louis-le-Grand et prépare l'École polytechnique après son baccalauréat tout en maniant crayons et pinceaux. Pendant son service militaire, il se lie d'amitié avec le peintre George Desvallières. Il entre à l’atelier de Jules Didier. De 1880 à 1883, il suit les cours de Tony Robert-Fleury et de William Bouguereau à l’Académie Julian.

Lucien Simon débute au Salon des artistes français de 1881 et expose au Salon de la Société nationale des beaux-arts. En 1884, son Portrait de M^me Ch. Simon obtient une mention honorable au Salon des artistes français. Il acquiert une notoriété auprès de la société parisienne. Au cours d'un voyage aux Pays-Bas, il est influencé par les œuvres de Franz Hals, mais lui-même se considère comme un peintre autodidacte. « C'est à l'école mutuelle de l'atelier Julian que Simon dit avoir appris le meilleur de la technique indispensable, avec George Desvallières, Ménard et Dinet ». En 1890, il rejoint la Société nationale des beaux-arts, créée entre autres par Auguste Rodin et Pierre Puvis de Chavannes, lassés de l’autoritarisme académique du Salon des artistes français Lucien Simon vend ses premières toiles à des collectionneurs étrangers, puis à l’État à partir de 1895.

En 1891, il épouse Jeanne Dauchez, fille d'un avocat-administrateur de biens et sœur du peintre breton André Dauchez, elle-même peintre, avec qui il aura quatre enfants : Paul en 1892, sculpteur animalier, Lucienne en 1896, Charlotte en 1897, artiste peintre et Pauline vers 1907. Cette même année 1891, il rencontre Charles Cottet. C'est à cette époque que Lucien Simon découvre la Bretagne. Il y achète un sémaphore désaffecté à Sainte-Marine qu’il aménage en maison de vacances pour sa famille et en atelier de peinture en 1902, ce qui lui permet de peindre ses toiles sur place. La vie de famille sera pour lui une source d'inspiration, qu’il s’agisse des portraits de sa femme, de ses enfants ou petits-enfants, de scènes de jeux ou de déguisements. Il y consacre de nombreux tableaux tels Dîner à Kergait, La Causerie du soir, Madame Lucien Simon et ses enfants, Intimité, etc.

Lucien Simon enseigne la peinture à la Suissesse Martha Stettler en 1899 et l'aide à percer.

En juin 1899, il rejoint la Société nouvelle de peintres et de sculpteurs, avec une première exposition collective à la galerie Georges Petit à Paris en mars 1900.

Les années 1900-1920 marquent l’apogée de la carrière de Lucien Simon. Sa renommée l’amène à beaucoup voyager et il participe à plusieurs expositions internationales (Londres, Venise, Pittsburgh).

L’État lui achète des toiles (La Procession, 1901, Paris, musée d’Orsay), tout comme des musées japonais, européens et américains et des collectionneurs étrangers renommés (les Russes Ivan Morozov et Sergueï Chtchoukine). Le musée du Prado lui achète La Leçon de danse. En 1900, Lucien Simon obtient la médaille d’or à l’Exposition universelle de Paris et est nommé chevalier de la Légion d’honneur. En 1911, il est promu officier du même ordre.

En 1905, il est en contact avec Tito Salas, peintre vénézuélien, alors envoyé par son gouvernement en Europe pour se former à l'école des peintres français. Il fait partie, avec Charles Cottet, Émile-René Ménard, André Dauchez et René-Xavier Prinet, du groupe des peintres surnommé « La Bande noire » par la critique, sans doute par opposition aux toiles claires des impressionnistes. La plupart de ces jeunes artistes enseignent à l'Académie de la Palette.

En 1906, il se fait construire au 3 bis, rue Cassini une demeure par l'architecte Louis Süe.

En 1917, il est envoyé sur le front pour dessiner les scènes de guerre. Dans les premières années de l'entre-deux-guerres, il s'éloigne des thèmes contemporains pour s'inspirer de l'Antiquité avec des sujets comme Nausicaa à la fontaine.

Après la Première Guerre mondiale, Lucien Simon est un peintre reconnu qui peint les foules des pardons et des bals populaires avec une palette de plus en plus colorée.

« Lucien Simon est un artiste sensible, indépendant des modes. Sa peinture s’est éclaircie, rapprochée de celle des impressionnistes, tout en conservant ses caractéristiques de composition solide et originale et de virtuosité d’exécution. C’est toujours aux figures et aux silhouettes humaines qu’il s’intéresse, ses modèles sont vivants, il en suggère le tempérament, l’activité. Mais aussi, il sait saisir un effet de lumière fugitif, comme faire revivre l’ensoleillement d’un après-midi d’été, la douceur du soir ou l’inquiétante lumière d’un ciel d’orage. Aucun personnage n’est figé, il est toujours entraîné par le mouvement de la vie, du vent, de la route ou du travail. »

En 1923, Lucien Simon est nommé professeur à l’École des beaux-arts de Paris. Il est élu à l’Académie des beaux-arts le 5 mars 1927 au siège d'Adolphe Déchenaud et est nommé l'année suivante membre du conseil supérieur des musées nationaux.

On le nomme peintre officiel de la Marine en 1933. Il est également professeur à l’Académie de la Grande Chaumière. L’État lui commande plusieurs œuvres, comme la Messe du Soldat mort et le Sacrifice pour l'église Notre-Dame-du-Travail à Paris, puis le charge de la décoration de l’escalier du Sénat, inauguré en 1929.

Il réduit ses apparitions officielles à partir des années 1930. Il s’implique encore dans la création de la Casa de Velázquez de Madrid, inaugurée en 1929. En 1931, il prononce à Buenos Aires plusieurs conférences sur la peinture contemporaine française. En 1934, il illustre le livre Pêcheur d'Islande de Pierre Loti. Enfin, en 1937, il obtient le grand prix de l’Exposition universelle de Paris pour ses panneaux décoratifs du pavillon du Luxembourg : La Procession dansante à Echternach, La Sûre et La Moselle.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, il se retire à Sainte-Marine où il se consacre pleinement à des sujets bretons. Il peint les paysages de l’Odet, la vie quotidienne des marins et des paysans.

Lucien Simon meurt le 13 octobre 1945 à Sainte-Marine. Il est enterré au cimetière de Combrit, dans le Finistère

François PERHIRIN est un peintre officiel de la Marine né à Portsall (Ploudalmézeau) en 1929 et mort en 2004.

Ses talents de dessinateur sont repérés très tôt par son instituteur, mais sa famille étant peu argentée, il doit travailler après la guerre. Il est inscrit en 1943 au centre des apprentis de l'arsenal à Pont-de-Buis, où il est formé au métier de chaudronnier-tôlier. Là encore, il a la chance de tomber sur un instructeur, qui est également peintre et qui lui enseigne la peinture.
En 1947, il entre à l'arsenal de Brest où il fera toute sa carrière. Il mène de front ses activités d'ouvrier et de peintre. Il se lie d'amitié avec le peintre Pierre Péron qu'il observe travailler et qui contribue à sa formation. François Perhirin, issu de l'école des « arpètes » de DCN, capte de nombreuses scènes du milieu fermé de la Construction navale pendant plus de 40 ans. De 1963 à 1983, il est responsable pendant vingt ans du groupe de peinture de l'école d'ingénieurs ETCAN.
Il participe à la décoration de plusieurs bâtiments militaires mais aussi civils (l'hôtel de ville de Brest, la mairie de Portsall...). Son travail fait l'objet de nombreuses expositions (entre
autres : Salon de la Marine depuis 1965, salon de l'Armée depuis 1972, musée de la Marine de Brest, diverses galeries).
Il obtient une récompense au salon de la Marine à Paris en 1975 qui l'autorise à naviguer sur les vaisseaux de la Marine nationale et il fait de nombreux voyages en Irlande, en Suède, en Espagne ou aux Açores etc. Peintre-reporter aux 32 embarquements à bord de bâtiments de la Royale, il est le témoin d'un pan entier de l'architecture navale du XXe siècle ou bien encore du travail des goémoniers et des militaires.

Peintre de son temps, Lionel FLOCH parcourt la Cornouaille et témoigne par ses oeuvres, de cette Bretagne vivante dans ses coutumes.

Lionel Floch (1895-1972) continue une carrière, en parallèle de son art, de receveur et revient en 1923 à Pont-Croix. Dans cette bourgade s’est constitué un foyer d’artistes très actifs, formant l’école de Pont-Croix réunissant des peintres de nationalités différentes (américains, belges…) et mais aussi Gaston Bouillon, Jean Deyrolle, Saint-Pol Roux, Jean Moulin (graveur à ses moments et préfet de Châteaulin), et son ami Max Jacob.

Ce dernier écrira en 1935 dans une lettre adressée à Pierre Colle (peintre installé à Douarnenez): « Ils (les Quimpérois) n’achètent que du Floch…la seule peinture qui se vende. »

Parcourant le Cap-Sizun et le Pays Bigouden, Lionel Floch multiplie les portraits véristes, les représentations des travailleurs de la mer, des scènes animées. Le succès est au rendez-vous dès les années 1920, avec des achats de l’Etat et des commandes de décors peints.

Comme bon nombre d’autres grands artistes de l’époque, Lionel Floch aborde plusieurs techniques: dessins, gravures sur bois et eaux-fortes, et tente l’expérience céramique à la faïencerie Henriot de Quimper.

Aux peintures du début caractérisées par des couleurs plutôt foncées, des nuances sourdes avec des effets de matière, vont succéder dans les années 1930, des peintures à la palette élargit et éclaircit, laissant une large part aux vrais contrastes: les ombres sont de lumineuses traînées mauves, les ciels d’été des dégradés subtils de gris et de bleus.

C’est en 1949, avec sa mutation à Grasse, que le style de Lionel Floch va évoluer vers le courant pictural qui se manifeste à cette époque là en France: l’abstraction. Retrouvant aussi la compagnie de Jean Deyrolle, qui l’initie à ce mouvement pictural, Lionel Floch tend vers une abstraction géométrique qu’il développe de manière libre et colorée.

Henry MORET, né à Cherbourg (Manche) le 12 décembre 1856 et mort à Paris le 5 mai 1913, est un peintre français.

Fils naturel de Madeleine Flink, domestique, il est officiellement reconnu par son père, Édouard Jacques Louis Moret, le 12 juin 1867, et ses parents se marient le 16 octobre de la même année à Tourlaville (Manche). Aucun détail de son enfance n'est connu à ce jour. Originaire du Cotentin, il découvre la côte sud de la Bretagne alors qu'il effectue son service militaire à Lorient en 1875. Il devient un élève du peintre lorientais Ernest Coroller. Il est ensuite admis à l'École des beaux-arts de Paris dans les ateliers de Jean-Léon Gérôme et Jean-Paul Laurens en 1876, et fréquente l'atelier d'Henri Lehmann, puis l'Académie Julian à Paris.

Il débute au Salon des artistes français de 1880 en envoyant son tableau La Plage de Loqueltaz à marée basse. Il rencontre Marius Gourdault, un peintre impressionniste qui séjourne l’été à Doëlan, qui deviendra dès lors un ami. En 1881, il expose au Salon des artistes français et au Salon des indépendants, puis s'installe au Pouldu. « D'un caractère indépendant, installé chez le maître du port Kerluen et non à la pension Gloanec, il se lie vite néanmoins à tout le groupe des impressionnistes » et fait la connaissance, en 1888, de Paul Gauguin et de ses amis à Pont-Aven. Il s'intègre à son groupe et devient l'un des plus intéressants représentants de l'École de Pont-Aven. En 1890, il rejoint Gauguin et ses amis à l'auberge de Marie Henry au Pouldu et s'installe ensuite à Doëlan, où il revient à une technique de peinture plus impressionniste et travaille sous contrat pour la galerie Durand-Ruel. Ce marchand de tableaux lui consacre une exposition à Paris en 1898. Environ 800 de ses œuvres sont répertoriées.

Henry Moret a surtout peint la Bretagne — la côte sud du Finistère principalement et le littoral du Morbihan — ainsi que les îles bretonnes de l'océan Atlantique — Groix, Belle-Île, Houat, Ouessant —, un peu la Manche et les Pays-Bas. « Avant tout épris de la mer, c’est sa vision personnelle qu’il transcrit dans une fusion de deux styles opposés entre lesquels il ne peut trancher : synthétisme ou impressionnisme ».

« Fasciné par la mer, Moret a utilisé des couleurs profondes et des coups de pinceau énergiques pour capturer sa violence et la puissance, en correspondance avec la force inébranlable des affleurements de granit. En combinant l'esthétique de la simplicité d'inspiration japonaise avec la technique impressionniste, Moret a créé un mélange magique de composition simple et de couleurs captivantes. »

Henry Moret meurt prématurément à Paris de la tuberculose, à l’âge de 56 ans

Henry MORET (la suite)

Georges FOURRIER,connu sous le pseudonyme de Géo-Fourrier, né le 16 juin 1898 à Lyon et mort le 8 avril 1966 à Quimper, est un peintre, illustrateur et graveur français.

Ses œuvres s'inspirent de l'art japonais, mais il est particulièrement connu pour ses productions régionales, notamment celles inspirées de la Bretagne.

Géo-Fourrier nait à Lyon, où son père est directeur de la Compagnie d’électricité Edison. La famille déménage ensuite dans le 8^e arrondissement de Paris près du parc Monceau. Son état de santé se détériore en 1913, l'obligeant à rester alité pendant trois ans, avant une guérison en 1919. Durant sa convalescence, il s’intéresse au dessin et à l’art japonais, et entreprend dès 1919 des études artistiques. En 1917, il réalise un dépliant (makemono ou ohiron) intitulé Documents de décoration tirés de l'art Japonais, représentant des objets des collections du musée Guimet (netsukes, inros, boîtes à thé, plateaux en bois de kiri, tsubas, masques).

En 1920, il est engagé chez le parfumeur Jones comme dessinateur, puis intègre en 1921 l’École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris, où il rencontre et se lie d’amitié avec Auguste Mathieu et Auguste Matisse qui lui permettent d'être admis comme membre titulaire de la Société des artistes français le 6 mai 1924. Il rencontre également Prosper-Alphonse Isaac dont il sera le dernier élève ainsi que le maître japonais Yoshijiro Urushibara. C’est à cette époque qu’il découvre la Bretagne durant des vacances, sans s’y installer dans l’immédiat. En 1922, il est engagé comme dessinateur aux grands magasins du Printemps (on n'en conserve toutefois aucune trace dans les catalogues commerciaux), puis en 1923 chez Gaillard, maître orfèvre, où il reste jusqu'en 1925. Il part ensuite durant les derniers mois de l’année 1927 au Maroc, puis en 1930-1931 en Afrique-Équatoriale française, d’où il rapportera de nombreux dessins et voyages.

En 1928, il s’installe à Quimper après avoir épousé sa femme Charlotte à Vézelay. En 1933, il obtient de la Société d'encouragement à l'art et à l'industrie une commande pour un revêtement céramique qui sera commercialisé sous le nom « ARMOR ». Il entre alors en contact avec la manufacture Henriot de Quimper, faïencier, avec qui il collaborera plusieurs fois.

En janvier 1940, durant la Seconde Guerre mondiale, il est nommé professeur intérimaire de dessin au lycée de jeunes filles de Quimper, puis en avril de la même année professeur à l'École normale de Quimper.

En 1942, il expose à Quimper à la galerie Saluden ses œuvres en céramique exécutées à la faïencerie de Quimper, comprenant des pièces uniques.

Geo-Fourrier meurt le 8 avril 1966 à Quimper

Étienne BOUILLE, né le 12 avril 1858 à Villiers-Saint-Benoît et mort le 5 juin 1933 à Perros-Guirec, est un peintre français.

À Paris, il fréquente les ateliers de Gérôme et Loir. Il s'installe à Guingamp en 1892 et expose pendant 30 ans ses toiles de manière itinérante dans les villes de l'Ouest. Il s'installe en Bretagne à partir de 1901. Il s'établit d'abord dans la ville de Guingamp puis à Perros-Guirec en 1914
Il est le père de l'architecte James Bouillé. Sa peinture est réaliste et ses sujets sont inspirés de la Bretagne, particulièrement du Trégor.

Le retour de la pêche à Perros-Guirec est peint dans un style académique et naturaliste. Un groupe, en majorité de femmes, s'en revient de la pêche dite à pied. L'existence simple et courageuse de ces femmes est peinte avec émotion. Il s'agit ici de représenter la vie telle qu'elle est, mais en glorifiant ces femmes du peuple des marins, vaillantes et fortes qui assurent par leur travail un complément de revenus à la maisonnée.

Jacques Eugène FEYEN, né le 13 novembre 1815 à Bey-sur-Seille (Meurthe) et mort le 24 juillet 1908 dans le 9e arrondissement de Paris, est un photographe et peintre français.

La pêche à pied, activité traditionnelle, se faisait à marée basse. Les femmes, paniers au côté, s'en allaient vers les plages et les rochers protégés des grandes lames, poussant devant elles le haveneau, grand filet emmanché sur un long bois de chêne. Les pieds dans l'eau, parfois chaussées de sabots sous lesquels elles avaient fixé des planchettes pour ne pas s'enfoncer dans le sable vaseux, jupes relevées, elles cherchaient pendant des heures les crevettes mais aussi des coquillages, palourdes, berniques et couteaux. Il arrivait que les hommes les remplacent par très mauvais temps.

Fils d'un percepteur et frère ainé du peintre Augustin Feyen-Perrin^[1], Eugène entre à l'École des beaux-arts de Paris dans l'atelier de Paul Delaroche. Après avoir pratiqué la photographie avec son frère, il revient à la peinture. Il expose au Salon de 1841 à 1908, où il obtient des médailles en 1866 et 1880. Il est décoré de la Légion d'honneur en 1881.

Eugène Feyen s'installe en été à Cancale et y passe plusieurs mois par an à peindre des vues de la récolte des huitres et de la baie du Mont-Saint-Michel. Ses tableaux naturalistes sont appréciés en France et à l'étranger. Sa copie de La Joconde remplace temporairement l'œuvre volée en 1913 au musée du Louvre à Paris.

Il repose dans la même tombe que son frère à Paris au cimetière de Montmartre (18^e division). Il est l'auteur du médaillon sculpté représentant son profil ornant leur pierre tombale.

Jacques de CHASTELLUS (1894-1957) 

Henry Lucien CHEFFER, né le 30 décembre 1880 à Paris (6e) et mort dans cette même ville (7e) le 3 mai 1957, est un peintre et graveur français.

Sa grand-mère, Thérèse Cheffer, était la sœur de Marie Cheffer, mère d'Auguste Rodin.
Sorti de l'École des beaux-arts de Paris où il fut l'élève de Léon Bonnat et de Jean Patricot, il est lauréat du prix de Rome en gravure de 1906. Sociétaire du Salon des artistes français, il expose exclusivement dans ce salon. Il illustre des livres et collabore durant vingt-cinq ans pour L'Illustration. Les banques françaises d'Algérie et de Tunisie, des Pays-Bas et des Indes néerlandaises font appel à lui pour la conception graphique de leurs billets.
En 1911, il grave son premier timbre. Il travaille pour la Perse, la Belgique (dont le timbre à l'effigie d'Albert Ier en tenue de soldat), le Luxembourg, le Danemark et l'Espagne, avant d'être engagé dans des projets pour les postes françaises en 1929.

Bernard BUFFET, né le 10 juillet 1928 à Paris 9^e et mort le 4 octobre 1999 à Tourtour (Var), est un peintre et graveur français expressionniste, composant aussi bien des personnages que des figures, animaux, nus, paysages, intérieurs, natures mortes, fleurs.

Aquarelliste, c'est également un peintre de décors et un illustrateur.

« Bernard Buffet a laissé une oeuvre immense. Au coeur de ce travail, un regard permanent et renouvelé sur une région chérie par le peintre: la Bretagne. Des natures mortes des premières années, aux ports de l’Armorique, sans oublier les coiffes des Bretonnes, c’est tout l’univers découvert dans la prime enfance auquel il est resté fidèle pendant plus d’un demi-siècle. Qui sait que la peinture ultime de l’artiste est un paysage de Bretagne? Au centre de cette période, Saint-Cast le havre familial et l’atelier breton. » Lydia Harambourg.

L'École de Pont-Aven regroupe a posteriori sous une même étiquette, différents artistes venus régulièrement peindre à Pont-Aven, qui n’était alors qu’un petit bourg breton de 1 500 habitants situé entre Concarneau et Quimperlé, dans le sud-est du Finistère en Bretagne, à la fin du XIX^e siècle.

Les artistes les plus connus ont été Paul Gauguin (arrivé en 1886), Émile Bernard, Paul-Émile Colin, Paul Sérusier, Charles Filiger, Maxime Maufra, Henry Moret, Ernest de Chamaillard, Louis Roy. Les styles de peinture les plus variés, du synthétisme de Félix Jobbé-Duval au post-impressionnisme de Maxime Maufra ont été pratiqués.

Bien avant les années 1880, de nombreux artistes étrangers avaient pris également pension, surtout en été, à Pont-Aven, en particulier des Américains, comme Robert Wylie (qui découvre l'endroit et convainc certains collègues anglo-saxons de l'accompagner), des Britanniques et des Polonais. Des marchands de couleurs et des galeries s’installent et la municipalité encourage le mouvement en autorisant les débits de boissons à rester ouverts jusqu’à 22 heures.

Comme les autres aubergistes locaux, Julia Guillou (1848-1927) surnommée « Mademoiselle Julia », propriétaire de l’hôtel des Voyageurs, a compris le parti qu’elle pouvait tirer de l’afflux des peintres en construisant une annexe avec une nourriture de qualité et des prix bas. Comme en d’autres lieux publics, la salle à manger a été décorée par des artistes qui payent parfois en tableaux.

L'aubergiste bretonne, Angélique Marie Satre (1868-1932), surnommée « la belle Angèle », fut immortalisée en 1889 par Paul Gauguin dont l'œuvre, La Belle Angèle (1889), est conservée à Paris au musée d’Orsay.

Les artistes sont séduits par les paysages champêtres bordant parfois l’estuaire de l’Aven ou la belle côte rocheuse, ils prennent souvent pour modèles les habitants vaquant à leurs occupations ou les jeunes femmes qui acceptent de poser.

La pension Gloanec tenue par Marie-Jeanne Gloanec née Le Glouannec (1839-1915), surnommée « la mère Gloanec » a également été un haut lieu de l’école et fut même l’endroit où se rencontrèrent Paul Gauguin et Émile Bernard.

Certains des peintres de l'École de Pont-Aven ont séjourné à la pension Julia, de Port Manec'h, à l'embouchure de l’Aven. Ils ont aussi fréquenté le village du Pouldu situé dans la commune de Clohars-Carnoët, à l’embouchure de la Laïta.

Peintres de l'École de Pont-Aven

Maurice DENIS, né le 25 novembre 1870 à Granville (Manche) et mort le 13 novembre 1943 à Paris (14^e arrondissement), est un peintre français du groupe des Nabis, également décorateur, graveur, théoricien et historien de l'art.

Maurice Denis naît le 25 novembre 1870 au 136, rue Couraye à Granville dans le département de la Manche en Normandie. Son père, Constant Eugène Denis (1834-1911), est employé aux Chemins de fer et sa mère, Hortense Aglaé Adde (1840-1914), est modiste. Après des études au lycée Condorcet à Paris où il rencontre Édouard Vuillard, Paul Sérusier et Ker-Xavier Roussel, Maurice Denis se forme en fréquentant le musée du Louvre où les œuvres de Fra Angelico déterminent sa vocation de peintre chrétien, marquée ensuite par la découverte de Pierre Puvis de Chavannes. Il étudie simultanément à l’École des beaux-arts et à l’Académie Julian en 1888, mais il quitte rapidement la première, la jugeant trop académique.

Il rencontre cette même année Paul Sérusier qui lui offre son tableau, Le Talisman (Paris, musée d'Orsay), peint sous la directive de Paul Gauguin. Il fonde avec ce dernier le groupe des Nabis et en devient le théoricien. Détachés ou non du christianisme, les Nabis cherchent des voies spirituelles au contact de philosophies et de doctrines teintées d’Orient, d’orphisme et d’ésotérisme. En 1892, au Salon des indépendants, il présente un tableau énigmatique, Mystère (Matin) de Pâques, signé en bas à droite du monogramme « Maud » qui ajoute encore au mystère de l’œuvre.

Denis découvre la peinture de Paul Gauguin, dont l’influence sera déterminante pour la suite de son œuvre, lors de l’Exposition universelle de 1889. Il acquiert d’ailleurs l’une de ses peintures en 1903, l’Autoportrait au Christ jaune (Paris, musée d'Orsay).

Il a, entre-temps, rencontré Marthe Meurier en 1890. Elle sera d'abord son modèle pour de nombreux tableaux, puis son épouse un an plus tard. Ils ont plusieurs enfants, dont la poétesse Anne-Marie Poncet-Denis et l'artiste Madeleine Dinès (1906-1996) qui est la seule de ses neuf enfants à embrasser une carrière de peintre.

Il définit dans un article de la revue Art et Critique ce qu'il appelle le « néo-traditionnisme », dans sa phrase restée célèbre comme la profession de foi de l'esthétique nabie, souvent interprétée comme une intuition de ce que sera l’abstraction : « Se rappeler qu’un tableau, avant d’être un cheval de bataille, une femme nue ou une quelconque anecdote, est essentiellement une surface plane recouverte de couleurs en un certain ordre assemblées. » Au-delà de l'œuvre de Denis, cette phrase restera comme l'une des premières définitions de l'art moderne libérant la peinture de la représentation mimétique, à l'aspect iconographique.

À partir de 1890, il revient à un art plus décoratif, peignant de grands panneaux pour les habitations de plusieurs mécènes, dont la maison « Les Capucins » du financier, amateur d'art et collectionneur Gabriel Thomas à Meudon.

En 1891, il fait la connaissance du peintre et collectionneur Henry Lerolle qui lui achète un premier tableau, lui commande un plafond, et le reçoit chez lui. Le jeune peintre rencontre chez lui le musicien Ernest Chausson qui lui commande à son tour trois plafonds pour son hôtel particulier parisien du boulevard de Courcelles, le collectionneur Arthur Fontaine, et Denys Cochin qui lui commande La Légende de saint Hubert. Henry Lerolle le présente au galeriste Paul Durand-Ruel, le jeune artiste nabi est lancé. Il entreprend une correspondance avec Jacques-Émile Blanche.

Il achève La Légende de saint Hubert sur sept panneaux, en 1897. Mais, dès 1892, Maurice Denis a abandonné l'iconographie traditionnelle pour une autre plus personnelle, fortement inspirée par la poésie symboliste et la poésie épique du Moyen Âge. Il introduit l’image de la femme dans des jardins paradisiaques dans lesquels les nuances et la suavité des tons viennent révéler l’atmosphère rêveuse des lieux. Il prend souvent sa femme Marthe pour modèle féminin dans ses tableaux.

Il découvre l’Italie, sa patrie de cœur, en compagnie de sa femme et d'Ernest Chausson, chez qui il loge à Fiesole, dans la villa Papiniano, sur les hauteurs de Florence. Il y peint une série de paysages au cours de dix voyages. Son style évolue progressivement, le peintre introduit un certain modelé, retrouvant une tradition classique de perspective du décor dans, par exemple, Le Paysage aux Arbres Verts ou Les Hêtres de Kerduel de 1893, Un paysage de printemps de 1897.

À partir de 1898, il aborde le thème des Baigneuses au cours de plusieurs séjours à Perros-Guirec en Bretagne où il achète la villa Silencio. Dans la décennie 1900, il fait partie, avec Lucien Simon, Edmond Aman-Jean, André Dauchez, George Desvallières, Charles Cottet d'un groupe de jeunes peintres surnommé « Bande noire » par les critiques d'art car ils rejettent les coloris clairs des impressionnistes. En 1906, il voyage avec Ker-Xavier Roussel en Provence et sur la côte, où la lumière des bords de mer lui permet d’exalter les couleurs et de souligner la violence qui émane souvent de ces légendes^.

En 1897, Denis rencontre le graveur Jacques Beltrand. Les deux hommes se lient d'amitié et Beltrand devient, secondé par ses frères Camille et Georges, l'interprète exclusif du peintre, gravant pour lui nombre de ses œuvres sur bois. Jusqu'à la mort de Denis, ce sont un total de 23 livres qui seront illustrés.

En 1903, Maurice Denis rend visite à son ami le peintre Jan Verkade, devenu moine à l'abbaye de Beuron, et découvre l'art de l'école de Beuron. Cette découverte l'intéresse, et le conduit à préfacer en 1905 la traduction française du livre de Desiderius Lenz, chef de file de cet école, traduit en français par Paul Sérusier.

En 1907, Maurice Denis commence à travailler sur un important projet décoratif pour le mécène russe Ivan Morozov, qui avait été l'un des principaux mécènes de Claude Monet et Auguste Renoir, et qui possédait le tableau Terrasse du café le soir de Vincent van Gogh. Il crée un grand panneau mural, L'Histoire de Psyché, pour la salle de musique du palais Morozov à Moscou, et ajoutera ensuite quelques panneaux supplémentaires. Ses honoraires pour ce projet lui permettront d'acheter sa maison en bord de mer en Bretagne.

Maurice Denis réside une grande partie de sa vie à Saint-Germain-en-Laye, il utilise les locaux d’un vieil hôpital appartenant à la paroisse. Il y construit un atelier en 1912, et devient propriétaire des lieux, qu’il renomme le « Prieuré », à partir de 1914. Son succès est alors international, il est au sommet de sa notoriété.

La Première Guerre mondiale et la mort de sa femme, le 22 août 1919, après de nombreuses années de maladie, renforcent son action pour un art chrétien. Il se consacre alors à la décoration de la chapelle de son prieuré par des peintures murales, la conception des vitraux, du mobilier, sur le thème de sainte Marthe. Bien qu'inachevée, elle est inaugurée le 25 mars 1922. Elle servira à plusieurs reprises pour des cérémonies religieuses, le peintre y mariera plusieurs de ses enfants. Il épouse en secondes noces, cette même année, Élisabeth Graterolle. De ce deuxième lit est issu son dernier fils, lui-même père du plasticien Romain Denis.

Il enseigne à l’Académie Ranson à Paris, de 1908 à 1921. Il fonde en 1919 les Ateliers d'art sacré avec George Desvallières, et forme toute une génération de jeunes peintres, côtoie le peintre fauviste Victor Dupont. Sa reconnaissance officielle atteint son apogée après la fin de la Première Guerre mondiale, plusieurs expositions rétrospectives lui sont consacrées (Biennale de Venise en 1922, pavillon de Marsan à Paris en 1924).

Il est soutenu par plusieurs mécènes et Étienne Moreau-Nélaton acquiert l’une de ses œuvres, Amour, Foi, Espérance (1916) que ce dernier donne au musée du Louvre en 1919 pour commémorer le décès de son fils, mort pour la France en 1918. Catholique, membre du Tiers-Ordre dominicain, tout en s'estimant proche de l'esprit franciscain, il interprète des thèmes empreints de tendresse. Politiquement, Maurice Denis est un temps proche de l'Action française, mouvement royaliste, qu'il quitte après la condamnation du mouvement par Rome.

En 1929-1930, il décore la chapelle des Franciscaines de Rouen. Édouard Vuillard le représente à cette occasion dans son Portrait de Maurice Denis.

En 1940, Maurice Denis est anxieux et vit douloureusement la présence allemande. Dans son Journal de la fin 1941, il critique, discrètement mais clairement, l'armistice et le rôle du maréchal Pétain. Les nouvelles autorités le nomment, sans lui demander son avis, « président du Comité d'organisation professionnelle des Arts graphiques et plastiques » ; il se récuse et ajoute préférer « le régime des libertés » et « la liberté des organisations artistiques ». La municipalité de Saint-Germain-en-Laye lui passe alors une commande pour décorer la salle des mariages. Une esquisse est réalisée mais l'œuvre ne voit pas le jour.

Après avoir été renversé par un camion boulevard Saint-Michel, Maurice Denis meurt à l'Hôpital Cochin à Paris (14^e arrondissement) le 13 novembre 1943. Ses obsèques catholiques se déroulent le 19 novembre 1943 à l'église Saint-Germain de Saint-Germain-en-Laye, en présence de nombreuses personnes.

Sa tombe se trouve dans le cimetière ancien de Saint-Germain-en-Laye. Une rue de cette ville, où se trouve le musée du Prieuré, porte le nom de Maurice Denis, ainsi que dans le 12^e arrondissement de Paris.

• Charles Laval (1861-1894) (photos 1 à 3)

• Gustave Loiseau (1865-1935) (photos 4 à 13) + 131 à 156

• Maxime Maufra (1861-1918)

• Henry Moret (1856-1913)

• Henry Mosler (1841-1920) photos 14 à 29)

• Roderic O'Conor (1860-1940)(photos 30 à 51)

• Paul Peel (1860-1892) (photos 52 à 60)

• Frank Crawford Penfold (en) (1849-1921)

• Flavien-Louis Peslin (1847-1905) photos 61 à 65)

• Ferdinand du Puigaudeau (1864-1930)

• John Recknagel (1870-1940) (photos 66 à 77) + 128 à 130

• Louis Roy (1862-1907) photos 78 à 81)

• Émile Schuffenecker (1851-1934) (photos 82 et 83)

• Armand Seguin (1869-1903) (photos 84 à 94)

• Paul Sérusier (1864-1927)

• Earl Shinn (en) (1838-1886)

• Wladyslaw Slewinski (1856-1918) (photos 95 à 103)

• Clement Nye Swift (1846-1918) photos 104 à 113)

• Hermanus-Franciscus Van den Anker (1832-1883) (114 à 120)

• Jan Verkade (1868-1946) (photos 121 à 127)

• Hubert Vos (1855-1935)

• Julian Alden Weir (1852-1919)

• Jens Ferdinand Willumsen (1863-1958) (photos 128 à 130)

• Robert Wylie (1839 - 1877)

André JOLLY, né le 11 août 1882 à Charleville et mort le 20 juillet 1969 au Mans, est un peintre français de paysages, fleurs, natures mortes et scènes paysannes en extérieur influencé par le postimpressionnisme et le synthétisme et particulièrement marqué par le style de l'École de Pont-Aven, ayant travaillé et vécu en Cornouaille.

Débuts, Paris et Pont-Aven

André Jolly est né le 11 août 1882 à Charleville, il est le fils de l'imprimeur et libraire ardennais Edouard Jolly, et découvre la gravure et le dessin dans l'atelier familial avant d'entreprendre en 1900 des études de lettres classiques à la Sorbonne à Paris. Il fréquente toutefois épisodiquement les ateliers des peintres Victor Marec et Ferdinand Humbert, mais c'est surtout en autodidacte qu'André Jolly étudie les œuvres de ses contemporains exposées dans les galeries, tels Cézanne, Monet, et sous l'impulsion du peintre Henry Moret rencontré en 1905, Gauguin ou Van Gogh.

C'est entre 1902 et 1903 qu'il réalise son premier séjour à Pont-Aven, avant de s'installer durablement dans la région de 1904 à 1914, se faisant construire une habitation à Névez. Durant cette période, il peint la côte finistérienne, principalement entre Port Manec'h et l'Anse de Rospico.

Il développe dans les années 1910 un style plus personnel, inspiré des Nabis.

Lors de la mobilisation de la première guerre mondiale, André Jolly est d'abord maintenu à l'arrière pour arythmie cardiaque. Il est nommé intendant au lycée Likès de Quimper reconverti en hôpital militaire. Mais après quelque temps, il insiste pour être envoyé au front. Il est affecté en Alsace au Service de Repérage et d'Observation Terrestre (S.R.O.T.). Il interrompt sa pratique picturale pour se lancer dans un large corpus de croquis et d'études à l’encre, rehaussées de couleurs éclatantes qui représentent ses camarades, son camp, documentant la vie sur la front et à l'arrière. Il développe aussi pendant la guerre sa pratique de gravure sur bois

Après guerre, le style pictural d'André Jolly se précise vers le cloisonnisme mais aussi le japonisme(Hiroshige).

Il reprend la peinture, toujours entre la Bretagne et Paris, et bénéficie d'une notoriété croissante ; la Galerie Marcel Bernheim lui consacre ainsi une première exposition personnelle en 1923, le critique du New York Herald note « une grande vigueur d'exécution et des qualités de coloriste ».

Un séjour en Corse en 1919 apporte un renouvellement dans son art, son expression parait lumineuse et sa peinture des années 20 évolue alors vers un sens plus solide des formes et des choses. En 1924, il quitte Paris pour s'installer à Port Manec'h, puis Quimper et enfin Le Mans. Il expose régulièrement au salon des Indépendants (alors présidé par l'influent Paul Signac), au Salon d'Automne (dont il devient sociétaire en 1909 ) et au Salon des artistes décorateurs

Ferdinand du PUIGAUDEAU, ou Ferdinand Loyen du Puigaudeau, est un peintre postimpressionniste breton né à Nantes le 4 avril 1864 et mort au Croisic le 19 septembre 1930.

Il est le père de l'ethnologue Odette du Puigaudeau.

Ferdinand Loyen du Puigaudeau naît à Nantes le 4 avril 1864. Il est le fils d'Émile Loyen du Puigaudeau, négociant, et de Clotilde van Bredenbeck de Châteaubriant, et le petit-fils de propriétaires terriens, descendants d'une famille d'armateurs enrichis grâce au commerce colonial, mais ruinée depuis, et qui donna plusieurs maires de Couëron. Après des études classiques, il perfectionne ses dons artistiques par des voyages en Italie et en Tunisie.

En 1886, date de sa première œuvre connue, alors qu'il est en pension chez Marie Gloanec à Pont-Aven, il rencontre Paul Gauguin, Émile Bernard et Charles Laval, assistant aux prémices de ce qui deviendra deux ans plus tard l'École de Pont-Aven.

En 1889, lors d'un voyage en Belgique, il se lie avec le Groupe des XX et notamment avec Guillaume Vogels, Jan Toorop et James Ensor. Il rencontre également le peintre et sculpteur réaliste Constantin Meunier.

Il expose une première œuvre au Salon de la Société nationale des beaux-arts en 1890 et peint d'abord des scènes de genre conventionnelles. Il est toutefois progressivement influencé par la nouvelle esthétique propagée par les peintres de l'École de Pont-Aven, mais en poursuivant son cheminement propre et en restant surtout un peintre postimpressionniste. Surnommé Picolo par ses amis, il affectionne les scènes nocturnes et les atmosphères crépusculaires. C'est le « peintre de feux d'artifice, fusées, soleil et gais paysages » écrit le New York Herald en 1903. Il est aussi le peintre des fêtes populaires, en particulier celles de nuit.

Après un court séjour à Venise en 1904, où il produit cinquante toiles, il revient en Loire-Atlantique (Batz-sur-Mer), en proie à de sérieux soucis financiers.

En 1907, il s'installe au Croisic au manoir de Kervaudu, qu'il loue, et où il réunit ses amis les peintres Jean Émile Laboureur, Émile Dezaunay, Ernest de Chamaillard, ainsi que son cousin, l'écrivain Alphonse de Châteaubriant et le poète José-Maria de Heredia. « Pendant 25 ans, inlassablement il s’attachera à peindre les mêmes sites, fleurs de son jardin, marais et moulins de Brière, couchers de soleil sur la mer, champs de coquelicots ». Il y finit sa vie dépressif et alcoolique le 19 septembre 1930.

Émile JOURDAN, né à Vannes le 30 juillet 1860 et mort à Quimperlé le 29 décembre 1931 est un peintre français.

Fils de Prosper Jourdan, capitaine de brigade des douanes et de son épouse Aline Paturel, Émile Jourdan fait ses études à Vannes et commence à peindre en 1876.

Inscrit à l'École des beaux-arts de Paris, il y intègre en 1880 les ateliers de William Bouguereau et de Tony Robert-Fleury jusqu'en mars 1886. Il s'inscrit ensuite à l'Académie Julian, dont il devient le massier de son atelier et ne manque pas de se faire remarquer avec ses costumes bretons, gilet brodé aux couleurs vives et chapeau à guides.

Il reçoit un peu d'argent de ses parents et prend avec son condisciple Édouard Michelin un atelier assez vaste. Il effectue un voyage en Algérie en 1883.

Émile Jourdan arrive à l'été 1886 à Pont-Aven et s'installe à la Pension Gloanec, où il fait la connaissance de Paul Gauguin. Il se lie d'amitié avec Émile Bernard, Ernest de Chamaillard, Charles Laval et Henry Moret. Il décide de se fixer en ce lieu et racontera plus tard, en 1925 à Léon Tual, son arrivée à la Pension Gloanec et la façon dont il fit connaissance de Gauguin. Il restera à Pont-Aven de 1888 à 1931, année de sa mort. Il rejoint le groupe de Gauguin, en adopte l'esthétique et fera évoluer son style vers le synthétisme après le départ de Gauguin en Océanie.

En 1891, il est à Lézaven dans l'atelier loué par Gauguin et son groupe d'amis. Cet atelier avait été aménagé dans les dépendances du manoir de Lézaven pour les peintres américains. Cette même année il fait la connaissance de Maxime Maufra à l'hôtel de Bretagne de Pont-Aven et devient l'amant de la jeune serveuse âgée de 19 ans, Catherine Guyader. Il embarque sur le Dieudonné, brick commandé par le capitaine Canevet à destination de la Finlande. Le bateau fait naufrage devant Riga, où il passe quelques mois.

De retour à Pont-Aven au printemps 1892, Émile Jourdan se met en ménage avec Catherine Guyader dans la maison Guégen rue de Concarneau, juste à côté de l'atelier que louent Moret, Bernard et Gauguin. L'année suivante voit la naissance de son fils Yann.

C'est en spectateur, avec Seguin et Roderic O'Conor, qu'il regarde la bagarre causée par Annah la Javanaise sur le port de Concarneau et où Gauguin eut la cheville brisée par des marins.

En 1896 naît sa fille Renée. Ne comptant pas beaucoup, il reçoit ses amis avec largesse lorsqu'il vend quelques toiles. Son atelier est un lieu de rencontre où l'on croise Ernest de Chamaillard, Charles Filiger, Henry Moret ou Paul Sérusier.

En 1901 naît son troisième enfant, Guy. Maurice Denis, de passage à Pont-Aven en 1905, lui rend visite. Puis en 1907, il perd sa mère qui subvenait largement aux charges de son ménage et il dilapide rapidement l'héritage qu'elle lui laisse. Ne payant plus son loyer, il est expulsé par sa propriétaire qui fait saisir son mobilier et ses toiles, vendus aux enchères. Il mène alors une vie de vagabond, allant de Pont-Aven à Riec-sur-Bélon et Moëlan.

Il était très exigeant envers lui-même, détruisant toutes ses œuvres qui ne lui plaisaient pas. Ce qui explique le peu d'œuvres qu'il nous reste de lui. Il était tout à son art, incapable de faire vivre sa famille.

Après 1910, sa palette s'assombrit, reflet de ses angoisses. De 1911 à 1920, il séjourne régulièrement à Brigneau, à l'Auberge de la mère Bacon, où il fait la connaissance de Maurice Asselin, Jacques Vaillant, Roland Dorgelès et Pierre Mac Orlan. Ce dernier en brossera le portrait dans le personnage de son roman Le Chant de l'équipage.

C'était un homme cultivé, spirituel, un peu bohème, qui aura la chance de croiser des amis fidèles qui lui assureront le gîte et le couvert comme Fernand Jobert au Belon, le docteur Ravallec à Moëlan-sur-Mer, le sculpteur Jean Le Corronc à Pont-Aven, le peintre Ernest Correlleau et sa femme qui tient l'hôtel de la Poste à Pont-Aven.

Devant son incurie, sa famille le quitte. Il loge seul dans un grenier rue de Bannalec à Pont-Aven. La chance lui sourit en la personne de madame Halley, une riche Australienne qui, en 1927, devient son mécène. Mais l'artiste a ses exigences : il ne travaille pas sur commande. Alors de guerre lasse, madame Halley abandonne son protégé au bout d'un an.

Il meurt le 29 décembre 1931 à l'hospice de Quimperlé, rongé par l'alcoolisme et la misère.